OpenClaw: La langosta de IA que se ha colado en tus chats para organizarte la vida

Si últimamente sientes que no das abasto con los correos, las reuniones y la lista de la compra, prepárate, porque la tecnología de moda de 2026 tiene nombre de crustáceo y promete ser la solución definitiva a tu caos diario. Se llama OpenClaw y no es «otro chatbot» aburrido con el que tener conversaciones filosóficas.

Mientras las grandes tecnológicas corren a vendernos asistentes, este proyecto se ha convertido en el símbolo de una nueva era: la de la IA que menos habla y más actúa. Pero, ¿qué es exactamente y por qué todo el mundo habla de este fenómeno?

¿Qué es OpenClaw y por qué no es «una IA más»?

Para entenderlo de forma sencilla, OpenClaw es un asistente personal de código abierto que, en lugar de obligarte a entrar en una web o descargarte una aplicación nueva, vive directamente en las apps que ya usas todos los días, como WhatsApp, Telegram, Discord o Slack.

La gran promesa de OpenClaw es ser «la IA que realmente hace cosas». En lugar de abrir veinte pestañas en tu navegador para organizar tu día, simplemente le escribes un mensaje de texto a tu asistente como si fuera un amigo o un colega. La magia reside en que este asistente tiene memoria, entiende el contexto de tus conversaciones y tiene «manos virtuales» para ejecutar tareas reales en tu ordenador.

Una historia de langostas, mudas de piel y gigantes tecnológicos

Como toda buena tendencia que se vuelve viral, la historia de OpenClaw está llena de curiosidades. El proyecto empezó como un simple experimento de fin de semana creado por el desarrollador Peter Steinberger.

Curiosamente, su mascota es una langosta con un evidente «complejo de protagonista». Y como los crustáceos, el proyecto tuvo que «mudar de piel» varias veces. Nació en noviembre de 2025 bajo el nombre de «Clawd». Sin embargo, el éxito fue tal que empezaron los problemas legales por marcas registradas (debido a su parecido con los nombres de la empresa Anthropic). Pasó a llamarse temporalmente «Moltbot» en enero de 2026, hasta adoptar su forma y nombre final: OpenClaw.

¿Otra curiosidad que disparó su popularidad? En febrero de 2026, su creador anunció que fichaba por el gigante OpenAI, pero prometió trasladar OpenClaw a una fundación para que siguiera siendo un proyecto abierto, independiente y de la comunidad.

¿Para qué sirve? 4 Ejemplos prácticos para tu día a día

Olvídate de la jerga técnica. Así es como la gente real está utilizando OpenClaw para delegar su vida digital directamente desde su teléfono:

• Tu propio secretario de agenda: Imagina escribirle por WhatsApp: «Esta semana tengo huecos martes y jueves. Propón 3 opciones de reunión de 30 minutos a mi equipo, redacta el correo y pídeme confirmación antes de enviarlo».

• El filtro anti-estrés para tu correo: Puedes ordenarle: «Revisa los correos nuevos, agrúpalos por urgencia y prepara respuestas cortas. No envíes nada hasta que yo te dé el ok».

• Tu asistente de rutinas matutinas: «Cada mañana a las 8, envíame un briefing por Telegram con el tiempo, mis tareas del día y un recordatorio de mis hábitos».

• El rey del supermercado: Puedes automatizar tus compras diciéndole: «Los domingos por la tarde, arma la lista de la semana con mis básicos y confirma conmigo por chat antes de terminar y pagar el pedido».

El lado oscuro: ¿Genialidad de la productividad o un riesgo para tus datos?

Si suena demasiado bonito para ser verdad, es porque hay un pequeño gran detalle que está generando un intenso debate mundial. La razón por la que OpenClaw es el tema de moda en 2026 no es solo por lo útil que es, sino por el vértigo que da.

Cuando le das a una Inteligencia Artificial el poder de leer tus mensajes, acceder a tus archivos y comprar con tu tarjeta, la seguridad deja de ser un tema aburrido de informáticos. Una anécdota muy comentada en la prensa reciente lo ilustra a la perfección: un periodista le dio acceso total a su agente OpenClaw durante una semana. El agente le gestionó la vida maravillosamente, mostró «personalidad» (al parecer, le encantaba el guacamole), pero también llegó a rozar comportamientos engañosos que casi le cuestan una estafa.

La situación es tan seria que incluso medios internacionales como Reuters han reportado que en lugares como China se han emitido avisos y restricciones en entornos estatales por miedo a filtraciones de datos.

La nueva regla de oro: Cuidado a quién le das las llaves

La conclusión que sacamos en Bloom Magazine es clara: OpenClaw es un tráiler fascinante del futuro que nos espera. La idea de que el ordenador pase a ser un ente invisible con el que chateamos es brillante.

Sin embargo, los propios creadores lo advierten: la IA debe tratar cualquier mensaje entrante como «no confiable». Si vas a invitar a esta langosta virtual a vivir en tu WhatsApp, recuerda que delegar tu vida digital es increíblemente cómodo, pero si le das las llaves de tu casa, más vale que cambies las cerraduras. Por primera vez, la pregunta no es de qué es capaz la IA, sino cuántos permisos estás dispuesto a darle.

Podéis obtener más información en www.openclaw.ai

Entre las más recientes confirmaciones destacan los Premios Pritzker Smiljan Radić (2026) y el estudio Lacaton & Vassal (2021). Además de Junya Ishigami, famoso por su enfoque experimental y poético de la arquitectura y el renombrado experto en espacio público Jan Gehl.

Después de tres décadas, Barcelona volverá a convertirse en el epicentro del debate arquitectónico global. Del 28 de junio al 2 de julio 2026, la ciudad acogerá el Congreso Mundial de Arquitectos de la UIA 2026 Barcelona (UIA2026BCN), que reunirá a 10.000 profesionales, estudiantes y representantes institucionales de más de 130 países bajo el lema “Becoming. Architectures for a planet in transition”.

Más de 250 ponentes internacionales distribuidos en más de 100 sesiones en múltiples escenarios organizados con sesiones plenarias, debates, foros abiertos, talleres, presentaciones de investigaciones inéditas y celebraciones públicas activarán Barcelona como un espacio concentrado de intercambio.

Situado a lo largo del frente marítimo mediterráneo —desde la nave de turbinas de las Tres Chimeneas hasta espacios arquitectónicos de referencia — el Congreso va más allá del formato convencional de conferencia para invitar a experimentar una ciudad que apuesta por la capacidad de transformación de la arquitectura. Las entradas ya están disponibles y cuentan con una política de precio muy accesible que permitirá a todos los profesionales del sector participar a esta cita histórica.

El programa de UIA2026BCN se organiza en torno a las seis líneas de Becoming, cada uno abordando un ámbito específico: Becoming More-than-human explora la ecología, los ecosistemas y clima; Becoming Circular se centra en la reutilización y los ciclos de vida de los edificios; Becoming Embodied analiza tecnologías de materiales; Becoming Interdependent reflexiona sobre políticas espaciales, vivienda y espacio público; Becoming Hyper-Conscious examina datos, geopolítica y legislación, y Becoming Attuned se enfoca en la poética, la estética y la cultura.Cada temática se desarrollará durante media jornada de conferencias (durante tres días: del 29 de junio al 1 de julio).

Lunes 29 de junio: Becoming More-than-human y Becoming Circular

El lunes 29 de junio, el Congreso iniciará su programa de ponencias con las sesiones matutinas bajo el eje Becoming More-than-human, dedicado a la ecología en la arquitectura entendiendo a la naturaleza no solamente como un medio de extracción de recursos. Las sesiones explorarán cómo el diseño puede incorporar nuevas formas de convivencia entre especies, territorios y procesos ecológicos, así como el papel político de la arquitectura frente a la crisis ambiental. Entre las ponencias destacadas se encuentran la de Junya Ishigami, Kate Orff y Dirk Sijmons.

Por la tarde del mismo día (29/06), las ponencias se centrarán en Becoming Circular. En esta línea temática se dedica especial atención a las estrategias de rehabilitación del patrimonio construido, al reciclaje, la proximidad, la eficiencia energética y la economía de recursos como herramientas para reducir la huella de carbono. Entre las ponencias destacan las de Lacaton & Vassal, H Arquitectes, Jo Taillieu, Flores i Prats, Baukunst, Søren Pihlmann y Parabase.

Martes 30 de junio: Becoming Embodied y Becoming Interdependent

La siguiente jornada, la mañana del martes 30 de junio estará dedicada a Becoming Embodied, la línea que se centra en la investigación de materiales y en los procesos de construcción y tecnologías de fabricación. Las ponencias analizarán cómo los materiales—especialmente aquellos de origen local o con bajo impacto ambiental— integran valores medioambientales y sociales, explorando su potencial estructural, los sistemas de ensamblaje y la adaptabilidad de estos a lo largo del tiempo. Entre las ponencias destacadas se encuentran la de Marina Tabassum, Palinda Kannangara, Bruther, BC architects & studies & materials, Hive Earth, Lehm Ton Erde, Arquitectura G y Go Hasegawa.

La programación de la tarde del segundo día se centra en las dimensiones sociales, políticas y económicas del entorno construido con Becoming Interdependent, el eje que propone repensar las formas de convivencia basadas en el cuidado, la cooperación y la solidaridad como motores del empoderamiento social. Las sesiones abordarán temas como las políticas espaciales que promueven el derecho a la vivienda, la perspectiva de género y el espacio público. La vivienda se analizará desde diversos enfoques por Lacol, Erika Nakagawa y Clauss Kahl Merz y Mariana Mazzucato. El diseño urbano y el espacio público serán abordados, entre otros, por Jan Gehl, Rural Urban Framework y Rahul Mehrotra.

Miércoles 1 de julio: Becoming Hyper-Conscious y Becoming Attuned

La mañana del miércoles 1 de julio estará dedicada a “Becoming Hyper-Conscious”, un eje que examina cómo las dinámicas a escala planetaria —incluyendo las relaciones geopolíticas, los marcos legislativos, la digitalización y la inteligencia artificial— influyen directamente en las realidades locales y en la vida cotidiana. Las sesiones invitarán a desarrollar una conciencia crítica sobre estos fenómenos y a explorar sus implicaciones y potencial para la práctica arquitectónica contemporánea. Entre las ponencias destacadas están la de Mario Carpo, Forensic Architecture y Center for Spatial Technologies.

Por la tarde, Becoming Attuned se adentrará en la dimensión poética de la arquitectura, atenta a los contextos materiales, culturales y afectivos. Reclama una mirada más sensible, abierta, guiada por el deseo y la curiosidad, que celebre la incertidumbre, lo cotidiano y la accidentalidad, así los fenómenos físicos y digitales. Este “Becoming” funciona como punto de cierre de los otros cinco encuentros y condensa cómo la confluencia de todos ellos permite percibir las sutilezas y bellezas presentes en objetos y espacios. En esta jornada destacan las ponencias de Smiljan Radić, Matilde Cassani, Tatiana Bilbao Estudio, Bêka & Lemoine, Enrique Walker, Philip Ursprung, y Alexander Brodsky.

El Congreso es convocado por la Unión Internacional de Arquitectos (UIA) y está organizado por el Consejo Superior de los Colegios de Arquitectos de España (CSCAE) y el Col·legi d’Arquitectes de Catalunya (COAC). Además, cuenta con el apoyo del Ministerio de Vivienda y Agenda Urbana de España, la Generalitat de Catalunya y el Ayuntamiento de Barcelona, que lo han reconocido como un evento de excepcional interés público.

El congreso se propone como referente para el debate sobre la arquitectura del futuro, respaldado por los acuerdos con Roca, HP y Holcim como main partners; y Velux como partner.

Podéis obtener más información sobre el congreso en su página web oficial www.uia2026bcn.org

Y en su canal de YouTube en el que se añadirán contenidos y ponencias muy interesantes @uia2026bcn

Un arranque a la altura del álbum Más Cara (Interscope Records, 2026), su segundo álbum, que por primera vez ha cobrado vida sobre el escenario en su ciudad ante más de 45.000 asistentes.

Durante tres noches consecutivas, Barcelona ha sido el epicentro del universo Más Cara: un directo diseñado como extensión natural del disco, donde conviven la potencia de los grandes beats con una puesta en escena que refuerza la identidad visual y conceptual del proyecto. Lejos de limitarse a una sucesión de hits, el show ha funcionado como relato, trasladando al directo esa dualidad que atraviesa el álbum -fuerza y vulnerabilidad, espectáculo e intimidad- y consolidando el momento artístico que atraviesa la artista.

El repertorio ha dado protagonismo a las nuevas canciones, integradas con algunos de los temas más icónicos de su carrera, en un set que evidencia la evolución de Bad Gyal tanto a nivel sonoro como escénico. En este contexto, la artista ha contado en las tres fechas con la aparición de 8belial como invitado especial, reforzando sobre el escenario uno de los nuevos vínculos creativos que atraviesan Más Cara.

Bad Gyal ha apostado por un formato de gran escala, pensado para arenas, donde el imaginario del disco se despliega con ambición: coreografías, visuales y dirección artística al servicio de una narrativa clara. La dirección creativa del show ha corrido a cargo de The Movement, mientras que la coreografía ha sido desarrollada por Malou Linders. El diseño de escenario lleva la firma de Matière Noire, responsables de la concepción de fashion shows para firmas como Courrèges, Jean Paul Gaultier, Mugler o MM6 Maison Margiela, reforzando el cruce entre universo escénico y lenguaje de moda.

El vestuario juega también un papel clave en la construcción del universo Más Cara. Para el arranque del tour en Barcelona, Bad Gyal apuesta por un look custom de la marca barcelonesa Onrush, reafirmando su vínculo con la escena creativa local y su apoyo constante a diseñadores nacionales. A lo largo de los shows, la artista incorpora también un diseño de LUAR, consolidando la relación que mantiene con la firma y su director creativo, Raúl López, con quien asistió a los CFDA Fashion Awards en la pasada edición, y un look de archivo de Dsquared2 de la colección primavera/verano 2013. Una selección de estilismos que acompaña la narrativa del show y refuerza el diálogo constante entre lo local y lo internacional.

Este arranque multitudinario no solo confirma la conexión de Bad Gyal con su público, sino que marca un punto de inflexión en su trayectoria. El tour de Más Cara continuará en las próximas semanas por las principales ciudades españolas, donde ya acumula múltiples sold outs con las últimas entradas disponibles en la tercera fecha de Madrid, la segunda de Bilbao y la de A Coruña. Próximamente se anunciarán fechas internacionales.

Las fechas de la gira «Más Cara» de Bad Gyal en España:

marzo 20 Palau Sant Jordi – Barcelona – España

marzo 21 Palau Sant Jordi – Barcelona – España

marzo 22 Palau Sant Jordi – Barcelona – España

abril 11 Movistar Arena – Madrid – España

abril 12 Movistar Arena – Madrid – España

abril 14 Movistar Arena – Madrid – España

abril 24 Roig Arena – Valencia – España

mayo 9 Estadio La Cartuja – Sevilla – España

mayo 15 Bilbao Arena – Bilbao – España

Podéis conocer más a Bad Gyal visitando su perfil en Instagram @akabadgyal

Y su página web oficial www.akabadgyal.com

Solo queda un mes para que OFFF Barcelona, el festival internacional más vanguardista en creatividad, arte y diseño digital, vuelva a reunir a los talentos más innovadores y destacados del sector en el Disseny Hub. Del 16 al 18 de abril el festival celebra su 26ª edición con un lineup de 45 speakers que nos descubrirán su proceso creativo en primera persona, más otros tantos workshops y masterclasses que suman un total de 95 creativos.

Este año la campaña visual “Cultured” ha sido creada por Uncommon Creative Studio. El hero film completo se desvelará el primer día del festival, presentado por Nils Leonard, fundador del estudio.

Las diversas disciplinas, experiencias y contextos creativos que convergerán este año en OFFF se unen a nuevos formatos y actividades paralelas que convertirán Barcelona en la capital de la creatividad. Esta edición contará con workshops impartidos por creativos, así como masterclasses de los líderes de industria: Adobe, Maxon, Houdini y Framer. Además, este año OFFF introduce un nuevo formato, TIPS & TRICKS, sesiones con público reducido donde 6 speakers de renombre compartirán su experiencia. Charlas cercanas en las que expertos conversarán sobre diversos temas, como dudas sobre carrera, liderazgo, reinvención profesional, etc.

Ya están disponibles en la web del festival el Full Pass, que da acceso a los tres días del festival, y los Day Tickets. Además, pronto también se podrá adquirir entrada para la jornada de clausura del día 18 de abril, que incluye la última charla de Silent Partners Studio, show audiovisual de Hamill Industries y el mapping en la fachada de Disseny Hub. Para los más fiesteros, ya está disponible la entrada para el Afterparty del 18 en La Paloma, con Dj sets de San Jones, Nahoomie y Drea.

NUEVAS CONFIRMACIONES EN EL FESTIVAL

A un mes de la celebración del festival, OFFF Barcelona ha anunciado nuevos ponentes que participarán en Disseny Hub. Entre las nuevas confirmaciones destacan referentes globales de la creatividad y la innovación visual como teamLab, colectivo japonés reconocido por sus instalaciones digitales inmersivas, y Moment Factory, estudio pionero en la creación de experiencias multimedia y entornos audiovisuales a gran escala con el Real Madrid o Madonna entre sus clientes. A ellos se suma Wieden+Kennedy Amsterdam, considerada la Agencia Global del Año 2025 por Adweek. El cartel se completa con estudios y agencias de referencia en diseño, branding y motion como FutureDeluxe, Uncommon, Hamill Industries y Base Design, que aportarán su visión sobre los procesos y tendencias que están definiendo la creatividad contemporánea.

El festival también incorpora perfiles que expanden los límites entre disciplinas, como James Beacham, físico y artista que explora la relación entre ciencia, tecnología y arte, y Johanna Jaskowska, artista digital reconocida por su trabajo pionero en estética virtual, identidad digital y cultura online. Además, el festival contará con dos paneles especiales liderados por Creative Review y Stash, dos de los medios de comunicación internacionales más influyentes. Con estas nuevas confirmaciones, OFFF Barcelona continúa consolidando un programa que reúne a algunas de las figuras y estudios más relevantes del panorama creativo global.

OFFF continúa su compromiso con la ciudad de Barcelona y presenta diferentes propuestas para convertir la ciudad en el hogar de la creatividad para acercar a todo el mundo el talento de las mentes más inquietas y crear una experiencia cultural única y enriquecedora.

Destaca un año más en la programación del festival The Screen, una experiencia de mapping en la fachada de Disseny Hub, gratuita y abierta al público durante las tres noches del festival, con una programación distinta cada noche. La muestra nace de una convocatoria abierta en la que se recibieron más de 730 obras (frente a las 350 del año pasado) de 63 países y de 5 continentes. El jueves 19 de marzo se anunciarán los proyectos seleccionados y que serán proyectados a todo el público que acuda a Disseny Hub.

The Screen también presenta obras comisionadas por el propio festival. PJ Richardson, Burton Rast, Caserne, Somnia Lab, OnionLab, Framemov crearán piezas específicas para esta experiencia de mapping. Además, Uncommon va a crear una pieza especial para el mapping en el marco de la campaña visual.

Este año, la clausura y uno de los platos fuertes del festival, los Main Titles, saldrán por primera vez a la calle y más concretamente a la fachada de Disseny Hub. PJ Richardson, director creativo estadounidense, es el encargado de diseñar este año los Main Titles, los cuales celebran “la idea de que el festival lo hacen todas las personas que asisten a él: un colectivo de creativos que se reúne para aprender, inspirarse y celebrar el diseño”.

Otra actividad abierta al público durante estos días es La Plaça Design Market. El tradicional mercadillo ofrece un año más una selección curada de 15 proyectos de diseño locales e internacionales, ofreciendo una diversa gama de productos creativos: libros, ropa, accesorios y más. Un punto de encuentro imprescindible para los amantes del diseño que deseen descubrir piezas únicas, conectar con diseñadores y experimentar lo mejor de la creatividad local e internacional.

OFFF ofrece un prisma completo del presente del arte, el diseño y la creatividad, pero también del futuro. Para ello, el festival presenta por tercer año consecutivo NXT, plataforma dedicada a mostrar la próxima generación de talentos emergentes. En esta muestra los visitantes pueden explorar proyectos innovadores y experimentar de primera mano las presentaciones dirigidas por los estudiantes de 10 de las principales escuelas de creatividad y diseño: AMD, BAU, Brother, CTIM-UPC, Elisava, IDEP, IED, Labasad, LCI y Université de Franche-Comté. Mediante presentaciones dirigidas por los propios estudiantes, NXT brinda a los jóvenes creativos la oportunidad de mostrar sus proyectos a una audiencia global y comenzar a abrirse camino en el mundo profesional del diseño.

SOBRE OFFF

Fundado en Barcelona en 2001, OFFF es una plataforma global para la industria creativa que marca las tendencias de nuevas imágenes y estéticas en los campos del diseño, el arte y la cultura post-digital. A lo largo de sus 25 años de trayectoria, OFFF se ha convertido en una red internacional, ampliándose más allá del festival principal con OFFF On Tour, OFFF Studio y otros proyectos. Al reunir a una comunidad global de profesionales del diseño y la creatividad, OFFF fomenta la colaboración y el intercambio de ideas para expandir los límites de la cultura visual contemporánea.

Podéis obtener más información y comprar las entradas en: www.offf.barcelona

El origen de un asiento reservado para los elegidos

El acto de sentarse existe desde los albores de la humanidad, pero elevar ese acto a una categoría de prestigio social requirió de diseño e intención. La historia de la silla se remonta a civilizaciones antiguas como Egipto, pero fue en Roma donde el asiento adquirió una dimensión legal y política insólita a través de la silla curul (sella curulis).

Curiosamente, los historiadores señalan que este diseño, que podríamos considerar el primer modelo de silla plegable de la historia documentada, tiene sus raíces en una palabra romana antigua (curule) vinculada a los carros de guerra.

En la sociedad romana, no cualquiera podía sentarse en ella. Estaba reservada estrictamente para los magistrados con imperium; es decir, aquellos que poseían el mando supremo judicial y militar, incluyendo cónsules y pretores. Su diseño original era eminentemente práctico y simbólico: consistía en una estructura en forma de «X» o tijera, a menudo elaborada en marfil tallado o bronce, y contaba con un asiento de cuero.

El hecho de ser plegable no era casualidad: permitía a estos altos cargos transportarla fácilmente en sus desplazamientos, llevando su «trono» y su autoridad a cualquier rincón del imperio.

La silla Curul Romana, evolución de una forma perfecta: De la Edad Media al Renacimiento

Tras la caída del Imperio Romano, el diseño en forma de «X» no desapareció, sino que mutó y se adaptó a las nuevas esferas de poder.

Durante la Edad Media, la silla curul perdió parte de su carácter móvil para volverse más estática y ornamentada. Pasó a llamarse faldistorium y, aunque siguió representando el poder secular, fue adoptada rápidamente por la alta jerarquía de la Iglesia como símbolo de autoridad. El famoso trono del Rey Dagoberto en Francia (siglo VIII), fabricado en bronce, es un ejemplo temprano de esta transición.

Más tarde, en el Renacimiento, la silla curul vivió un resurgimiento espectacular. El diseño se refinó, añadiendo respaldos y brazos, y la madera (como el nogal) se convirtió en el material predilecto. En esta época nacieron dos variantes icónicas que seguro has visto en museos o anticuarios:

La silla Savonarola: De origen italiano, caracterizada por múltiples listones de madera entrelazados en curva que forman la «X», creando una estructura acanalada muy elegante.

La silla Dante (o Dantesca): Más robusta, con una «X» más sólida y a menudo tapizada en terciopelo o cuero en el asiento y el respaldo.

En España, esta evolución dio lugar a variantes como el sillón frailero o la jamuga (sillón de cadera), donde el mecanismo de pliegue a menudo se sustituía por un disco ornamental decorativo en la intersección de las patas.

La Curul en el interiorismo moderno: Una lección de atemporalidad

¿Cómo sobrevive un diseño de la antigüedad clásica en el interiorismo contemporáneo? La respuesta radica en su geometría.

La estructura cruzada de la silla curul aporta una ligereza visual y una tensión estructural que resulta inmensamente atractiva para los diseñadores modernos. Lejos de quedar relegada a los museos, la silla curul ha inspirado a los grandes maestros del siglo XX y sigue siendo un recurso invaluable en la decoración actual.

Mies van der Rohe y la Silla Barcelona

El ejemplo moderno más famoso de la influencia curul es, sin duda, la Silla Barcelona, diseñada por Ludwig Mies van der Rohe y Lilly Reich para el Pabellón Alemán de la Exposición Internacional de Barcelona de 1929.

Mies van der Rohe se inspiró directamente en las sillas curules romanas y egipcias para crear esta pieza. Sin embargo, sustituyó la madera y el marfil por acero inoxidable pulido y reemplazó el asiento de cuero simple por un lujoso acolchado compuesto por 40 paneles cortados y cosidos a mano. El resultado fue una silla concebida para que se sentaran los reyes de España durante la inauguración del pabellón; un guiño brillante a su origen como asiento de gobernantes.

Aplicación en proyectos decorativos actuales

Hoy en día, incorporar una silla curul (o una pieza inspirada en ella) en un proyecto de interiorismo es una declaración de intenciones. Los decoradores la utilizan por varias razones:

• Punto focal escultural: Gracias a sus patas cruzadas, estas sillas son visualmente interesantes desde cualquier ángulo, a diferencia de las sillas de cuatro patas tradicionales. A menudo se colocan en pares a los pies de una cama, frente a una chimenea o en un vestíbulo amplio.

• Contraste de estilos: Una silla curul antigua (por ejemplo, una Savonarola italiana de principios del siglo XX) introducida en un ambiente minimalista y moderno crea un contraste ecléctico y sofisticado.

• Versatilidad de materiales: Los diseñadores contemporáneos han reinterpretado el diseño utilizando acrílico transparente (Lucite), metales dorados mate y tapicerías de bouclé o pieles exóticas, adaptando el asiento romano al lujo del siglo XXI.

En definitiva, la historia de la silla curul nos enseña que el buen diseño nunca muere. Aquel asiento concebido para que Julio César despachara asuntos de estado sigue vivo hoy en nuestros salones, demostrando que la elegancia de una simple «X» es, y será siempre, eterna.

La carrera por el «trabajador» sintético

Vivimos una auténtica fiebre del oro en la robótica humanoide. Desde el Optimus de Tesla hasta el nuevo Atlas eléctrico de Boston Dynamics, las grandes tecnológicas compiten por crear el primer androide verdaderamente útil y escalable. En este escenario abarrotado, la compañía china XPENG ha dado un golpe sobre la mesa con una propuesta diferente: no empezar de cero, sino trasplantar un «cerebro» ya probado a un cuerpo nuevo.

XPENG no es una empresa de robótica tradicional; es un gigante de los vehículos eléctricos (EV) conocido por su agresiva apuesta por la conducción autónoma y, sí, incluso por los coches voladores (a través de su filial XPENG Aeroht). Su incursión en los humanoides no es un capricho, es el siguiente paso lógico en su ecosistema de movilidad e IA.

Revelado al mundo con gran fanfarria en su «AI Day» (Día de la Inteligencia Artificial) a finales de 2024, el robot IRON (también conocido internamente como PX5 en sus primeras etapas) no es un concepto de cartón piedra. Es una máquina imponente diseñada para el mundo real.

Con una estatura de 178 centímetros y un peso de 70 kilogramos, IRON tiene unas proporciones inquietantemente humanas. Su diseño es elegante, casi minimalista, alejándose de la estética de «máquina expuesta» de otros competidores para buscar una apariencia más amigable y pulida.

Pero la verdadera magia reside en su capacidad de movimiento. El robot cuenta con más de 60 articulaciones (grados de libertad) en todo su cuerpo, lo que le permite una fluidez asombrosa al caminar, agacharse o girar.

Puedes ver al Robot IRON en acción en este vídeo de su presentación oficial:

Manos que «sienten»

Uno de los mayores desafíos en robótica no es caminar, es manipular. Las manos humanas son maravillas de la ingeniería biológica difíciles de replicar. IRON, sin embargo, cuenta con manos extraordinariamente diestras.

Cada mano posee 11 grados de libertad y está equipada con sensores táctiles avanzados. Esto significa que IRON no solo «agarra» cosas a ciegas; puede percibir la forma, la textura y la presión necesaria para sostener un objeto delicado sin romperlo o una herramienta pesada con firmeza.

El «Cerebro»: El chip Turing y la herencia del coche autónomo

Aquí es donde XPENG se diferencia radicalmente de la competencia y donde la historia se pone fascinante. Mientras otros intentan enseñar a sus robots a «ver» el mundo desde cero, XPENG simplemente ha descargado en IRON la experiencia de millones de kilómetros recorridos por sus coches.

La sinergia XNGP

IRON utiliza el mismo stack de software de IA que los vehículos avanzados de la marca (el sistema XNGP o XBrain). El robot utiliza cámaras y sensores para percibir su entorno de la misma manera que un coche autónomo detecta peatones, semáforos y obstáculos. Para IRON, moverse por una fábrica es como para un coche XPENG navegar por una autopista compleja.

El corazón de silicio: El chip Turing

Para procesar esta ingente cantidad de datos en tiempo real, el robot necesita una potencia de cálculo brutal. XPENG desarrolló su propio chip de IA patentado, llamado Turing. Este cerebro de silicio, diseñado específicamente para modelos grandes de IA, es el que permite a IRON tomar decisiones en milisegundos, manteniendo el equilibrio y ejecutando tareas complejas simultáneamente.

En este vídeo se pueden apreciar más detalles del movimiento del robot humanoide IRON y sus capacidades:

A diferencia de otros robots que aún están aprendiendo a doblar camisetas en entornos controlados, IRON nació con un contrato de trabajo bajo el brazo.

El objetivo inmediato de XPENG es la automatización industrial interna. IRON ya ha sido desplegado en las propias líneas de ensamblaje de vehículos eléctricos de XPENG. Su misión es encargarse de tareas que son demasiado peligrosas, repetitivas o ergonómicamente dañinas para los trabajadores humanos, como la inspección de calidad, el transporte de materiales pesados en entornos complejos o el ajuste final de componentes.

He Xiaopeng, CEO de la compañía, ha dejado claro que la visión a largo plazo va más allá de la fábrica. Se espera que, a medida que la IA madure y los costes de producción bajen, robots como IRON puedan asistir en tareas domésticas, cuidado de personas y servicios comerciales, convirtiéndose en un asistente físico universal.

Con IRON, XPENG demuestra que la línea que separa un vehículo inteligente de un robot humanoide es cada vez más difusa, y que el futuro de la mano de obra podría tener un diseño «Made in China».

La historia de la inteligencia artificial moderna no se puede contar sin hablar de Demis Hassabis. Niño prodigio del ajedrez, diseñador de videojuegos a los 17 años (¿recuerdas Theme Park?) y neurocientífico después, Hassabis siempre tuvo una obsesión: entender la inteligencia para recrearla.

El documental «The Thinking Game», dirigido por Greg Kohs, ofrece un acceso sin precedentes a esta mente visionaria. Durante cinco años, las cámaras siguieron a Hassabis y a su equipo en DeepMind (el laboratorio de IA de Google) en su búsqueda del «Santo Grial» de la computación: la Inteligencia Artificial General (AGI). Pero el documental se centra en un hito específico que ha cambiado la ciencia para siempre: AlphaFold.

La película narra la tensión, los fracasos y la euforia detrás del desarrollo de AlphaFold. El reto era titánico: resolver el «problema del plegamiento de proteínas», un misterio que había desconcertado a los biólogos durante 50 años.

Predecir cómo se pliega una proteína es esencial para entender las enfermedades y diseñar nuevos medicamentos. Las posibilidades de configuración son astronómicas (más que átomos en el universo), pero DeepMind se propuso resolverlo usando IA.

El clímax de esta historia real supera a cualquier guion de Hollywood: en 2024, Demis Hassabis y John Jumper fueron galardonados con el Premio Nobel de Química por este avance. El documental nos muestra el camino humano y tecnológico que llevó hasta ese reconocimiento histórico.

Más allá de la jerga técnica, este documental es una historia sobre la perseverancia y la creatividad humana aumentada por las máquinas.

• Acceso exclusivo: Verás las reuniones internas, las dudas y los momentos «Eureka» dentro de las oficinas de DeepMind en Londres.

• El lado humano de la IA: Lejos de la visión distópica de los robots que dominan el mundo, aquí vemos la IA como una herramienta colaborativa definitiva para acelerar el descubrimiento científico.

• Un thriller intelectual: El ritmo de la narración convierte la investigación científica en una carrera contra el reloj y contra lo imposible.

Si te interesa cómo la tecnología está reescribiendo las reglas de la biología y quieres conocer al hombre que soñó con máquinas pensantes y terminó ganando un Nobel, no puedes perderte este film.

A continuación puedes ver el documental completo y sumergirte en el juego del pensamiento:

The Thinking Game: La fascinante odisea de Demis Hassabis y DeepMind para resolver el mayor puzle de la biología

Nacido en Fresno, California, hijo de inmigrante mexicano y madre irlandesa, Willy Chavarria ha convertido su herencia cultural en su mayor fortaleza creativa. Lejos de ocultar sus raíces, las amplifica. Su marca homónima, lanzada en 2015, es una carta de amor a la cultura chicana, a la clase trabajadora y a la comunidad LGBTQ+.

Lo que hace único a Chavarria es su capacidad para elevar la estética de la calle a la categoría de High Fashion. Sus colecciones no son solo ropa; son declaraciones políticas que abordan temas como la inmigración, la justicia racial y la identidad queer. No es casualidad que haya sido galardonado consecutivamente como el Diseñador de Ropa Masculina del Año por el CFDA (2023 y 2024) y reconocido internacionalmente por su visión inclusiva.

La silueta de Willy Chavarria es inconfundible. Imagina la crudeza del workwear americano mezclada con una sastrería impecable y volúmenes exagerados. Sus prendas clave incluyen:

• Pantalones «Cholo» y siluetas amplias: El oversize no es aquí una tendencia, es una identidad. Los pantalones anchos y caídos, como los famosos Bad Boy Jeans, evocan la estética de los barrios latinos de los 90.

• Sastrería deconstruida: Chaquetas con hombros caídos y cortes arquitectónicos que proyectan poder y vulnerabilidad al mismo tiempo.

• Mensajes gráficos: Camisetas y sudaderas con lemas potentes o iconografía religiosa reinterpretada, como sus piezas Casa de Chavarria o las colaboraciones icónicas con marcas deportivas como Adidas.

Su enfoque es minimalista pero visualmente impactante, diseñado para empoderar a quien lo lleva. Como él mismo dice, su ropa está hecha para dar «dignidad humana» a través del diseño.

Si te has enamorado de su propuesta (y es difícil no hacerlo), te alegrará saber que no necesitas cruzar el Atlántico para hacerte con sus diseños. En España, la tienda Ekseption en Madrid cuenta con una selección de sus últimas colecciones.

Desde sus camisas estructuradas hasta sus accesorios más buscados, puedes encontrar piezas exclusivas directamente en su web: 👉 Colección Willy Chavarria en Ekseption

Conecta con el universo Chavarria

Para entender realmente la magnitud de su visión, te recomiendo sumergirte en su mundo visual. Su página web es un escaparate de sus últimas campañas y colaboraciones: 🌐 willychavarria.com

Y si quieres inspiración diaria y ver cómo su comunidad lleva las prendas, su Instagram es una parada obligatoria. Allí comparte no solo moda, sino el activismo y el arte que impulsan su marca: 📸 @willychavarria

Willy Chavarria es más que un diseñador; es un movimiento. Vestir sus prendas es formar parte de una historia que celebra la belleza en la diversidad y la fuerza en la marginalidad. ¿Te unes?

🎧 Recomendado ver el videoclip con auriculares.
💫 Animación e historia creadas para el canal de YouTube de El Parque de los Dibujos, pulsa aquí para visitarlo.