Un arranque a la altura del álbum Más Cara (Interscope Records, 2026), su segundo álbum, que por primera vez ha cobrado vida sobre el escenario en su ciudad ante más de 45.000 asistentes.

Durante tres noches consecutivas, Barcelona ha sido el epicentro del universo Más Cara: un directo diseñado como extensión natural del disco, donde conviven la potencia de los grandes beats con una puesta en escena que refuerza la identidad visual y conceptual del proyecto. Lejos de limitarse a una sucesión de hits, el show ha funcionado como relato, trasladando al directo esa dualidad que atraviesa el álbum -fuerza y vulnerabilidad, espectáculo e intimidad- y consolidando el momento artístico que atraviesa la artista.

El repertorio ha dado protagonismo a las nuevas canciones, integradas con algunos de los temas más icónicos de su carrera, en un set que evidencia la evolución de Bad Gyal tanto a nivel sonoro como escénico. En este contexto, la artista ha contado en las tres fechas con la aparición de 8belial como invitado especial, reforzando sobre el escenario uno de los nuevos vínculos creativos que atraviesan Más Cara.

Bad Gyal ha apostado por un formato de gran escala, pensado para arenas, donde el imaginario del disco se despliega con ambición: coreografías, visuales y dirección artística al servicio de una narrativa clara. La dirección creativa del show ha corrido a cargo de The Movement, mientras que la coreografía ha sido desarrollada por Malou Linders. El diseño de escenario lleva la firma de Matière Noire, responsables de la concepción de fashion shows para firmas como Courrèges, Jean Paul Gaultier, Mugler o MM6 Maison Margiela, reforzando el cruce entre universo escénico y lenguaje de moda.

El vestuario juega también un papel clave en la construcción del universo Más Cara. Para el arranque del tour en Barcelona, Bad Gyal apuesta por un look custom de la marca barcelonesa Onrush, reafirmando su vínculo con la escena creativa local y su apoyo constante a diseñadores nacionales. A lo largo de los shows, la artista incorpora también un diseño de LUAR, consolidando la relación que mantiene con la firma y su director creativo, Raúl López, con quien asistió a los CFDA Fashion Awards en la pasada edición, y un look de archivo de Dsquared2 de la colección primavera/verano 2013. Una selección de estilismos que acompaña la narrativa del show y refuerza el diálogo constante entre lo local y lo internacional.

Este arranque multitudinario no solo confirma la conexión de Bad Gyal con su público, sino que marca un punto de inflexión en su trayectoria. El tour de Más Cara continuará en las próximas semanas por las principales ciudades españolas, donde ya acumula múltiples sold outs con las últimas entradas disponibles en la tercera fecha de Madrid, la segunda de Bilbao y la de A Coruña. Próximamente se anunciarán fechas internacionales.

Las fechas de la gira «Más Cara» de Bad Gyal en España:

marzo 20 Palau Sant Jordi – Barcelona – España

marzo 21 Palau Sant Jordi – Barcelona – España

marzo 22 Palau Sant Jordi – Barcelona – España

abril 11 Movistar Arena – Madrid – España

abril 12 Movistar Arena – Madrid – España

abril 14 Movistar Arena – Madrid – España

abril 24 Roig Arena – Valencia – España

mayo 9 Estadio La Cartuja – Sevilla – España

mayo 15 Bilbao Arena – Bilbao – España

Podéis conocer más a Bad Gyal visitando su perfil en Instagram @akabadgyal

Y su página web oficial www.akabadgyal.com

“Contact”, pista final de Random Access Memories (2013), recibe por fin un videoclip oficial. La pieza aterriza en noviembre de 2025 y expande el universo del dúo con estética cinematográfica y narrativa espacial.

El vídeo es fruto de la colaboración con Epic Games y el estudio Magnopus. Visualmente prolonga —y reinterpreta— la secuencia de apertura de la Daft Punk Experience en Fortnite, lanzada este otoño

La historia sigue a los dos robots de Daft Punk en un viaje hacia una señal intermitente, con referencias a etapas clave de su carrera. Es, además, un espejo de la travesía que vive el jugador al iniciar la experiencia jugable dentro de Fortnite.

El tema conserva su icónico sample de comunicaciones del Apolo 17, que aquí se funde con un montaje de escala astronómica para subrayar la idea de “contacto” como hallazgo y despedida.

Más que un simple lanzamiento tardío, el vídeo de “Contact” conecta música, cultura gamer y memoria visual de Daft Punk. Funciona como epílogo audiovisual de Random Access Memories y como puente entre públicos, formatos y plataformas y además…   ¡¡ Es algo nuevo de Daft Punk !!  😀​ 🚀​

Ficha rápida

Canción: «Contact»
Álbum: Random Access Memories (2013)
Estreno del videoclip: noviembre de 2025
Dirección/creación: Epic Games & Magnopus (colaboración oficial)
Contexto: Inspirado en la Daft Punk Experience de Fortnite
Vídeo en YouTube: Disponible en los canales oficiales de Daft Punk y Fornite

Es el primer gesto de un proyecto profundamente personal, producido por la propia artista catalana, que marca el inicio de su etapa en solitario. Un trabajo que no parte de un concepto abstracto, sino de una herida, de un vacío que busca ser dicho, de una cadena de voces femeninas que resuenan en el tiempo: la suya, la de su prima hermana Alicia —cuya muerte inspira esta canción—, y las de todas las mujeres que la precedieron.

“‘Ama’ son sus iniciales. ‘Ama’ es una carta de amor. ‘Ama’ es polifonía. “Ama” son todas las voces dentro de mí”, explica Arnal de una pieza que nos habla de la confianza, el amor y la sensibilidad que nace del cuerpo.

La canción también incide en la potencia de la voz como puente entre lo humano y lo digital. Producida junto a Alizzz y Pau Riutort, se despliega una arquitectura coral compuesta de 60 capas vocales, grabadas, clonadas, multiplicadas y reimaginadas, hasta construir un coro invisible que canta con ella, por ella y a través de ella.

Esta exploración sonora procede del proyecto de investigación AMA, desarrollado junto al Barcelona Supercomputing Center y el Intelligent Instruments Lab de Reikiavik, donde María Arnal investiga los límites y expansiones de la voz en el siglo XXI. Pero más allá de la tecnología, ‘Ama’ es un ejercicio de verdad emocional: un canto sobre cómo el cuerpo recuerda, desea y resiste, incluso cuando se descompone en frecuencias digitales.

Con una trayectoria de más de una década, María Arnal ha construido una de las carreras más singulares de su generación. Su trabajo desafía las convenciones del ciclo tradicional disco/gira, explorando constantemente las intersecciones entre música, ciencia, poesía y cuerpo. En su nueva etapa, esa inquietud se radicaliza: cada canción se convierte en una carta, cada carta en un gesto, cada gesto en una nueva forma de amar y de decir.

Su nueva música solo se ha podido escuchar en directo durante una gira, tan aplaudida como reveladora, que arrancó en Sónar y que la ha llevado por diferentes ciudades de España, Europa y próximamente a México. Música, danza y tecnología se funden en un espectáculo vivo junto a las bailarinas de La Veronal, convertidas en un coro de movimiento y sonido. Una travesía que reafirma su apuesta por los procesos experimentales, emocionales y colectivos como vía de creación.

Con ‘Ama’, María Arnal no solo presenta una canción: abre un nuevo capítulo en su historia, una constelación donde el amor, la memoria y la tecnología se entrelazan en un mismo gesto. Una voz que se multiplica para seguir diciendo —y llorando— todo lo que aún queda por decir.

El Círculo de Bellas Artes vuelve a transformarse en un palacio embrujado para su ya tradicional Noche de Muertos y Brujas. En la antesala de su centenario, el edificio convoca a brujas, catrinas y criaturas esotéricas en una velada que rinde tributo a la cultura mexicana y a las fuerzas ocultas que visitan nuestro mundo en esta fecha.

31 de octubre · 22:30 · Círculo de Bellas Artes (Madrid)
Salas activadas: Sala de las Columnas y Salón de Baile.

Los seres fantásticos serán las figuras centrales de la ceremonia de este año, junto a los inolvidables espíritus que hacen su visita a nuestro mundo en esta fecha. Homenajeando la cultura mexicana, la presencia de brujas, bestias demonios y demás seres esotéricos desfilarán por este icónico palacio, en la antesala de su centenario. Esta reunión de lo tradicional con lo oculto y lo espiritual conseguirá recrear un ambiente único con la diversión como punto de partida.

La música estará a cargo de varios djs que harán mover el esqueleto a los asistentes que transiten por la Sala de las Columnas o por el Salón de Baile. El dúo afincado en Barcelona, Tambor digital y la DJ Mila Moon, argentina con residencia en la Ciudad Condal, darán el pistoletazo de salida. Los primeros, con notas entre la electrónica, el afrobeat y una unión entre la mesa de DJ y el uso de percusión en vivo; por su parte, Mila Moon traerá una intensa sesión de cumbia y neo perreo. Más tarde, su compatriota Piti Vaccari y la ya conocida madrileña EME DJ tomarán el control de los platos con un par de horas de dembow y ritmos afrolatinos, junto a hits de disco e indie pop.

Llegando al final, la madrugada estará amenizada por nombres familiares como Sonido Tupinamba, nacida en Los Andes, y sus inconfundibles sesiones con aroma tropical, o Andy Grey, una de las apuestas nacionales que mezcla lo urbano y la vanguardia latina. La guinda final la pondrán el guatemalteco Meneo y el dúo madrileño La Gatería con sesiones enérgicas para cerrar esta velada. La curaduría de todos estos grandes artistas ha sido gracias a las ya mencionadas Piti Vaccari y Mila Moon.

Además del baile, la noche despliega un programa de lecturas de tarot en directo, juegos de luces inmersivos, performances y otras sorpresas que potenciarán el ambiente místico del evento.

La imagen de esta edición es obra de la ilustradora mexicana Ana Chávez, cuyo estilo combina lo siniestro y lo amable con una minuciosidad encantadora. Entre sus piezas destacadas se encuentra su propio Tarot del Zodiaco.

Ana Chávez (@ana_fer_cha) es ilustradora y creadora de art toys. Su imaginario cruza tarot, brujería amable y juguetes retro “raros” para construir criaturas dulces con un punto inquietante. Hablamos con ella sobre orígenes, referentes y su “Tarot del Zodiaco”.

Empecé dibujando para mí, sin pensar en el destino de esas imágenes. Estudiar Artes me ayudó a construir un mundo propio y a compartirlo en digital; después lo llevé a lo tangible —bolsas, pines, art toys— y ahí entendí que podía convertirlo en oficio sin perder la parte lúdica.

Una mezcla. Estudié en la Facultad de Artes de la UAEM, donde organicé ideas y narrativa gráfica; pero mucho lo aprendí por mi cuenta, dibujando con lo que tenía y dejando que el estilo se formara solo.

El extraño mundo de Jack me acompaña desde niña; me atrae Halloween y el cine de terror clásico. También me influyen Remedios Varo, Leonora Carrington, Pamela Colman Smith, El Bosco y Gustave Doré.

Quiero personajes inquietantes y cercanos a la vez. Lo tierno también puede ser juguetón y pícaro; esa chispa rompe la inocencia y mantiene viva la personalidad de cada criatura.

El Tarot del Zodiaco. Fue un proceso simbólico e introspectivo que reforzó mi conexión con lo esotérico y la intuición, y redefinió mi forma de narrar con imágenes. Me invitaron a ilustrarlo durante la pandemia junto a los textos de Cecilia Lattari. Dibujé las 78 cartas en cuatro meses y medio: me volvió más ágil e intuitiva y me hizo consciente de mi lenguaje visual. El tarot siempre estuvo en mi familia; coleccionaba mazos antes de imaginar que ilustraría el mío.

Amo los juguetes retro que algunos consideran “feos” o inquietantes: Rushton, Kewpies, bootlegs. Su mezcla de ternura, rareza y nostalgia me llevó a crear mis propios art toys y personajes. Empezó como algo personal en Instagram y terminó conectando con gente de todo el mundo.

El símbolo, el ritual y también el humor. Crecí entre limpias con huevo, amuletos y remedios familiares; esas costumbres me acompañan y filtran en mis dibujos.

Crear desde la emoción y el disfrute, aun con las complejidades del trabajo freelance. Valorar el proceso y lo artesanal: en mis piezas todo pasa por mis manos; en esa imperfección hecha a pulso también está mi identidad.

El stop motion: su rareza y su artesanía total. Admiro a Henry Selick, Jan Švankmajer y proyectos mexicanos como Cinema Fantasma con Soy Frankelda. Demuestran que se puede hacer stop motion en México con identidad potente.

Que mis imágenes los transporten a espacios y recuerdos propios. Con el Tarot del Zodiaco muchas personas me dicen que nunca conectaron tanto con otro tarot. Ahí está la magia: cuando mi universo se encuentra con el de alguien más.

Entre música, luces y tarot, la Noche de Muertos y Brujas del Círculo de Bellas Artes promete una velada inolvidable. Y tras el baile, queda el hechizo de las imágenes: el mundo de Ana Chávez, donde lo tierno y lo oscuro conviven con una sonrisa traviesa. Ponte tu mejor disfraz, cruza el umbral y… que empiece el akelarre.

Nacido en Paide (Estonia) el 11 de septiembre de 1935, Pärt se formó en Tallin y, tras un primer periodo neoclásico y serial, atravesó un “silencio” creativo a finales de los 60 que culminó con un giro estético decisivo en los 70. En 1980 abandonó la Unión Soviética, residiendo en Viena y Berlín, y su música comenzó a difundirse internacionalmente (impulso clave: la edición de Tabula Rasa en ECM, 1984). Desde 2010, su archivo y legado se conservan y difunden en el Arvo Pärt Centre (Laulasmaa, Estonia).

Arvo Pärt tiene la nacionalidad austríaca y es ampliamente reconocido como uno de los mayores compositores de música clásica contemporánea y música sacra. Fue el compositor vivo más interpretado entre 2012 y 2018 y el segundo (detrás de John Williams) hasta 2022, cuando volvió a ocupar el primer lugar.​

El “Tintinnabuli” —de tintinnabulum, campanilla— es un sistema de composición propio de Pärt: una voz melódica diatónica orbita un centro tonal mientras otra voz “tintinnabular” traza el arpegio de un acorde fundamental. El resultado es un sonido claro, contemplativo y cargado de resonancias espirituales. Este lenguaje, surgido tras su etapa de silencio (1968–1976), redefine la economía de medios y la escucha atenta.

• Spiegel im Spiegel (1978): arquetipo de quietud y simetría, probablemente su pieza más difundida.
• Fratres (1977): misma idea musical en múltiples instrumentaciones; ascética y tensa.
• Tabula Rasa (1977/1984 en ECM): bisagra de su proyección mundial.
• Für Alina (1976): miniatura para piano, silencio y luz.
• Cantus in memoriam Benjamin Britten (1977): canon descendente con campanas, duelo y pureza.
• Summa (1977/1991 versión de cuerdas): sobriedad coral llevada a lo instrumental.
• Te Deum (1984/1992): monumentalidad estática.
• Passio (1982): austeridad dramática en el relato de San Juan.
• Berliner Messe (1990/1992): liturgia y diafanidad.
• Magnificat (1989) y Salve Regina (2001): devocionales y cristalinas.
• Lamentate (2002): para piano y orquesta, gravedad y escala.
• Adam’s Lament (2010): premiada grabación con Vox Clamantis y coros bálticos.

Se pueden consultar todas sus obras en el catálogo completo del Arvo Pärt Centre: Chronological list of Arvo Pärt compositions

Pärt es uno de los compositores vivos más influyentes y programados. ECM inauguró su New Series con Tabula Rasa, determinante para su difusión global. Entre sus distinciones recientes figuran el Polar Music Prize y reconocimientos académicos y artísticos internacionales; en 2025 se celebró su 90º aniversario con ediciones y conciertos conmemorativos.

En Spotify.

En YouTube.

Si es tu primera escucha, prueba esta ruta de 30–40 minutos:
Für Alina → Spiegel im Spiegel → Fratres (versión para cuerdas) → Cantus in memoriam Benjamin Britten. Después, sumérgete en Te Deum o Passio para su faceta coral.

El Centro Arvo Pärt es el archivo personal del compositor y un lugar de encuentro creativo para todos aquellos interesados ​​en su música y su mundo de pensamiento. Es un espacio espectacular enclavado en medio del bosque.

https://www.arvopart.ee/arvo-pardi-keskus/keskusest/

El 7 de septiembre vuelve a ser el día de Mecano. Hoy, BMG celebra una de las fechas más icónicas del pop español con un lanzamiento histórico: la publicación en plataformas digitales de obras únicas -y poco accesibles- de Mecano, que hasta ahora solo podían escucharse en vinilo. Entre ellas, tres joyas que marcan diferentes etapas del grupo: el maxisingle de El 7 de Septiembre, el compilatorio Lo Último de Mecano y el maxi Let’s Dance Japón, con la participación del oscarizado Hans Zimmer en la producción.

Se trata de un rescate cultural sin precedentes, que pone a disposición del público versiones alternativas, temas inéditos y grabaciones en directo que revelan la faceta más experimental, íntima y atrevida de la banda. Piezas que no formaron parte de sus álbumes oficiales y que, en su día, sólo conocieron los seguidores más fieles.

EL 7 DE SEPTIEMBRE : EL HIMNO Y SUS VERSIONES OCULTAS

Lanzado originalmente en 1991, El 7 de Septiembre no solo es una de las canciones más icónicas de Mecano: es un himno intergeneracional que marcó la historia del pop en español. Hoy, su maxisingle llega por fin al streaming con todas sus versiones: la versión de baile y la sorprendente pista instrumental sin voz. Un lanzamiento que, en su día, alcanzó el Nº1 en ventas y fue la antesala del álbum Aidalai.

Publicado en 1986 por CBS, Lo Último de Mecano fue un álbum singular que nunca se integró en la discografía oficial del grupo. Incluye cuatro canciones inéditas en su momento —’La Extraña Posición’, ‘Viaje Espacial, Napoleón’ y ‘Super-Ratón’—, además de grabaciones en directo de temas como ‘La Fiesta Nacional’, ‘Me Río de Janeiro’ o ‘Busco Algo Barato’. Hoy, este proyecto vuelve a la vida en formato digital, con especial atención en ‘Napoleón’, que nunca antes había estado disponible en plataformas.

Otro de los grandes rescates de este lanzamiento es Let’s Dance Japón, un maxisingle publicado en 1984 que marcó el salto del grupo hacia sonoridades internacionales. Esta edición incluye mezclas creadas con el vanguardista sintetizador Fairlight y contó con la colaboración de Hans Zimmer, mucho antes de convertirse en el célebre compositor ganador del Oscar.

El 7 de septiembre es la fecha simbólica de Mecano y, además, este año coincide con un eclipse total de luna, un hito que históricamente reactiva el consumo de “Hijo de la luna” y que aporta un elemento narrativo perfecto para celebrar esta recuperación. La campaña se integra en el plan de BMG para revitalizar el catálogo del grupo: tras la gran acogida en 2023 de las reediciones en vinilo de sus seis álbumes de estudio (agotados durante décadas), se da ahora el siguiente paso lógico: completar el catálogo en streaming e incorporar contenido audiovisual restaurado, incluidas versiones de videoclips en francés e italiano,  en el canal oficial de YouTube de Mecano.

Maxi: Lo Último de Mecano

La Extraña Posición

Napoleón

Viaje Espacial

Super-Ratón

No Pintamos Nada (Live)

La Fiesta Nacional (Live)

Busco Algo Barato (Live)

Me Río de Janeiro (Live)

Maxi: El 7 de Septiembre

El 7 de Septiembre (Versión de baile)

El 7 de Septiembre (Versión acústica)

El 7 de Septiembre (Versión original)

El 7 de Septiembre (Versión sin voz)

Maxi: Japón

Let’s Dance Japón (Disco Mix)

La Estación

Japón

Durante su trayectoria, Mecano utilizó maxis y caras B como laboratorio creativo: terreno para arriesgar sonidos, letras y formatos fuera de los LPs principales. Su llegada al streaming democratiza ese archivo, conserva patrimonio y amplía el relato de una de las bandas más influyentes del pop en español. Desde hoy arranca una campaña que pondrá por primera vez en digital 37 canciones a lo largo de los próximos meses, con nuevos maxis y caras B por anunciar.

Con la maestría del guitarrista alicantino y la sensibilidad de la gaditana, se crea un homenaje a Camarón en esta canción. Una producción que ensambla de manera perfecta diferentes elementos en busca de una experimentación musical fascinante.

Nation of Language es una banda de New York encasillada en el synth-pop aunque con su estilo distintivo y sonidos electrizantes. Este trío neoyorquino ha estado generando un entusiasmo creciente en la escena musical.

«Across That Fine Line» es un viaje musical que combina el synth-pop con letras inteligentes y una melodía que se queda contigo mucho después de que la canción haya terminado.

El sintetizador y la voz distintiva del cantante y letrista, Ian Devaney, crean una atmósfera inmersiva. Las letras de «Across That Fine Line» exploran temas de pasión, esperanza y desafíos en el amor y la vida. La canción evoca emociones a medida que la voz de Devaney se eleva y se mezcla con los intrincados arreglos musicales.

«Across That Fine Line» es un ejemplo de cómo Nation of Language combina elementos del pasado y del presente para crear algo fresco y emocionante. Su estilo musical aporta un toque nostálgico mientras sigue siendo relevante en la escena musical contemporánea.

Si aún no has tenido la oportunidad de escuchar «Across That Fine Line», te recomendamos encarecidamente que lo hagas. Y si ya eres fan de Nation of Language, esta canción te hará recordar su talento y creatividad.

La música tiene el poder de emocionarnos y unirnos, y «Across That Fine Line» de Nation of Language es un ejemplo perfecto de cómo la música puede tocarnos profundamente. ¡Disfruta de este viaje musical y déjate llevar por la magia del sonido de Nation of Language!

Si hay un videoclip que captura a la perfección la energía del hip hop australiano a través de la animación 2D y el diseño gráfico, ese es «Rapunzel» de Drapht. Este tema, que sirvió como carta de presentación para su aclamado álbum The Life of Riley, no solo destaca por su lírica afilada sobre las relaciones modernas, sino por una pieza visual vibrante que merece ser diseccionada.

El videoclip fue realizado por el estudio de diseño y animación con sede en Melbourne, We Are Synapse. Lejos de ser un video musical convencional, la pieza es un ejercicio brillante de motion graphics y narrativa visual. Bajo la dirección de creativos como Glenn Thomas y la dirección de arte de Dave May, el estudio logró traducir el ritmo frenético y la historia de «amor-odio» de la canción en una secuencia ininterrumpida de metáforas visuales.

La realización del video destaca por su estilo de ilustración vectorial plana, utilizando una paleta de colores que combina tonos terrosos y urbanos con estallidos de color que marcan los «golpes» del beat producido por Trials. La animación no se limita a acompañar la letra; la interpreta, transformando al propio Drapht y a la figura de Rapunzel en personajes dinámicos que se mueven en un entorno que cambia constantemente al ritmo de la rima. Es un ejemplo perfecto de cómo la animación digital puede elevar la narrativa de una canción, convirtiendo la letra en elementos gráficos tangibles que interactúan con los personajes.

Si te gusta la ilustración que coquetea con el diseño gráfico y la tipografía cinética, este trabajo de We Are Synapse es una referencia obligada de la escena creativa australiana de principios de la década.

Notas sobre el videoclip:

Sobre el estudio: We Are Synapse (a veces acreditados con nombres individuales como Dave May o Glenn Thomas en la dirección) fue un estudio clave en esa época en Melbourne, conocido por mezclar diseño gráfico puro con producción de video.

Estilo:  «Motion Graphics» e «Ilustración vectorial» serían técnicamente lo que define el estilo «plano» y limpio del video, lo cual encaja muy bien con un acabado de Animación 2D.