“Contact”, pista final de Random Access Memories (2013), recibe por fin un videoclip oficial. La pieza aterriza en noviembre de 2025 y expande el universo del dúo con estética cinematográfica y narrativa espacial.

El vídeo es fruto de la colaboración con Epic Games y el estudio Magnopus. Visualmente prolonga —y reinterpreta— la secuencia de apertura de la Daft Punk Experience en Fortnite, lanzada este otoño

La historia sigue a los dos robots de Daft Punk en un viaje hacia una señal intermitente, con referencias a etapas clave de su carrera. Es, además, un espejo de la travesía que vive el jugador al iniciar la experiencia jugable dentro de Fortnite.

El tema conserva su icónico sample de comunicaciones del Apolo 17, que aquí se funde con un montaje de escala astronómica para subrayar la idea de “contacto” como hallazgo y despedida.

Más que un simple lanzamiento tardío, el vídeo de “Contact” conecta música, cultura gamer y memoria visual de Daft Punk. Funciona como epílogo audiovisual de Random Access Memories y como puente entre públicos, formatos y plataformas y además…   ¡¡ Es algo nuevo de Daft Punk !!  😀​ 🚀​

Ficha rápida

Canción: «Contact»
Álbum: Random Access Memories (2013)
Estreno del videoclip: noviembre de 2025
Dirección/creación: Epic Games & Magnopus (colaboración oficial)
Contexto: Inspirado en la Daft Punk Experience de Fortnite
Vídeo en YouTube: Disponible en los canales oficiales de Daft Punk y Fornite

Si hay un videoclip que captura a la perfección la energía del hip hop australiano a través de la animación 2D y el diseño gráfico, ese es «Rapunzel» de Drapht. Este tema, que sirvió como carta de presentación para su aclamado álbum The Life of Riley, no solo destaca por su lírica afilada sobre las relaciones modernas, sino por una pieza visual vibrante que merece ser diseccionada.

El videoclip fue realizado por el estudio de diseño y animación con sede en Melbourne, We Are Synapse. Lejos de ser un video musical convencional, la pieza es un ejercicio brillante de motion graphics y narrativa visual. Bajo la dirección de creativos como Glenn Thomas y la dirección de arte de Dave May, el estudio logró traducir el ritmo frenético y la historia de «amor-odio» de la canción en una secuencia ininterrumpida de metáforas visuales.

La realización del video destaca por su estilo de ilustración vectorial plana, utilizando una paleta de colores que combina tonos terrosos y urbanos con estallidos de color que marcan los «golpes» del beat producido por Trials. La animación no se limita a acompañar la letra; la interpreta, transformando al propio Drapht y a la figura de Rapunzel en personajes dinámicos que se mueven en un entorno que cambia constantemente al ritmo de la rima. Es un ejemplo perfecto de cómo la animación digital puede elevar la narrativa de una canción, convirtiendo la letra en elementos gráficos tangibles que interactúan con los personajes.

Si te gusta la ilustración que coquetea con el diseño gráfico y la tipografía cinética, este trabajo de We Are Synapse es una referencia obligada de la escena creativa australiana de principios de la década.

Notas sobre el videoclip:

Sobre el estudio: We Are Synapse (a veces acreditados con nombres individuales como Dave May o Glenn Thomas en la dirección) fue un estudio clave en esa época en Melbourne, conocido por mezclar diseño gráfico puro con producción de video.

Estilo:  «Motion Graphics» e «Ilustración vectorial» serían técnicamente lo que define el estilo «plano» y limpio del video, lo cual encaja muy bien con un acabado de Animación 2D.

Cuando MGMT lanzó «Time to Pretend», la canción necesitaba un acompañamiento visual que capturara la ironía de su letra sobre el estrellato del rock y el exceso hedonista. El resultado fue una pieza dirigida por Ray Tintori, un cineasta asociado al colectivo Court 13 (famosos por la película Beasts of the Southern Wild), quien creó una estética que definiría el «indie sleaze» de finales de los 2000.

A diferencia de la animación tradicional pulida, este videoclip apuesta por una estética «Lo-Fi» intencionada. Tintori mezcla metraje de acción real con una animación CGI primitiva y efectos visuales que parecen sacados de un protector de pantalla de los años 90 bajo los efectos de alucinógenos. La técnica recuerda al collage en movimiento: recortables de los miembros de la banda, Andrew VanWyngarden y Ben Goldwasser, viajan a través de paisajes generados por ordenador que son deliberadamente toscos y saturados.

El valor artístico de este collage digital reside en su capacidad para mezclar lo «feo» y lo «bello». El uso de modelos 3D básicos, texturas planas y una paleta de colores neón ácida crea una atmósfera de sueño febril. Desde montar delfines pixelados hasta surfear en un mar de fuego digital, el vídeo utiliza la composición digital (compositing) no para engañar al ojo y parecer realista, sino para crear un mundo de fantasía ilustrada y absurda.

Es una pieza fundamental para entender cómo la «mala calidad» de los efectos visuales puede ser una decisión estilística brillante, aportando una textura y una personalidad que el HD perfecto a veces no logra transmitir.

Liam Young nació en Perth, Australia, y es conocido por su trabajo en la intersección de la arquitectura, el cine/animación y la ciencia ficción. Young es profesor de arquitectura y ciencia ficción en la Universidad de Columbia y es fundador de la empresa de diseño futurista Tomorrow’s Thoughts Today. Ha realizado proyectos y presentaciones en eventos y festivales de arte a nivel internacional, incluyendo el Festival de Arte Digital Sundance y el Festival Internacional de Cine de Venecia. Sus trabajos abordan temas como la privacidad, la vigilancia y la tecnología emergente.

El trabajo de Liam Young se centra en la exploración de las tecnologías emergentes y cómo estas pueden afectar a la forma en que vivimos y a nuestra relación con el mundo que nos rodea. Young ha creado una serie de proyectos artísticos y arquitectónicos innovadores, incluyendo la instalación «Tomorrow’s Thoughts Today», que imagina un futuro distópico en el que la tecnología ha sido utilizada para controlar y monitorear a las personas. También ha trabajado en proyectos de arquitectura futurista, como la «Ciudad Invisible», que imagina una ciudad completamente transparente y auto-suficiente. Además de su trabajo en el campo del arte y la arquitectura, Young es también profesor y conferenciante y ha dado charlas en todo el mundo sobre sus proyectos y su visión del futuro.

Algunas de las principales obras de Liam Young son:

Tomorrow’s Thoughts Today: Esta es una instalación de arte digital que imagina un futuro distópico en el que la tecnología ha sido utilizada para controlar y monitorear a las personas. La obra se presentó en el Museo de Arte Contemporáneo de Londres en 2011.

Ciudad Invisible: Una propuesta de arquitectura futurista que imagina una ciudad completamente transparente y auto-suficiente. La Ciudad Invisible fue presentada en la Bienal de Venecia en 2014.

The Invisible City: Película documental dirigida por Young que explora cómo la tecnología está transformando la forma en que vivimos en la ciudad. La película se estrenó en el Festival de Cine de Sundance en 2015.

The New Human: Serie de conferencias y charlas que Young ha impartido en todo el mundo sobre cómo la tecnología está transformando nuestra relación con el mundo que nos rodea.

The Human Condition: Proyectos artísticos y arquitectónicos que exploran cómo la tecnología está transformando nuestra relación con el mundo natural.

Liam Young se inspira en una amplia gama de fuentes para crear sus obras. Algunas de las principales fuentes de inspiración de Young incluyen:

-La tecnología emergente y cómo esta puede afectar a la forma en que vivimos y a nuestra relación con el mundo que nos rodea.

-La literatura de ciencia ficción y las obras de autores como William Gibson y J.G. Ballard, que han explorado temas como la tecnología y la futuridad en sus obras.

-La arquitectura y el diseño futurista, y cómo estos pueden contribuir a la creación de nuevos espacios y formas de vida.

-La política y la sociedad, y cómo estos factores pueden influir en el desarrollo y el uso de la tecnología.

-Los avances científicos y tecnológicos, y cómo estos pueden tener implicaciones para el futuro de la humanidad.

Young utiliza estas fuentes de inspiración para crear obras que cuestionan y exploran los posibles escenarios futuros y analizan cómo la tecnología y otras fuerzas, pueden afectar a nuestra forma de vivir.

En esta charla TED «Ciudad Planetaria, una visión con ciencia ficción de un extraordinario futuro regenerativo», Liam nos transporta a una representación de «ciudad planetaria del futuro» en la que la ciencia ficción y la predicción basada en datos científicos se mezclan a partes iguales. Así, el director y arquitecto Liam Young imagina una metrópolis de 10.000 millones de personas y explora las diferentes posibilidades de un espacio urbano diseñado para albergar a toda la población del planeta. Liam imagina lo que es posible y sostenible para el planeta.

Os invitamos a conocer de cerca la obra de este genial artista en su página web: https://liamyoung.org/

Animación realizada por la agencia chilena Smog para la campaña «Santander Verde».

Esta pieza audiovisual no es un mero ejercicio estético, sino que responde a la ambiciosa hoja de ruta de Banco Santander hacia la transición ecológica. La entidad se ha comprometido a ser Net Zero (cero emisiones netas) en 2050, no solo en su propia actividad, sino en todas las emisiones de sus clientes derivadas de su financiación.

La animación ilustra conceptos clave de su estrategia, como el objetivo de movilizar 220.000 millones de euros en financiación verde entre 2019 y 2030, o iniciativas como el Santander X Environmental Challenge, que apoya a emprendedores con soluciones sostenibles. A través del uso de metáforas visuales y una narrativa fluida, la campaña busca traducir el complejo lenguaje de las finanzas sostenibles (bonos verdes, criterios ESG, descarbonización) en un mensaje cercano, optimista y visualmente impactante.

El Pingüino y la Ballena (Penguin & Whale) es un spot animado realizado por el estudio de animación argentino Rudo Company para Naciones Unidas y la empresa de tecnología y servicios de internet China «Tencent». Ambas organizaciones se unieron para lanzar una campaña el «Día Internacional de la Juventud», que se celebra en China el 12 de agosto, con la que dar visibilidad a los problemas globales medioambientales y en concreto al calentamiento global y la contaminación de los océanos. La campaña pretende también invitar a los jóvenes a reflexionar sobre la sostenibilidad y el futuro.