El origen de un asiento reservado para los elegidos

El acto de sentarse existe desde los albores de la humanidad, pero elevar ese acto a una categoría de prestigio social requirió de diseño e intención. La historia de la silla se remonta a civilizaciones antiguas como Egipto, pero fue en Roma donde el asiento adquirió una dimensión legal y política insólita a través de la silla curul (sella curulis).

Curiosamente, los historiadores señalan que este diseño, que podríamos considerar el primer modelo de silla plegable de la historia documentada, tiene sus raíces en una palabra romana antigua (curule) vinculada a los carros de guerra.

En la sociedad romana, no cualquiera podía sentarse en ella. Estaba reservada estrictamente para los magistrados con imperium; es decir, aquellos que poseían el mando supremo judicial y militar, incluyendo cónsules y pretores. Su diseño original era eminentemente práctico y simbólico: consistía en una estructura en forma de «X» o tijera, a menudo elaborada en marfil tallado o bronce, y contaba con un asiento de cuero.

El hecho de ser plegable no era casualidad: permitía a estos altos cargos transportarla fácilmente en sus desplazamientos, llevando su «trono» y su autoridad a cualquier rincón del imperio.

La silla Curul Romana, evolución de una forma perfecta: De la Edad Media al Renacimiento

Tras la caída del Imperio Romano, el diseño en forma de «X» no desapareció, sino que mutó y se adaptó a las nuevas esferas de poder.

Durante la Edad Media, la silla curul perdió parte de su carácter móvil para volverse más estática y ornamentada. Pasó a llamarse faldistorium y, aunque siguió representando el poder secular, fue adoptada rápidamente por la alta jerarquía de la Iglesia como símbolo de autoridad. El famoso trono del Rey Dagoberto en Francia (siglo VIII), fabricado en bronce, es un ejemplo temprano de esta transición.

Más tarde, en el Renacimiento, la silla curul vivió un resurgimiento espectacular. El diseño se refinó, añadiendo respaldos y brazos, y la madera (como el nogal) se convirtió en el material predilecto. En esta época nacieron dos variantes icónicas que seguro has visto en museos o anticuarios:

La silla Savonarola: De origen italiano, caracterizada por múltiples listones de madera entrelazados en curva que forman la «X», creando una estructura acanalada muy elegante.

La silla Dante (o Dantesca): Más robusta, con una «X» más sólida y a menudo tapizada en terciopelo o cuero en el asiento y el respaldo.

En España, esta evolución dio lugar a variantes como el sillón frailero o la jamuga (sillón de cadera), donde el mecanismo de pliegue a menudo se sustituía por un disco ornamental decorativo en la intersección de las patas.

La Curul en el interiorismo moderno: Una lección de atemporalidad

¿Cómo sobrevive un diseño de la antigüedad clásica en el interiorismo contemporáneo? La respuesta radica en su geometría.

La estructura cruzada de la silla curul aporta una ligereza visual y una tensión estructural que resulta inmensamente atractiva para los diseñadores modernos. Lejos de quedar relegada a los museos, la silla curul ha inspirado a los grandes maestros del siglo XX y sigue siendo un recurso invaluable en la decoración actual.

Mies van der Rohe y la Silla Barcelona

El ejemplo moderno más famoso de la influencia curul es, sin duda, la Silla Barcelona, diseñada por Ludwig Mies van der Rohe y Lilly Reich para el Pabellón Alemán de la Exposición Internacional de Barcelona de 1929.

Mies van der Rohe se inspiró directamente en las sillas curules romanas y egipcias para crear esta pieza. Sin embargo, sustituyó la madera y el marfil por acero inoxidable pulido y reemplazó el asiento de cuero simple por un lujoso acolchado compuesto por 40 paneles cortados y cosidos a mano. El resultado fue una silla concebida para que se sentaran los reyes de España durante la inauguración del pabellón; un guiño brillante a su origen como asiento de gobernantes.

Aplicación en proyectos decorativos actuales

Hoy en día, incorporar una silla curul (o una pieza inspirada en ella) en un proyecto de interiorismo es una declaración de intenciones. Los decoradores la utilizan por varias razones:

• Punto focal escultural: Gracias a sus patas cruzadas, estas sillas son visualmente interesantes desde cualquier ángulo, a diferencia de las sillas de cuatro patas tradicionales. A menudo se colocan en pares a los pies de una cama, frente a una chimenea o en un vestíbulo amplio.

• Contraste de estilos: Una silla curul antigua (por ejemplo, una Savonarola italiana de principios del siglo XX) introducida en un ambiente minimalista y moderno crea un contraste ecléctico y sofisticado.

• Versatilidad de materiales: Los diseñadores contemporáneos han reinterpretado el diseño utilizando acrílico transparente (Lucite), metales dorados mate y tapicerías de bouclé o pieles exóticas, adaptando el asiento romano al lujo del siglo XXI.

En definitiva, la historia de la silla curul nos enseña que el buen diseño nunca muere. Aquel asiento concebido para que Julio César despachara asuntos de estado sigue vivo hoy en nuestros salones, demostrando que la elegancia de una simple «X» es, y será siempre, eterna.

El diseñador Jaime Hayon montando el green chicken en la «Exhibition at Design Museum in Holon», en Israel en el año 2015.

El diseñador español Jaime Hayon es uno de los más reconocidos hoy en día en el panorama internacional. Nació en Madrid donde estudió diseño industrial en el IED (También ha sido profesor del IED) y después se ha formado y trabajado tanto en Madrid como en Francia, Italia, Barcelona, Valencia y Londres.

Hayon ha realizado proyectos por todo el mundo como una joyería en Kuwait, la tienda de la marca de zapatos Camper en Tokio, para los que también diseña zapatos y ha colaborado con empresas como Baccarat, BD Barcelona Design, Metalarte, Moooi, Lladró, Magis, entre otras, intercalando proyectos personales artísticos que realiza muy amenudo.

Ha expuesto su obra en espacios como la Galería Aram de Londres, el Salone de Mobile de Milán, el Museo Vitra de Alemania, el Museo del Diseño de Londres, la Galería Vivid de Róterdam, el Museo Grongiger holandés y la Feria de Arte de Basel.

En sus obras, mezcla el arte con el diseño, destacando por la transversalidad de sus múltiples creaciones en diseño industrial con base artesanal, en interiorismo y en la creación artística.

Uno de sus últimos proyectos ha consistido en la renovación del interiorismo del Café Le Central en el Centro Pompidou de París en el que ha introducido una de sus creaciones, la colección de sillas Aleta que podéis ver en estas imágenes de dicho proyecto.

En este proyecto también destaca el uso de «vessel-like structures» (estructuras tipo vasija/pabellón) que dividen el espacio sin cerrarlo, permitiendo que la luz fluya pero creando rincones privados.

La colección de sillas Aleta de Viccarbe, un diseño de Jaime Hayon que se utilizó en el proyecto del Centro Pompidou

Otros proyectos de interiorismo realizados con la silla Aleta.

Jaime Hayon ha realizado numerosos proyectos a lo largo del mundo, para conocer aún más a este gran creativo, a continuación os presentamos, de manera sintetizada, otros proyectos

Proyecto de interiorismo realizado para La Terraza del Casino en Madrid.

Jaime Hayon realizó en colaboración con Swarovski en julio de 2019 en Wattens, Austria, un carrusel en el que el arte y el diseño se daban la mano, con unas figuras en blanco y negro increíblemente diseñadas y adornado con 15 millones de cristales Swarovski.

El diseñador español Jaime Hayon es un artista polifacético, realiza todo tipo de obras como diseño, esculturas, pintura o ilustración. Un ejemplo de su versatilidad es la serie de tapices «Fauna» para el Tilburg Textile Museum de Países Bajos.

Podéis obtener más información sobre los últimos trabajos de este genial artista en su página web: www.hayonstudio.com

La diseñadora Nika Zupanc diseña piezas con un estilo femenino que muchas de ellas se diría hoy en día que van en contra de los postulados del feminismo. En la mayoría de sus obras se pueden apreciar claramente los tópicos que han hecho diferentes durante años a las mujeres de los hombres, sin embargo, según la propia diseñadora, ella es muy feminista y contribuye con sus diseños a visibilizar el papel de la mujer en el mundo del diseño.

Los trabajos de Nika Zupanc se sitúan en la frontera de la tecnología, los materiales y las diferentes posibilidades que se pueden derivar de la utilización de los mismos y la creatividad. La artista ha colaborado diseñando productos con empresas de diseño como Moooi, Qeeboo, Sé, Moroso, Nodusy o Dior y crea colecciones en edición limitada para Rossana Orlandi, mientras sigue desarrollando su propia marca. Desde su presentación en la Milan Design Week, la industria y la prensa la han observado de cerca, describiendo su trabajo como «elegancia punk» (Elle USA), «techno chic» (BusinessWeek), «más grande que la vida» (revista Clear) y «la verdadera estrella» (The Wall Street Journal).

Nika explica que utiliza arquetipos femeninos para diferenciarse del predominio del universo masculino en el mundo del diseño. “El diseño contemporáneo sigue siendo en gran medida un club de chicos. Estoy desafiando eso”. Para ello hace uso en sus obras de abundante parafernalia e iconografía clásica femenina, cintas, lazos, moños, volantes, muñecos, flores, colores rosas, celestes, dorados… Elementos asociados a la mujer que en otro contexto podrían parecer cursis o manidos pero que trabajados por Nika se convierten en reivindicativos y sirven como pretexto de empoderamiento y activismo “Yo soy mujer, ¿Y qué?”.

Nika busca «comunicar lo que no se puede decir» y se rebela contra un diseño contemporáneo que considera a veces demasiado masculino y opresivo.

Nika abrió su propio estudio en 2008 y se convirtió en un nombre reconocido mundialmente con el lanzamiento de la lámpara Lolita, su primer diseño producido por Moooi.

Desde entonces ha diseñado numerosas piezas exclusivas como la silla Golden (Moooi) o la silla Ribbon (Qeeboo), por nombrar algunas. Pero también son sus instalaciones conceptuales y sus ediciones limitadas las que la llevaron a convertirse en una auténtica voz global: I Will Buy Flowers Myself (2009) y Gone with the Wind (2010) presentaron una colección de objetos dentro de estructuras de casas de muñecas que se convirtieron en un sello distintivo de la Milan Design Week. La lámpara Black Cherry, ahora una de las piezas icónicas de su propia marca, también se estrenó en la Milan Design Week. Las instalaciones que siguieron, Selfdiscipline (2011) y Summertime (2012), marcan el comienzo de colecciones de edición limitada en colaboración con Rossana Orlandi, donde con gran pasión, Zupanc examina la naturaleza de los muebles. En 2012 la ciudad de Liubliana (Eslovenia), su ciudad natal, tuvo el privilegio de ser la primera en contar con un interior diseñado por Zupanc, el «As Aperitivo».

En noviembre de 2013, Zupanc presentó una estructura de madera, un pabellón, una habitación propia como parte de la exposición «Esprit Dior: Miss Dior» en «Galerie Courbe – Grand palais» en París y creó la Colección III para la empresa de lujo con sede en Londres Sé. Se dijo que la colección era una de las mejores presentadas en la semana del diseño de Milán 2015 por Dezeen, The telegraph y The Luxury channel, por nombrar algunas. La colección fue galardonada con el premio Editors para muebles en ICFF en Nueva York. Este año también marcó el lanzamiento de su colección cápsula de 20 piezas para la marca japonesa de múltiples tiendas Francfranc.

El concepto «Techno Chic»: Fue la revista Business Week quien acuñó este término para describir su trabajo. Zupanc utiliza materiales modernos y tecnología avanzada para crear formas que parecen sacadas de un cuento clásico o una película de los años 50.

En los últimos años, Zupanc ha presentado objetos con la marca de muebles contemporáneos Qeeboo, fundada por el renovador diseñador italiano Stefano Giovanonni y diseñó una colección titulada «Llévame a Miami» para la marca italiana Ghidini1961. También diseñó dos colecciones de muebles para la joven y prometedora marca de lujo Scarlet Splendor. En otros lugares, ha continuado construyendo su cartera con gran éxito, con diseños premiados para empresas como Contardi lightning y De Castelli. Su gabinete Longing para la empresa italiana Decastelli formó parte del proyecto de identidad Tracing, que recibió el prestigioso premio especial móvil Salone Del 2017 y su lámpara de cristal, diseñada para Contadi, recibió el premio al mejor diseño alemán en 2018.

Las piezas de Nika Zupanc tienen una gran carga emocional además de estar exquisitamente terminadas. Existe un toque de teatro y cine negro en su trabajo y de alguna manera sus piezas hacen que el usuario se sienta como un actor. Su lenguaje visual proviene de lo más profundo y trata de «comunicar las cosas que no se pueden contar».

Podéis ampliar información sobre la diseñadora Nika Zupanc en su página web: www.nikazupanc.com