“Contact”, pista final de Random Access Memories (2013), recibe por fin un videoclip oficial. La pieza aterriza en noviembre de 2025 y expande el universo del dúo con estética cinematográfica y narrativa espacial.

El vídeo es fruto de la colaboración con Epic Games y el estudio Magnopus. Visualmente prolonga —y reinterpreta— la secuencia de apertura de la Daft Punk Experience en Fortnite, lanzada este otoño

La historia sigue a los dos robots de Daft Punk en un viaje hacia una señal intermitente, con referencias a etapas clave de su carrera. Es, además, un espejo de la travesía que vive el jugador al iniciar la experiencia jugable dentro de Fortnite.

El tema conserva su icónico sample de comunicaciones del Apolo 17, que aquí se funde con un montaje de escala astronómica para subrayar la idea de “contacto” como hallazgo y despedida.

Más que un simple lanzamiento tardío, el vídeo de “Contact” conecta música, cultura gamer y memoria visual de Daft Punk. Funciona como epílogo audiovisual de Random Access Memories y como puente entre públicos, formatos y plataformas y además…   ¡¡ Es algo nuevo de Daft Punk !!  😀​ 🚀​

Ficha rápida

Canción: «Contact»
Álbum: Random Access Memories (2013)
Estreno del videoclip: noviembre de 2025
Dirección/creación: Epic Games & Magnopus (colaboración oficial)
Contexto: Inspirado en la Daft Punk Experience de Fortnite
Vídeo en YouTube: Disponible en los canales oficiales de Daft Punk y Fornite

IA: El futuro se adelanta» combina la tecnología de Inteligencia Artificial con el arte digital para crear una experiencia inmersiva única. Este evento presenta obras impactantes y originales que destacan la capacidad de la IA para generar imágenes sorprendentes. Ubicado en el Palacio Neptuno de Madrid, en el corazón del Triángulo del Arte, este espectáculo desafía las convenciones establecidas y redefine la forma en que entendemos la creatividad. Sumérgete en un viaje innovador que celebra la unión entre tecnología, arte y emoción. No te pierdas esta experiencia fascinante que marcará un antes y un después en el arte digital. unido a un Tardeo con copas y en un espacio único.

Desde Enero de 1990, el Festival de Cultura y Creatividad Digital «ArtFutura» explora los proyectos y las ideas más importantes surgidas en el panorama internacional del New Media, la Inteligencia Artificial, la Realidad Virtual, el Diseño de Interacción y la Animación Digital en ciudades como Barcelona, Buenos Aires, Ibiza, Londres, Madrid, Montevideo, Paris, Roma y muchas otras.

Sus actividades incluyen, exposiciones, conferencias, workshops, iInstalaciones interactivas u performances.

Entre los participantes de anteriores ediciones podemso encontrar a William Gibson, Theo Jansen, Toshio Iwai, Laurie Anderson, Hiroshi Ishii, Paul Friedlander, Moebius, David Byrne, Masaya Matsuura, Howard Rheingold, Timothy Leary, Tomato, Tetsuya Mizuguchi, Rebecca Allen, Ryota Kuwakubo, Mariscal, Orlan, Yoichiro Kawaguchi, Brian Eno, Karl Sims, Marcel.lí Antúnez, Arthur Kroker, Xeni Jardin…

También han participado organizaciones y compañías como Ars Electronica, Industrial Light & Magic, Weta Digital, Pixar, Sony Pictures Imageworks, Digital Domain, SAT Montreal, Blast Theory, UVA, Amorphic Robot Works, Improv Everywhere, Creators Project, Liberatum, Universal Everything y el MIT Media Lab.

GaleriaFutura La división GaleriaFutura promociona los aspectos más expositivos de esta nueva creatividad digital. Desde el New Media a la Realidad Virtual pasando por la Inteligencia Artificial.

A lo largo de estos años ArtFutura ha tratado de mostrar que, a comienzos del nuevo milenio, arte y ciencia discurren por caminos paralelos. Y que la creatividad encuentra en la tecnología digital, un aliado extraordinario.

ArtFutura siempre ha destacando los aspectos más humanos de las nuevas tecnologías. No solo mostrando las capacidades de estas nuevas herramientas, sino también cuestionando su propia naturaleza y a donde nos llevan.

Más info en https://www.artfutura.org/

Liam Young nació en Perth, Australia, y es conocido por su trabajo en la intersección de la arquitectura, el cine/animación y la ciencia ficción. Young es profesor de arquitectura y ciencia ficción en la Universidad de Columbia y es fundador de la empresa de diseño futurista Tomorrow’s Thoughts Today. Ha realizado proyectos y presentaciones en eventos y festivales de arte a nivel internacional, incluyendo el Festival de Arte Digital Sundance y el Festival Internacional de Cine de Venecia. Sus trabajos abordan temas como la privacidad, la vigilancia y la tecnología emergente.

El trabajo de Liam Young se centra en la exploración de las tecnologías emergentes y cómo estas pueden afectar a la forma en que vivimos y a nuestra relación con el mundo que nos rodea. Young ha creado una serie de proyectos artísticos y arquitectónicos innovadores, incluyendo la instalación «Tomorrow’s Thoughts Today», que imagina un futuro distópico en el que la tecnología ha sido utilizada para controlar y monitorear a las personas. También ha trabajado en proyectos de arquitectura futurista, como la «Ciudad Invisible», que imagina una ciudad completamente transparente y auto-suficiente. Además de su trabajo en el campo del arte y la arquitectura, Young es también profesor y conferenciante y ha dado charlas en todo el mundo sobre sus proyectos y su visión del futuro.

Algunas de las principales obras de Liam Young son:

Tomorrow’s Thoughts Today: Esta es una instalación de arte digital que imagina un futuro distópico en el que la tecnología ha sido utilizada para controlar y monitorear a las personas. La obra se presentó en el Museo de Arte Contemporáneo de Londres en 2011.

Ciudad Invisible: Una propuesta de arquitectura futurista que imagina una ciudad completamente transparente y auto-suficiente. La Ciudad Invisible fue presentada en la Bienal de Venecia en 2014.

The Invisible City: Película documental dirigida por Young que explora cómo la tecnología está transformando la forma en que vivimos en la ciudad. La película se estrenó en el Festival de Cine de Sundance en 2015.

The New Human: Serie de conferencias y charlas que Young ha impartido en todo el mundo sobre cómo la tecnología está transformando nuestra relación con el mundo que nos rodea.

The Human Condition: Proyectos artísticos y arquitectónicos que exploran cómo la tecnología está transformando nuestra relación con el mundo natural.

Liam Young se inspira en una amplia gama de fuentes para crear sus obras. Algunas de las principales fuentes de inspiración de Young incluyen:

-La tecnología emergente y cómo esta puede afectar a la forma en que vivimos y a nuestra relación con el mundo que nos rodea.

-La literatura de ciencia ficción y las obras de autores como William Gibson y J.G. Ballard, que han explorado temas como la tecnología y la futuridad en sus obras.

-La arquitectura y el diseño futurista, y cómo estos pueden contribuir a la creación de nuevos espacios y formas de vida.

-La política y la sociedad, y cómo estos factores pueden influir en el desarrollo y el uso de la tecnología.

-Los avances científicos y tecnológicos, y cómo estos pueden tener implicaciones para el futuro de la humanidad.

Young utiliza estas fuentes de inspiración para crear obras que cuestionan y exploran los posibles escenarios futuros y analizan cómo la tecnología y otras fuerzas, pueden afectar a nuestra forma de vivir.

En esta charla TED «Ciudad Planetaria, una visión con ciencia ficción de un extraordinario futuro regenerativo», Liam nos transporta a una representación de «ciudad planetaria del futuro» en la que la ciencia ficción y la predicción basada en datos científicos se mezclan a partes iguales. Así, el director y arquitecto Liam Young imagina una metrópolis de 10.000 millones de personas y explora las diferentes posibilidades de un espacio urbano diseñado para albergar a toda la población del planeta. Liam imagina lo que es posible y sostenible para el planeta.

Os invitamos a conocer de cerca la obra de este genial artista en su página web: https://liamyoung.org/

Los NFT o tokens no fungibles son un tipo de token que son únicos y su carácter único se puede probar, son indivisibles, son transferibles y nunca se terminan. Contrastan con criptomonedas como el bitcoin y otros tokens que son fungibles por naturaleza, es decir, se pueden usar y cuando se usan, se terminan y se sustituyen por otros.

Los tokens no fungibles se utilizan para certificar algo que tiene una escasez digital verificable y para otorgar una propiedad digital que se podrá traspasar de unos propietarios a otros, pero no podrá tener varios propietarios.

Los NFT son perfectos para utilizar en aquellas situaciones en las que se requieren artículos digitales únicos como por ejemplo, el criptoarte o arte digital, los contenidos digitales de todo tipo que necesitan verificación de propiedad intelectual o los juegos en línea.

El blockchain es una plataforma que inicialmente fue creada para realizar transacciones con criptomonedas y algunos juegos online como CryptoKitties (https://www.cryptokitties.co) alcanzaron el éxito usando NFTs en Ethereum, un tipo de blockchain que es una plataforma de código abierto descentralizada y de acceso equitativo que sirve para programar contratos inteligentes y en la que se pueden crear nuevos tipos de aplicaciones pues los programadores pueden programar sobre ella. Esta plataforma de Ethereum está viva y nadie puede hackearla debido a que está “repartida” por toda la red y entonces es muy segura y sirve para otorgar títulos de propiedad, con lo que, en el caso del juego, este se puede desarrollar sin que nadie haga trampas, con certificado de propiedad de tus herramientas o armas, etc.

La tecnología blockchain organiza la información en una cadena de bloques descentralizada, cada uno vinculado al anterior criptográficamente, todos están inter-relacionados como en una tela de araña. Para cambiar los datos contenidos en uno de los bloques es necesario romper todos que se colocaron detrás de él, por lo que, en la práctica, las redes blockchain no se pueden hackear. No se pueden modificar los datos escritos en la cadena porque todos los miembros de la red se enterarían.

Los NFT o tokens no fungibles se utilizan también para representar elementos de videojuegos que son controlados por el usuario en lugar del desarrollador del juego. Esto permite que dichos activos pasen a ser propiedad del jugador y que se negocien en mercados digitales sin el permiso del desarrollador del juego.

EL MERCADO DEL ARTE Y LOS NFTs

El arte ha sido y será siempre un campo muy propicio para usar la tecnología NFT y blockchain en general, debido a su funcionalidad para proporcionar pruebas de autenticidad y propiedad de una obra de arte digital que queda de esta manera cubierta ante cualquier posibilidad de reproducción masiva o de distribución no autorizada a través del internet o de cualquier otro medio. Sólo hay una obra original y auténtica, sólo hay una obra que tiene valor (o más valor), las demás obras que puedan surgir serán copias y no están autorizadas.

Existen plataformas como Superrare https://superrare.co/ Nifty Gateway (https://niftygateway.com/) Rarible https://rarible.com/ o Fumigene https://fumigene.agency/ que se han especializado en las transacciones mercantiles de arte digital y desde las cuales se puede comprar, vender o subastar obras de arte haciendo uso de moneda virtual o lo que es lo mismo, a través de herramientas de pagos basadas en blockchain como Ethereum, herramientas tales como https://metamask.io/ o https://www.myetherwallet.com/

Y no podemos olvidar a OpenSea https://opensea.io/ uno de los mayores marketplace de NFTs.

En febrero de 2021, el artista digital estadounidense Beeple fue el primero en colocar una obra de arte NFT en la mítica casa de subastas Christie’s, la obra “Everydays. The first 5000 days» fue subastada por una gran suma de dinero. Sin embargo, todavía hoy las casas de subastas negocian las piezas a la manera tradicional, con dinero contante y sonante pero, lo que están subastando, sí es una pieza digital certificada como única por medio de los tokens no fungibles o NFT.

Las posibilidades de uso de los NFT en el arte digital son inmensas, a partir de ahora se podrá certificar una obra original que nadie, salvo un único propietario, podrá poseer. Esa obra será la auténtica y aunque se pueda hacer una reproducción, será solamente una copia y no la original. Esto sin duda implica un cambio de mentalidad en el público que deberá producirse de manera pararela al desarrollo de esta nueva tecnología.

¿Por qué me voy a preocupar de si mi obra no es la original si es exactamente igual que ella?

El primer componente que entra en juego es la propiedad o autoría de la obra, sólo el autor puede dar fe de una obra como original o la primera, después este autor la puede vender o traspasar pero a otra única persona. Debemos aprender a dar valor a esta circunstancia, el trabajo intrínseco, físico e intelectual del artista, se ve recompensado de alguna manera, puede sentirse a partir de ahora satisfecho, aunque sea solamente por el hecho de poseer este certificado, este reconocimiento de que su obra es original. Obtiene en este momento al menos un valor moral y un valor superior en todos los sentidos, aunque hasta este momento, no precisamente tenga que ser económico. El valor que puede alcanzar esta obra única es superior al que podría obtener si pone en el mercado todas las obras o copias que el mismo haya hecho o que se hayan hecho sin su aprobación por parte de terceras personas. El artista controla su obra y le otorga valor.

El público debe comprender este nuevo paradigma y no conformarse con una copia. Podemos tener una copia del Guernica de Picasso en nuestra casa, pero la propiedad del Guernica es del estado español en este caso y esto lo tenemos que asimilar de igual manera que tenemos que asimilar que la pirateria es delito, que hacer copias sin autorización está prohibido. ¿Quién nos va a prohibir hacer una copia del Guernica? ¿Por qué no puedo tener una copia del Guernica en mi casa?

Los mismos dilemas siempre presentes en el mundo del arte se plantean ahora con las obras certificadas como únicas por los token no fungibles o NFTs. Algo intrínseco a la historia del arte, pero por lo menos ahora sí que podremos dar fe y tener claro cuál es la obra original y la que por supuesto más valor debería tener. Debemos empezar a asimilar también el valor de las cosas virtuales.

El arte y el diseño ya no serán lo mismo a partir de ahora, así mismo, el impacto que tendrán los tokens no fungibles o NFT en la industria de los contenidos será trascendental pues se podrá dar valor legal a las piezas originales e identificar de una manera más clara las que no lo son que quedarán expuestas con las consecuencias que se puedan derivar.

Los NFT nacieron en 2013 y poco a poco cada vez más artistas se van animando a certificar y comerciar con sus obras digitales por este medio, alcanzando cotizaciones que nunca hubieran llegado a pensar.

Estamos acostumbrados desde siempre a ver como en el mercado del arte, unas veces por capricho, por esnobismo o por especulación, algunas piezas han alcanzado valores desorbitados y ahora, en este nuevo mercado que surge de los token no fungibles o del criptoarte está sucediendo igual, ya sea por esas mismas actitudes o por la propia novedad de la tecnología y tendencia. Se ha despertado un interés inusitado y día a día asistimos a una carrera de compras y ventas que no deja de sorprendernos y de batir records.

Otra famosa casa de subastas, Sotheby’s ha vendido recientemente por 1,36 millones de dólares una obra NFT consistente en un píxel de 1×1 de color gris de la artista Pak (una obra de 1 pixel de anchura x 1 píxel de altura de color gris). ¿Es esto un capricho? ¿Es esto esnobismo? ¿Es especulación? ¿Es postureo? ¿Qué es?

El artista granadino Javier Arres es uno de los artistas españoles pioneros en el uso de los NFT o tokens no fungibles para comercializr su obra.

Arres sacó recientemente a subasta una colección de piezas (visual toys) por las que ha obtenido una cantidad de dinero que no hubiera podido imaginar. Sus visual toys consistentes en gifs animados se habían expuesto anteriormente en museos y galerías pero, aunque al público le gustaban mucho, no era capaz de venderlos. Hasta que incorporó el componente de «sello de autenticidad» que otorgan los NFTs. La tecnología echando una mano a los artistas, ha nacido el criptoarte.

Colección de Gifs animados de Javier Arres «Visual toys».

Si queréis ampliar información sobre qué son los NFT o qué son los tokens no fungibles, os invitamos a ver estos vídeos:

Okuda cuenta en su haber con intervenciones murales y escultóricas, exposiciones en galerías y museos que han podido ser disfrutadas en los cuatro continentes. Destacan logros como el de ser el primer artista contemporáneo requerido para la creación de la Falla Municipal de Valencia; su espectacular itinerario de esculturas por el paseo marítimo de Boston; o su participación en Titanes, proyecto de inclusión social a través del arte.

Okuda San Miguel trabaja sobre lienzo a los que añade elementos como bordado, collage o esmaltes. No obstante, su insaciable sed de creación le ha llevado a experimentar con otros formatos como la escultura, la fotografía o el vídeo.

El uso del color es fundamental en todas las obras de Okuda, elemento que sin duda lo convierte en un artista muy particular. Las formas geométricas es también un recurso muy utilizado en todas las creaciones de Okuda que entremezcla con formas orgánicas, dando lugar a una simbología que anima a la reflexión a través de piezas que podrían clasificarse como Surrealismo Pop, pero con una clara esencia de la cultura urbana. Las obras del artista Okuda San Miguel buscan inspirar al espectador, planteando cuestiones universales y dejan en manos del público la interpretación final de las mismas.

Según el artista declara, «Lo más especial de trabajar en la calle es conocer nuevos lugares, transformarlos con una pintura o una escultura, e inspirar a la gente que vive allí. Es decir, lo que viene siendo el poder transformador del arte y su capacidad para mejorar el entorno. Por tanto, mi mayor motivación procede de la ilusión por seguir conociendo nuevos países, nuevas culturas y nuevas gentes, lo que a su vez se traduce en un profundo interés por propiciar la retroalimentación cultural.»

Okuda es una persona tremendamente hiperactiva, «Necesito crear para ser feliz. De ahí la exigencia auto-impuesta de hacer crecer y madurar mi obra de estudio a través de la seriedad y el compromiso con la misma, independientemente de que se venda o no. Trabajo en nuevas cosas todo el tiempo ya que no quiero dejar de evolucionar. Por ejemplo, mi trabajo escultórico nace de mi necesidad de ver mis pinturas cobrar vida en 3 dimensiones y poder así plantear un espacio expositivo que no se basara únicamente en la pintura.»

Okuda nos explica que «El trabajo en la calle conlleva una comunicación directa con todo tipo de gente; mientras, el trabajo en estudio es más íntimo. No obstante, tanto en el espacio público como entre cuatro paredes, disfruto al máximo juntando mundos dispares entre sí. Me inspira todo lo que me rodea: amigos, viajes, música, la calle, la noche, el cine… A modo de resumen, pienso en mí mismo como un artista inconformista, autor de obras, de gran formato en el espacio público y en un formato más asequible en el estudio, fragmentadas en formas geométricas y con una fuerte policromía.»

Vídeo en el que se puede ver el proceso de realización de Animal Magical, una de las piezas de la intervención de Okuda en colaboración con Goldman Global Arts (GGA) en el puerto de Boston. Okuda participó creando un fondo de arcoíris como atmósfera de diversidad donde encontramos animales en diferentes estados de transformación en seres mágicos, una referencia a las culturas antiguas que tenían una mayor conexión con la naturaleza al adquirir la identidad de los animales en sus rituales. La composición pretende resaltar la necesidad de encontrar hoy en día una relación más equilibrada entre los animales y los humanos.

Según Okuda sigue explicándonos, «Mi estilo procede de una larga y sustancial evolución, desde el lettering que practicaba cuando comencé a crear en la calle y su consiguiente evolución hacia las posteriores formas geométricas trabajadas en el estudio. Una vez comencé a estudiar historia del arte, el surrealismo se convirtió en mi primer amor; me siento identificado con artistas como Dalí o Magritte y soy también admirador de artistas japoneses como Keiichi Tanaami o Tomokazu Matsuyama, quienes exploran una moderna versión del mismo; no obstante, por encima de ellos siempre sitúo a El Bosco, y su obra “El Jardín de las Delicias”, como principal referencia. Estas influencias hacen que mi obra pueda definirse como composiciones surrealistas con una fuerte inspiración procedente de culturas antiguas mezclada con iconos contemporáneos y mi pasado en el graffiti.»

Otra vertiente en la trayectoria del artista es la que se ha dejado seducir por la intrínseca relación entre arte y paisaje urbano. Desde su punto de vista, lo interesante es jugar con la arquitectura y ver cómo puedes hacer de sus ventanas, ojos, y de sus muros, historias. En su caso, esto se traduce en la combinación de arquitectura clásica y pintura contemporánea en muchos de sus trabajos en el espacio público. Uno de sus objetivos principales es hacer de esa unión, no solo un elemento artístico sino también uno habitacional/vivencial, en el cual las personas puedan convivir.

A Okuda le gusta trabajar sobre variadas formas humanas y animales y con el significado de cada una de ellas, así como también con las posibles mutaciones entre animales y humanos, jugar con sus escalas y dar lugar a imposibles criaturas digitales; al mismo tiempo, tiende a colocar en un mismo nivel al hombre y a la naturaleza y de esta forma, lograr una suerte de equilibrio universal… En el fondo, esta es una manera metafórica de definir a Dios. Algunos de sus iconos favoritos son, la calavera como símbolo de vida y la paloma como símbolo de libertad.

Desde los comienzos de Okuda en el mundo del graffiti, ha colaborado con otros artistas, esta clase de colaboraciones, de hermandad, como el mismo define, son habituales en artistas de este ámbito y es algo que quiere conservar: «Trabajar junto a otros artistas es como llevar mi arte a otros mundos».

Para Okuda, «El caos es la libertad de elegir nuestro propio camino y disfrutar del viaje. Hagámoslo a nuestra manera». Así resumió el artista la idea de Kaos Garden, la fiesta que debutó en Amnesia Ibiza en 2019 con motivo del lanzamiento de elrow’art y continuó en Miami y Nueva York. El público juega un papel activo en esta fiesta única, interactuando con el mundo de fantasía surrealista de Okuda inspirado en el cuadro de El Bosco «El Jardín de las Delicias». El espectáculo se acompañó de un set de cinco horas especialmente elaborado para la ocasión por el Dj. Paco Osuna. Elrow’art es una iniciativa de Ink and Movement y Elrow que busca unir a artistas y público a través de experiencias únicas.

En el aspecto conceptual de sus obras, Okuda hace una declaración en la que expone que «Mi obra invita a la reflexión sobre temas que nos afectan a todos, con un mensaje optimista que invita a adentrarse en un mundo mágico. Por otro lado, me considero un artista que ha trasladado la estética del pensamiento de nuestros días al espacio público. A través de mi arte hablo acerca del pasado y del futuro, de la modernidad y de nuestras raíces, y la capacidad del ser humano para transformar la naturaleza. El color representa para mí la multiculturalidad, el multi-género, la pluralidad… Todas las banderas, todas las razas, todos los géneros están ahí representados. El color es mi psicología de andar por casa y, a través del uso de todos ellos, hablo acerca de que no dejamos de ser, en realidad, uno. Por otro lado, con la geometría hago referencia a la modernidad, a lo digital. De esta manera, a lo largo de mi trayectoria la comunicación entre lo orgánico/natural y lo futuro/artificial es constante, en contraposición a la sociedad moderna, que ha cortado toda comunicación con su espiritualidad y le falta al respeto a la naturaleza, lo que bien puede traducirse en su propio fin.»

Finalmente, Okuda afirma que «Tanto en el estudio como en la calle, no me gusta dar mensajes cerrados pero sí hablo de temas universales. Yo intento abrir caminos en lugar de tratar de dar respuestas cerradas. Desde mi punto de vista, lo importante no es la solución sino el camino hacia la misma. Por ello, el mío no es un mensaje cerrado sino abierto a interpretaciones, tanto del que ve mi obra paseando por la calle como del que la observa expuesta.»

Como hemos podido apreciar, Okuda San Miguel es un artista con un gran transfondo interior en todas sus obras, que no son realizadas de un manera simple y banal sino fruto de una reflexión profunda, de tener en cuenta sus convicciones y raices y los diversos aspectos que le rodean y le preocupan.

Os invitamos a seguir a este gran artista y conocer sus últimos trabajos visitando su página web: https://okudasanmiguel.com/