Jòdul inaugura un espectacular showroom de 1.500m2 donde se muestran las últimas tendencias en diseño y arquitectura. El nuevo espacio expositivo cuenta con once ambientes diseñados por interioristas y arquitectos.

Jòdul, empresa familiar referente en la distribución de materiales para la construcción, la arquitectura y el interiorismo, ha renovado su espacio expositivo de 1.500 m2 en la localidad barcelonesa de Taradell, en el marco de la celebración de su 30º aniversario.

El showroom, diseñado por el estudio Nualart y el equipo de Jòdul, presenta una impresionante zona de aguas rodeada por once ambientes diseñados por interioristas de la zona en los que se exponen firmas como Mutina, Sira Concrete, Dica, Florim, Marazzi, Duravit y Dornbracht. El resultado es un espacio inspirador donde descubrir las últimas tendencias y con el que Jòdul reafirma su compromiso con la calidad y la excelencia en el sector.

Jòdul apuesta por convertirse en una prolongación del estudio de arquitectura e interiorismo en cuanto a materiales se refiere, mostrando en su espacio una amplia variedad de posibilidades y firmas que ofrecer a sus clientes: pavimentos y revestimientos, parquets y maderas, cocinas, baños y materiales de construcción. El diseño del centro, que destaca por la combinación de líneas depuradas con una paleta de colores neutros, consigue un ambiente visualmente armónico donde los materiales son los protagonistas.

Explicación del sistema de almacenamiento de energía por gravedad.

Después de cerrar el ejercicio del año pasado con una facturación de 17 millones de euros, la previsión de Jòdul para 2023 es alcanzar los 18 millones. Con un equipo formado por 35 profesionales, la compañía, en constante crecimiento y actualización, está centrada el plan de consolidación con sus diferentes líneas de negocio: cocinas, baños, obra, retail y contract.

A través del recorrido del renovado espacio y sus distintos ambientes, descubrimos cómo la armonía y el equilibrio, la sencillez y la elegancia, la experimentación y la creatividad se presentan como elementos clave en el nuevo centro, inspirando e invitando a vivir experiencias únicas en un entorno acogedor.

El nuevo centro se ha convertido en un punto de encuentro para los amantes de la decoración gracias a la colaboración con destacados interioristas y arquitectos de la Catalunya Central, donde cada uno de ellos ha mostrado su personalidad conformando una visión sorprendente y diversa: Alda Studio con su espacio “Oasis Cromàtic”, Estudi Nualart con “Nuansa”, Albert Nebot con “Zenit”, RS Arquitectura y Sandra Soler han trabajado de forma conjunta en los espacios “Pigment” y “Aura”, mientras que Mireia Torruella ha presentado “Oasis”, Colomer Rifà “D’Orígens”, Marta Mir “Grid”, Dizaynct “Sensi”, y 4 Ratlles y Abel Monmany “APlom” y “Terra” respectivamente.

«Desde Jòdul hemos querido dar un paso más y consolidar nuestro posicionamiento como referentes en el sector. La reforma del showroom, el centro neurálgico de la empresa, que fusiona diseño, creatividad y funcionalidad, nos permitirá seguir afrontando grandes proyectos. A través de la optimización del espacio, un diseño cálido, líneas depuradas y una estética armoniosa, hemos conseguido el lugar ideal para inspirar y dar a conocer las últimas tendencias de diseño.” Explica Aman Cabanas, portavoz de Jòdul.

Jòdul apuesta por convertirse en una prolongación del estudio de arquitectura e interiorismo en cuanto a materiales se refiere, mostrando en su espacio una amplia variedad de posibilidades y firmas que ofrecer a sus clientes: pavimentos y revestimientos, parqués y maderas, cocinas, baños y materiales de construcción. El diseño del centro, que destaca por la combinación de líneas limpias con una paleta de colores neutros, logra un ambiente visualmente armónico donde los materiales son los protagonistas. La luz natural no solo resalta los detalles y colores de los productos, sino que también transmite una sensación de serenidad.

Entre los clientes de Jòdul, tanto a nivel nacional como internacional, destacan algunas de las principales cadenas hoteleras y de supermercados, así como promotores de viviendas y proyectos en el ámbito hospitalario. Además, una de las áreas clave de la empresa son las viviendas privadas. Jòdul, en constante crecimiento y actualización, ha presentado una nueva web corporativa que permite personalizar listas de materiales para proyectos y buscar inspiración a través de ambientes conceptuales, con el objetivo de convertirse en una extensión de sus dos espacios físicos: el central de Taradell y Jòdul Lab, inaugurado en 2017 y, que ubicado en la calle Numancia 205 de Barcelona, cuenta con una superficie de 400 m².

Sobre Jòdul

Desde 1992, Jòdul ofrece pavimentos y revestimientos cerámicos, parquets, baños y cocinas que combinan calidad, funcionalidad y estética. Fundada como Aman en 1962 por la primera generación de los actuales propietarios, la empresa se convirtió en Jòdul hace 30 años. Actualmente, con la tercera generación, ha crecido y evolucionado, y cuenta con un equipo de 35 profesionales, dos espacios de referencia en Taradell y Barcelona, y trabaja en proyectos a nivel nacional e internacional sin perder de vista sus orígenes. De la mano de firmas como Mutina, Sira Concrete, Dica, Florim, Marazzi, Duravit y Dornbracht, Jòdul se ha convertido en un referente en la distribución de materiales para la construcción, arquitectura y diseño de interiores.

Más info en www.jodul.com

Fotos © Judith Casas

El bolso Birkin de Hermès es sin duda uno de los accesorios más icónicos de la moda de lujo. Su diseño elegante y su exclusividad lo han convertido en un objeto de deseo para muchas mujeres de todo el mundo. A continuación, te contamos todo lo que necesitas saber sobre la historia, fabricación y éxito del bolso Birkin de Hermès.

El bolso Birkin fue creado en 1984 y la historia cuenta que Jane Birkin, que en aquel momento era una actriz de moda, se sentó en un vuelo al lado de Jean-Louis Dumas, el entonces director artístico de Hermès. Durante el viaje, Birkin se quejó de lo difícil que era encontrar un bolso elegante y funcional. Dumas le prometió crear uno que cumpliera con sus espectativas y parece que en el mismo vuelo comenzaron los 2 a esbozar los trazos de lo que sería finalmente «El bolso Birkin«, que rápidamente se convirtió en uno de los productos más populares de Hermès.

Proceso de fabricación La fabricación del bolso Birkin de Hermès es un proceso que requiere mucha habilidad y experiencia. El bolso se fabrica a mano en los talleres de Hermès en Francia, utilizando materiales de alta calidad, como piel de becerro, cocodrilo o avestruz. Cada bolso lleva alrededor de 18 horas de trabajo y es único, ya que está hecho a medida según las especificaciones del cliente.

El bolso Birkin de Hermès ha sido un éxito desde el primer día y sigue siendo uno de los productos más deseados de la marca. Su exclusividad y su diseño atemporal lo convierten en un objeto de deseo para muchas mujeres de todo el mundo. Además, el bolso Birkin se ha convertido en una inversión a largo plazo, ya que su valor aumenta con el tiempo. Para conseguir uno, hay que apuntarse en una lista de espera y el mercado de segunda mano, funciona de manera muy activa con este complemento.

Versiones del bolso Birkin El bolso Birkin de Hermès está disponible en una amplia variedad de materiales, colores y tamaños. Las versiones más populares son las fabricadas en piel de becerro, que son las más duraderas y fáciles de cuidar. Sin embargo, también existen versiones en piel de cocodrilo y avestruz, que son mucho más exclusivas y lujosas.

Repercusión del bolso Birkin El bolso Birkin de Hermès ha tenido una gran repercusión en la moda y en la cultura pop. Muchas han sido las celebridades a lo largo del mundo que han mostrado en sus manos este bolso, como Victoria Beckham, Kim Kardashian y la propia Jane Birkin, co-diseñadora del bolso. Además, el bolso Birkin ha sido objeto de numerosos homenajes y referencias en películas, canciones, etc.

El bolso Birkin ha sido objeto de muchas imitaciones y falsificaciones debido a su popularidad, lo que ha llevado a la marca Hermès a tomar medidas para combatir la falsificación y proteger la calidad y autenticidad de sus productos.

Y cómo no, tenemos que hablar también de Jane Birkin, la actriz, cantante y modelo anglo-francesa que nació en el barrio londinense de Marylebone el 14 de diciembre de 1946 y reside en Francia desde finales de los años sesenta. Jane Birkin es un icono de la era pop, trabajó en la película de Michelangelo Antonioni «Deseo de una mañana de verano» del año 1966, protagonizando una escena polémica en la época, en la aparece desnuda. Trabajando en la película «Slogan», de Pierre Grimblat, se encontró a Serge Gainsbourg que sería su mentor, compositor y socio. Una de sus primeras colaboraciones fue la canción Je t’aime… moi non plus, que se convirtió en un éxito a nivel internacional.

En 1971 nace la hija de Jane Birkin, Charlotte Gainsbourg, que es también una actriz y cantante reconocida. A principios de los años 80 Jane Birkin se separó de Serge Gainsbourg que murió en 1991. Jane Birkin se mantiene activa y hace unos meses ha sacado su último disco. Os invitamos a profundizar sobre su vida y obra.

Y para cerrar, volvemos al bolso Birkin de Hermès resumiendo que se ha convertido hoy en día en un icono de la moda y el lujo, que ha conseguido trascender el tiempo y las tendencias. Es, sin duda, un objeto de deseo para muchas mujeres de todo el mundo. La historia a su alrededor, el proceso de fabricación y su exclusividad, son elementos que han contribuido a su fama y prestigio, convirtiéndolo en uno de los productos más emblemáticos y codiciados de la industria del lujo.

Podéis ampliar la información en https://www.hermes.com/es/es/story/297703-birkin/

Y aquí tenéis unas imágenes para poder apreciar todos los detalles del «Bolso Birkin».

Su marca homónima, fundada en 1978 en el pequeño pueblo de Solomeo en la región italiana de Umbría, ha crecido hasta convertirse en una de las marcas de lujo más valoradas en el mercado actual.

La filosofía de vida de Brunello Cucinelli se basa en valores como la ética, la responsabilidad social, la sostenibilidad y la belleza. Su visión de la moda no se limita a la creación de prendas hermosas, sino que va más allá, buscando transmitir una experiencia de vida que refleje la armonía entre el ser humano y la naturaleza. Es por eso que la marca se esfuerza por utilizar materiales de alta calidad y procesos de producción éticos y sostenibles.

El espíritu de la marca Brunello Cucinelli se refleja en la creación de prendas y accesorios que combinan la artesanía tradicional italiana con la tecnología más avanzada.

La marca se enfoca en detalles meticulosos y en la calidad excepcional de sus productos. Desde sus elegantes trajes de corte impecable hasta sus suaves cárdigans de cachemira, la marca se distingue por ofrecer una experiencia de lujo auténtico y atemporal.

La historia de la marca Brunello Cucinelli es la historia de un sueño hecho realidad. Brunello, el fundador de la marca, comenzó su carrera en la moda en los años 70, cuando comenzó a vender prendas de cachemira de alta calidad en el mercado local de Solomeo.

Con el tiempo, su marca comenzó a ganar reconocimiento en el mercado internacional, llegando a abrir tiendas en las principales ciudades del mundo.

La propuesta de valor de la marca Brunello Cucinelli se basa en ofrecer productos de calidad excepcional, utilizando materiales de la más alta calidad y procesos de producción éticos y sostenibles. La marca se preocupa por cada detalle, desde la elección del tejido hasta el diseño de las prendas y la atención al cliente en las tiendas.

Brunello Cucinelli es una marca comprometida con la responsabilidad social y la sostenibilidad, lo que la convierte en una opción atractiva para los consumidores que buscan marcas con valores éticos.

Es de reconcer la labor filantrópica del creador de la marca que dona el 20% de sus beneficios a través de la Fundación Brunello Cucinelli. Ha sido descrito como «filósofo-diseñador», desde que Brunello abandonó la escuela de ingeniería a los 24 años, se dedicó con pasión a leer textos filosóficos.

En 2018 Cucinelli decidió vender el 6% de sus acciones para donar 100 millones a la caridad. A través de su fundación, ha restaurado muchas obras de arte de la región de Umbría y cuida el entorno alrededor de Solomeo, la ciudad donde vive y donde tiene la sede su empresa.

Brunello presta mucha atención a cuestiones como la belleza y el arte, de los que se declara apasionado, la familia a la que considera un pilar imprescindible y a conceptos y valores tradicionales como el apego a la tierra.

Sobre la belleza, Brunello declara:

«Es la belleza de las cosas, de las personas, de las ideas, de los modales, de las palabras. Es la belleza de la vida. El mundo es hermoso, el futuro es hermoso y brillante. La belleza no es mera apariencia, ni una característica externa o algo que solo importa en la superficie. La belleza es la forma de las cualidades internas de las personas y las cosas. Donde hay belleza, hay positividad.«

 «La belleza, en la gran mayoría de los casos, coincide con la sencillez. La sencillez no significa falta de ideas ni de recursos, sino la esencia de las cosas apasionantes, de los grandes tesoros. Solo las grandes personas pueden hablar de grandes cosas con sencillez. Cuando las personas están rodeadas de sencillez, todo se vuelve más claro, se puede comprender la belleza y cada cualidad humana se realza de alguna manera, se manifiesta en su plenitud.«

Brunello cita al filósofo griego Plotino cuando dice «Solo a través de la belleza puede el hombre ascender a Dios.»

Combinar lo antiguo con lo moderno, los objetivos corporativos con las necesidades humanas, es el secreto de una empresa que muchos admiran por su vocación innovadora.

En conclusión, la marca Brunello Cucinelli es un ejemplo de cómo una filosofía de vida puede reflejarse en una marca de moda. Su enfoque en la calidad, la tradición, la artesanía y la sostenibilidad, la hacen única en el mercado de la moda de lujo. Si estás buscando una experiencia de moda auténtica, elegante y sostenible, la marca Brunello Cucinelli es una excelente opción.

Podéis obtener más información en la página web de la marca: www.brunellocucinelli.com

Dieter ha pasado a la historia por formular los 10 principios del buen diseño de Dieter Rams y contribuir al renacimiento del diseño Funcionalista alemán (la Gute Form) de finales de la década de los 50 y los años 60. En el año 1955, Rams es nombrado jefe del equipo de diseño de la compañía alemana de productos de consumo Braun, fundada en el año 1921 en la ciudad de Frankfurt por el ingeniero Max Braun. La marca fabricaba en sus inicios componentes para radios y a partir de 1929 amplificadores y receptores de radio. Dieter Rams influyó enormemente en la dirección artística de Braun, llevando a la marca a un racionalismo que pronto caracterizaría los productos de la compañía y que hoy en día son signo de su identidad. Braun es hoy una marca conocida globalmente por sus productos de diseño funcional y estética apreciada.

Rams explica su visión del diseño mediante la frase «Weniger, aber besser», «Menos, pero con mejor ejecución». Rams y su equipo de diseño diseñaron muchos productos para Braun, incluyendo el famoso grabador-reproductor SK-4 y el proyector de diapositivas 35mm de alta calidad D45, D46. Rams también es célebre por el diseño del Sistema de Estanterías Universal 606, para Vitsœ creado en 1960. Muchos de los diseños de Rams, desde elegantes cafeteras, calculadoras, radios, equipamiento audiovisual, electrodomésticos de consumo y productos de oficina, se encuentran en museos de diseño y arte de todo el mundo.

Los 10 principios de diseño establecidos por Dieter Rams han tenido una gran influencia en el mundo del diseño y en los diseñadores en particular, aunque son muy pocos los que realmente respetan todos y cada uno de ellos, que pasamos a enumerar a continuación:

1. El buen diseño es innovador.

Rams establece claramente que es improbable agotar las posibilidades de innovación en el diseño debido a que el desarrollo tecnológico continuamente ofrece nuevas oportunidades para innovar cada diseño. Otra característica del diseño innovador es que continuamente se desarrolla a la par con nuevas tecnologías por lo tanto carece de limitaciones inherentes.

2. El buen diseño provee de utilidad a cada producto.

El objetivo primordial de un producto es su utilidad. Su diseño es primordialmente práctico y de manera secundaria tiene que satisfacer ciertos criterios de carácter psicológico y estético. Un buen diseño le da prioridad a la utilidad de un producto tomando en cuenta de manera estrictamente secundaria sus aspectos psicológicos y estéticos pero evita todas aquellas características que podrían disminuir la utilidad del producto.

3. El buen diseño es estético.

El diseño bien ejecutado no carece de belleza. La calidad estética de un producto forma parte integral de su utilidad ya que los productos utilizados cotidianamente tienden a tener un efecto indirecto en las personas y su bienestar.

4. El buen diseño hace un producto comprensible.

Un buen diseño simplifica la estructura del producto y lo predispone a expresar claramente su función mediante la intuición del usuario. Idealmente su propósito será intuitivo para todo usuario.

5. El buen diseño es discreto.

Todo producto y su diseño debe de ser simultáneamente neutro y sobrio. Su sobriedad y neutralidad tienen como objetivo el proveer un espacio de expresión para el usuario. Todo producto bien diseñado cumple un propósito semejante a aquel de toda herramienta y por lo tanto un buen diseño no confunde la identidad de sus productos con objetos de decoración ni con obras de arte. Un producto correctamente ejecutado es una herramienta estéticamente atractiva que carece de una identidad ilógicamente indefinida.

6. El buen diseño es honesto.

Un diseño honesto nunca intenta falsificar el auténtico valor e innovación del producto dado. Asimismo, un diseño verdaderamente honesto nunca trata de manipular al consumidor mediante promesas de una utilidad apócrifa, inexistente o más allá de la realidad física del producto.

7. El buen diseño tiene un valor anacrónicamente duradero.

Toda moda es inherentemente pasajera y subjetiva. La correcta ejecución del buen diseño da como resultado productos inherentemente objetivos y anacrónicamente útiles. Estas cualidades se ven reflejadas cuando los usuarios tienen la tendencia de atesorar y favorecer aquellos productos bien diseñados incluso en aquellas sociedades cuyas tendencias de consumo claramente favorecen productos desechables.

8. El buen diseño concibe exhaustivamente hasta el último detalle.

Dieter Rams establece esta regla de manera absoluta: Un buen diseño nunca deja nada al azar dado que el cuidado y la exhaustiva precisión de cada detalle expresa el respeto de los diseñadores para con sus consumidores. Cada error es una falta de respeto.

9. El buen diseño respeta el medio ambiente.

Un buen diseño debe de contribuir significativamente a la preservación del medio ambiente mediante la conservación de los recursos y la minimización de la contaminación física y visual durante el ciclo de vida del producto.

10. El buen diseño es diseño en su absoluta mínima expresión.

Dieter Rams subraya la distinción entre el coloquialmente regurgitado paradigma en diseño: «Menos es más» y en su lugar recomienda su propio paradigma: «Menos, pero con mejor ejecución», destacando el hecho de que este enfoque fomenta los aspectos fundamentales de cada producto y por lo tanto evita lastrarlos torpemente con todo aquello que no es esencial. El resultado ideal es productos de mayor pureza y simplicidad.

En este vídeo varios diseñadores comentan los 10 principios del buen diseño de Dieter Rams que hoy en día siguen plenamente vigentes.

Vídeo sobre el diseñador alemán Dieter Rams y los productos de uso cotidiano que pueden ser hermosos y duraderos.

Tráiler del documental de Gary Hustwit «Rams».

A continuación podéis ver una galería con algunos diseños realizados por Dieter Rams.

Video con explicaciones sobre el trabajo del diseñador Dieter Rams.

Combinación de estantería Vitsoe y varios diseños de productos Braun realizados por Dieter-Rams, incluido el sillón, pues el diseñador alemán no sólo diseñó productos de consumo sino que se adentró también en el mundo de diseño de mobiliario.

En esta entrevista el arquitecto y diseñador japonés Oki Sato nos habla sobre su enfoque lúdico del diseño y nos muestra algunos de sus proyectos.

En este otro vídeo, Oki Sato nos deja pensamientos y reflexiones sobre el trabajo, el éxito y los valores como el siguiente: «Hay como una Diosa… que te sonríe. Y existen personas que están esperando a la Diosa, entonces la Diosa nunca te mirará. Pero si te estás enfocando en otra cosa, estás trabajando muy duro en lo que realmente te gusta, sin esperar nada más a cambio, entonces esta Diosa se pone celosa y viene hacia ti, te lleva al éxito de alguna manera. Así que las personas que buscan el éxito, nunca lo logran. Pero las personas que se concentran en lo que hacen y disfrutan de lo que que están haciendo, al final, creo que están muy cerca del éxito».

Oki Sato es reconocible por su manera de vestir, camisa blanca, pantalón negro y chaqueta negra, un vestuario minimalista y acromático reflejo de su estilo sosegado. En el vídeo Sato nos explica que este vestuario es consecuente con su idea de repetición, de repetir en su vida tanto como sea posible, de esta manera él cree que la repetición le permite percibir mejor los cambios, por mínimos que sean, que se producen a su alrededor y, por lo tanto, encontrar inspiración en los pequeños momentos de la vida.

«My football kit» es uno de los últimos proyectos terminados por Oki Sato y su estudio Nendo. Ha sido realizado para la empresa japonesa de equipamientos deportivos Molten, que fabrica desde hace tiempo balones de fútbol, baloncesto, voleibol y balonmano usados en competiciones oficiales. Consistió en desarrollar un balón de fútbol simplificado para que los niños tengan la oportunidad de jugar y disfrutar del fútbol, con la esperanza de popularizar el deporte y aumentar el número de jugadores en comunidades empobrecidas. Además de las dificultades para obtener un balón de fútbol en muchos lugares del planeta, su mantenimiento presenta una gran barrera, unas veces por la falta de bombas de aire y otras por el grado de deterioro del mismo.

Como respuesta a este problema, se ideó una pelota de fútbol no inflable que da la misma sensación al patear que la que obtenemos con una pelota estándar. Su desarrollo está inspirado en la estructura de la pelota de bambú tejida, tradicional japonesa.

El ensamblaje de tres tipos de componentes para un total de 54 piezas da como resultado un balón de fútbol que, en lugar de depender de la presión del aire interno, se basa en la elasticidad de su material de superficie. Los componentes blandos de polipropileno reciclado y resina sintética elastomérica no dañan los pies descalzos y es poco probable que, incluso si se rompen puedan causar lesiones.

Si un componente se desprende durante el juego, la estructura entrelazada asegura que la pelota no se desarme. Proporciona una alta capacidad de mantenimiento y por tanto, eficiencia económica, ya que se puede restaurar reemplazando solo los componentes rotos, logrando así una larga duración de uso.

Los componentes pueden enviarse desmontados en paquetes compactos, lo que reduce los costos de envío. La disponibilidad de componentes en varios colores, ayuda a los niños a fortalecer su apego a la pelota a través del trabajo de ensamblaje formando su propia combinación de colores. Las instrucciones de montaje están diseñadas como si fuera un libro de imágenes e ilustraciones, fáciles de entender, sin apenas texto para que los niños de todo el mundo puedan montar una pelota. También se diseñó un saco de embalaje para llevar la pelota como una mochila.

A continuación se muestran imágenes del proyecto de diseño «My football kit» en las que podemos ver las piezas con las que se monta el balón de fútbol y el resultado final en sus distintas variantes.

En esta vídeo animación «50 sillas manga diseñadas por Nendo para la galería Friedman Benda», podéis ver de una manera muy «lúdida y amena» como la enorme creatividad del estudio Nendo genera 50 formas de sillas diferentes.

Oki Sato es un artista completo que se mueve perfectamente por diferentes territorios, como podéis ver en este vídeo en el que el fundador de Nendo nos explica cómo su estudio de diseño japonés tomó prestada la obra de M. C. Escher para crear la instalación «Escher X Nendo | Entre dos mundos». Nendo generó unos diseños inspirados en el enfoque matemático de Escher que los visitantes de la exposición podían seguir a través de los diferentes espacios de la galería. La exposición «Escher X Nendo | Between Two Worlds» tuvo lugar entre 2018 y 2019 en NGV International, Melbourne, Australia.

Como muestra de trabajo arquitectónico realizado por Nendo, a continuación os mostramos unas imágenes y un vídeo del proyecto «Plaza Estación de Tenri CoFuFun» en el que se interviene en un área de 6.000 metros cuadrados que incluye alquiler de bicicletas, cafetería, tiendas, quiosco de información, zona de juegos, escenario al aire libre y espacio para reuniones y eventos para los residentes en Tenri, en la prefectura de Nara, situada en el sudoeste de Japón. Los límites urbanos de Tenri incluyen un número de tumbas japonesas antiguas, conocidas como «cofun». Los cofun son hermosos e inconfundibles y se mezclan en los espacios de la vida cotidiana en la ciudad. El paisaje de la plaza está inspirado por los cofun y es una representación de la geografía característica de la zona: la cuenca de Nara, rodeada por montañas. En el proyecto podemos apreciar de nuevo el enfoque lúdico que tienen las obras de Oki Sato.

Podéis obtener más información sobre el diseñador Oki Sato en la página web de su estudio de diseño, Nendo: www.nendo.jp

De acuerdo con el autor Alan Hess en su libro Googie: Fifties Cofee Shop Architecture, el origen del nombre Googie se sitúa en 1949 cuando el arquitecto John Lautner diseñó una cafetería con el nombre de «Googie’s» que tenía las características arquitectónicas de las que hemos hablado. Esta cafetería estaba en la esquina de Sunset Boulevard y Crescent Heights en Los Ángeles y fue demolida en la década de los 80. En el libro de Alan Hess, el autor expone que el profesor Douglas Haskell de la Universidad de Yale y el fotógrafo arquitectónico Julius Shulman conducían por Los Ángeles cuando se detuvieron delante de Googie’s y Haskell proclamó «esto es la arquitectura Googie». Posteriormente, el profesor escribió un artículo en 1952 en la revista House and Home y se refirió al tipo de arquitectura como Googie, pasando a estandarizar la denominación.

El Theme Building es un ejemplo de edificio de diseño futurista influenciado por el estilo de arquitectura Googie. Está situado en el Aeropuerto Internacional de Los Ángeles. Se inauguró en 1961.

La torre The Space Needle (la Aguja Espacial) de Seatle es un excelente exponente de la arquitectura de estilo futurista llamada Googie. Fue construida en 1962 en el centro de la ciudad y es un proyecto de Edward E. Carlson.

Uno de los primeros restaurantes McDonalds abierto en Chicago Illinois en 1955, ejemplo de arquitectura Googie.

La influencia del estilo Googie ha sido muy grande y constante, alimentándose de distintas fuentes y generando numerosos iconos tanto en forma de objetos como arquitectura o audiovisuales dando lugar a lo que conocemos hoy en día como estilo retro-futurista al cuál se recurre una y otra vez como fuente de inspiración. De la influencia Googie han nacido por ejemplo, los dibujos animados de The Jetsons (Los Supersónicos) y la zona Tomorrowland del parque de atracciones Disneyland de Anaheim en California, el único construido bajo la supervisión del mítico Walt Disney. También podemos citar la lámpara lava inventada en 1963 por Edward Craven-Walker, fundador de la empresa de iluminación Mathmos, que fue comercializada en 1965 con el nombre de «Astro Lamp».

La película «Los Increíbles» de Pixar es otro ejemplo de la influencia del estilo de diseño Googie, que podemos apreciar de manera clara, tanto en la arquitectura como en diferentes objetos y mobiliario que aparecen en esta obra maestra de la empresa que lo cambió todo 😉.

En este vídeo se puede apreciar la gran influencia que el estilo de arquitectura Googie ha tenido en la realización de la película de Pixar «Los Increíbles».

Jacquemus es una marca de moda francesa fundada por Simon Porte Jacquemus.

Simon Porte Jacquemus empezó a estudiar en la Escuela Superior de Artes y Técnicas de la Moda (ESMOD) de París a los 18 años, pero a los pocos meses lo dejó y comenzó a trabajar en la sección de estilismo de la revista de moda Citizen K. La repentina muerte de su madre en accidente de tráfico supuso un punto de inflexión en su vida y le motivó a emprender su propia carrera como diseñador de moda en homenaje a ella.

A los 20 años Simon creó la marca de moda Jacquemus, el apellido de soltera de su madre, quien estará para siempre muy presente en la vida y obra de Simon. Jacquemus ha tenido un rápido crecimiento fruto del gran impulso emprendedor y motivación de Simon por sacar adelante su marca. Para ello, no dudó por ejemplo en promover sus diseños entre sus propios amigos para dar a conocer la marca e hizo que estos vistieran sus creaciones durante la Vogue’s Fashion Night Out del año 2010 en París obteniendo una gran repercusión. Tan solo 2 años después, en 2012 fue invitado a presentar su colección durante la Semana de la Moda de París.

La mayoría de los tejidos utilizados en las colecciones de Jacquemus provienen de un proveedor de ropa de trabajo. El corte es simple, con pocos detalles, pero original. Las impresiones a veces recuerdan el mundo de las películas de Jacques Tati o Louis Malle. Jacquemus ha descrito sus creaciones como una moda «ingenua» que sin embargo han alcanzado gran notoriedad, estando a la venta en tiendas como Opening Ceremony en Nueva York, Broken Arm en París, Gago en Aix-en-Provence, Dover Street Market en Londres y Ekseption en Madrid. En 2014, diseñó una colección para La Redoute. En 2015 recibió el Premio Especial del Jurado en el «Premio LVMH» un concurso internacional creado por Delphine Arnault para jóvenes diseñadores de moda.

En 2017, Jacquemus añadió una línea de calzado a sus colecciones y en 2018 anunció que diseñaría ropa de hombre, creando la primera colección en 2019. Además de los zapatos, actualmente Jacquemus también diseña bolsos y sombreros.

Simon Porte Jacquemus es una persona muy apegada a sus orígenes en la Provenza, estando presentes en muchas de sus colecciones que evocan los paisajes y el modo de vida de la región francesa, la sencillez, la calma, lo natural. Al mismo tiempo, las referencias a su familia y a su círculo cercano son también constantes en su obra y están siempre muy presentes en sus colecciones, incluso su abuela Liline ha ejercido como modelo en alguna de ellas.

En el siguiente vídeo podéis ver el desfile de la colección «L’Amour Spring – Summer 2021» de la firma de moda francesa Jacquemus.

Imágenes promocionales de la colección L’Amour de la marca de moda francesa Jacquemus.

Para presentar la colección L’Amour, Jacquemus preparó una espectacular pasarela de 600 metros de tablones de madera en medio de un campo de trigo que, según el diseñador, estaba destinada a evocar la autenticidad, así como el lado más romántico de la marca. Simon quería que su colección hablara de amor y de celebración «como una simple boda en el campo o una fiesta de la cosecha».

El bolso «Le Grand Bambino» de Jacquemus.

Presentación de la colección otoño invierno 2020/2021.

En la colección primavera verano de 2020 pudimos de nuevo apreciar el gran apego del diseñador a la tierra que le vió nacer, la Provenza y en general a los campos y paisajes del sur de Francia.

En este vídeo Simon Porte Jacquemus nos cuenta el mismo la gran inspiración que ha supuesto para él el sur de Francia y vuelve a Brame-Jean, el pequeño pueblo donde se crió y pasó una idílica infancia junto a sus padres, a los que recuerda constantemente.

La consagración global: De la Avenue Montaigne a Capri (2021-2025)

En los últimos años, Jacquemus ha trascendido su etiqueta de «joven promesa» para convertirse en una potencia establecida del lujo, sin perder su alma lúdica y provenzal.

Un hito fundamental en esta nueva era fue la apertura en septiembre de 2022 de su primera boutique en la Avenue Montaigne de París. Lejos de ser una tienda convencional, Simon concibió este espacio como una experiencia inmersiva y artística, mezclando sus diseños con obras de arte, máquinas de palomitas gigantes y una estética surrealista que redefinió el retail de lujo.

Desfiles cinematográficos y aniversarios

La marca ha continuado su tradición de elegir localizaciones de ensueño que se vuelven virales instantáneamente:

• «Le Chouchou» (Versalles, 2023): Jacquemus tomó los jardines del Palacio de Versalles, con invitados viendo el desfile desde barcas en el Gran Canal, en una colección inspirada en María Antonieta y Lady Di.

• «Les Sculptures» (2024): Presentada en la Fondation Maeght en el sur de Francia, esta colección dialogó directamente con las obras de Giacometti, mostrando una faceta más arquitectónica y sobria de la firma.

• «La Casa» (Capri, 2024): Para celebrar el 15º aniversario de la marca, Simon cumplió su sueño de desfilar en la icónica Casa Malaparte en Capri. Una colección crucero que rindió homenaje al cine de Godard (El Desprecio) y a la pura Dolce Vita.

Reconocimiento oficial y el fenómeno Nike

En marzo de 2024, Simon Porte Jacquemus fue nombrado Chevalier de l’Ordre des Arts et des Lettres, recibiendo la medalla de manos de la mismísima Anna Wintour. Con solo 34 años, se convirtió en el diseñador más joven en recibir esta distinción, consolidando su impacto cultural.

Paralelamente, su colaboración continuada con Nike ha sido un éxito rotundo. Tras su primera unión en 2022, la alianza se fortaleció en el verano de 2024, justo antes de los Juegos Olímpicos de París, con una colección que mezcló estilo de vida y deporte, acompañada de una campaña viral protagonizada por iconos como Serena Williams y Central Cee. Esta colaboración nos ha dejado piezas de culto instantáneo como el bolso con forma de «Swoosh».

Hoy, Jacquemus ya no es solo el chico del sur que soñaba con París; es el visionario que ha obligado a París a mirar hacia el sur.

Como siempre, os invitamos a visitar la página web de la marca Jacquemus para estar informados de sus últimas colecciones y novedades: https://www.jacquemus.com/

La diseñadora Nika Zupanc diseña piezas con un estilo femenino que muchas de ellas se diría hoy en día que van en contra de los postulados del feminismo. En la mayoría de sus obras se pueden apreciar claramente los tópicos que han hecho diferentes durante años a las mujeres de los hombres, sin embargo, según la propia diseñadora, ella es muy feminista y contribuye con sus diseños a visibilizar el papel de la mujer en el mundo del diseño.

Los trabajos de Nika Zupanc se sitúan en la frontera de la tecnología, los materiales y las diferentes posibilidades que se pueden derivar de la utilización de los mismos y la creatividad. La artista ha colaborado diseñando productos con empresas de diseño como Moooi, Qeeboo, Sé, Moroso, Nodusy o Dior y crea colecciones en edición limitada para Rossana Orlandi, mientras sigue desarrollando su propia marca. Desde su presentación en la Milan Design Week, la industria y la prensa la han observado de cerca, describiendo su trabajo como «elegancia punk» (Elle USA), «techno chic» (BusinessWeek), «más grande que la vida» (revista Clear) y «la verdadera estrella» (The Wall Street Journal).

Nika explica que utiliza arquetipos femeninos para diferenciarse del predominio del universo masculino en el mundo del diseño. “El diseño contemporáneo sigue siendo en gran medida un club de chicos. Estoy desafiando eso”. Para ello hace uso en sus obras de abundante parafernalia e iconografía clásica femenina, cintas, lazos, moños, volantes, muñecos, flores, colores rosas, celestes, dorados… Elementos asociados a la mujer que en otro contexto podrían parecer cursis o manidos pero que trabajados por Nika se convierten en reivindicativos y sirven como pretexto de empoderamiento y activismo “Yo soy mujer, ¿Y qué?”.

Nika busca «comunicar lo que no se puede decir» y se rebela contra un diseño contemporáneo que considera a veces demasiado masculino y opresivo.

Nika abrió su propio estudio en 2008 y se convirtió en un nombre reconocido mundialmente con el lanzamiento de la lámpara Lolita, su primer diseño producido por Moooi.

Desde entonces ha diseñado numerosas piezas exclusivas como la silla Golden (Moooi) o la silla Ribbon (Qeeboo), por nombrar algunas. Pero también son sus instalaciones conceptuales y sus ediciones limitadas las que la llevaron a convertirse en una auténtica voz global: I Will Buy Flowers Myself (2009) y Gone with the Wind (2010) presentaron una colección de objetos dentro de estructuras de casas de muñecas que se convirtieron en un sello distintivo de la Milan Design Week. La lámpara Black Cherry, ahora una de las piezas icónicas de su propia marca, también se estrenó en la Milan Design Week. Las instalaciones que siguieron, Selfdiscipline (2011) y Summertime (2012), marcan el comienzo de colecciones de edición limitada en colaboración con Rossana Orlandi, donde con gran pasión, Zupanc examina la naturaleza de los muebles. En 2012 la ciudad de Liubliana (Eslovenia), su ciudad natal, tuvo el privilegio de ser la primera en contar con un interior diseñado por Zupanc, el «As Aperitivo».

En noviembre de 2013, Zupanc presentó una estructura de madera, un pabellón, una habitación propia como parte de la exposición «Esprit Dior: Miss Dior» en «Galerie Courbe – Grand palais» en París y creó la Colección III para la empresa de lujo con sede en Londres Sé. Se dijo que la colección era una de las mejores presentadas en la semana del diseño de Milán 2015 por Dezeen, The telegraph y The Luxury channel, por nombrar algunas. La colección fue galardonada con el premio Editors para muebles en ICFF en Nueva York. Este año también marcó el lanzamiento de su colección cápsula de 20 piezas para la marca japonesa de múltiples tiendas Francfranc.

El concepto «Techno Chic»: Fue la revista Business Week quien acuñó este término para describir su trabajo. Zupanc utiliza materiales modernos y tecnología avanzada para crear formas que parecen sacadas de un cuento clásico o una película de los años 50.

En los últimos años, Zupanc ha presentado objetos con la marca de muebles contemporáneos Qeeboo, fundada por el renovador diseñador italiano Stefano Giovanonni y diseñó una colección titulada «Llévame a Miami» para la marca italiana Ghidini1961. También diseñó dos colecciones de muebles para la joven y prometedora marca de lujo Scarlet Splendor. En otros lugares, ha continuado construyendo su cartera con gran éxito, con diseños premiados para empresas como Contardi lightning y De Castelli. Su gabinete Longing para la empresa italiana Decastelli formó parte del proyecto de identidad Tracing, que recibió el prestigioso premio especial móvil Salone Del 2017 y su lámpara de cristal, diseñada para Contadi, recibió el premio al mejor diseño alemán en 2018.

Las piezas de Nika Zupanc tienen una gran carga emocional además de estar exquisitamente terminadas. Existe un toque de teatro y cine negro en su trabajo y de alguna manera sus piezas hacen que el usuario se sienta como un actor. Su lenguaje visual proviene de lo más profundo y trata de «comunicar las cosas que no se pueden contar».

Podéis ampliar información sobre la diseñadora Nika Zupanc en su página web: www.nikazupanc.com

La Salesforce Tower es un rascacielos de oficinas situado en el barrio South of Market del distrito financiero de San Francisco. Es la pieza central del proyecto San Francisco Transbay y fue diseñado por el arquitecto argentino César Pelli. Se trata del edificio más alto de San Francisco con una altura total de 326 m y 61 pisos.

En el edificio (https://www.salesforcetower.com/) se han asentado algunas compañías muy importantes como por ejemplo la que da nombre al mismo, Salesforce, empresa estadounidense de software conocida por producir el CRM (plataforma de gestión de relaciones con los clientes) Sales Cloud y otros productos con enfoque en la atención al cliente, marketing, inteligencia artificial y gestión de comunidades, sus soluciones están dirigidas tanto a Pymes como a grandes corporaciones.

Podéis obtener más información sobre estas herramientas con gran aceptación por parte de las empresas en los últimos tiempos en su página web: https://www.salesforce.com

El arquitecto del edificio ha sido César Pelli a través del estudio Pelli Clarke Pelli Archichets https://pcparch.com/. El estudio de arquitectura ha realizado a lo largo de los años numerosas obras repartidas por todo el mundo, entre ellas, Torre Sevilla, Torre Iberdrola en Bilbao, Torre de Cristal en Madrid, La Torre Unicredit en Milán, La Gran Torre Santiago en la ciudad de Santiago en Chile, Wells Fargo Center en Minneapolis y muchísimas más.

En los siguientes vídeos se puede observar la belleza y elegancia de esta esbelta torre, la Salesforce Tower.