James Dyson: Más allá del ciclón. El caballero inconformista que rediseñó el mundo

Para muchas personas, el nombre de James Dyson evoca imágenes de elegancia futurista: aspiradoras sin bolsa que parecen sacadas de una nave espacial, secadores de pelo que desafían la gravedad y purificadores de aire sin aspas que rozan la magia. Sin embargo, reducir a Sir James Dyson a la etiqueta de «el rey de las aspiradoras» sería cometer una profunda injusticia con una de las mentes más fascinantes, obstinadas y polifacéticas de nuestro tiempo.

Detrás del imperio multimillonario y de los diseños expuestos en el MoMA, se esconde un hombre que se define a sí mismo no como un brillante hombre de negocios, sino como un inadaptado, un agricultor, un educador y, sobre todo, una «mula» testaruda que ha hecho del fracaso su mayor obra de arte.

En este artículo, nos adentramos en la vida personal, las rarezas y la filosofía de un genio que nos enseña que el diseño no es solo estética, sino una forma de enfrentarse al mundo.

Para entender la resiliencia casi sobrehumana de James Dyson, hay que viajar a la costa de Norfolk, Inglaterra, en la década de los cincuenta. La infancia de James estuvo marcada por una tragedia temprana: su padre, un profesor de lenguas clásicas que amaba dirigir obras de teatro y enseñar deportes, falleció de cáncer de garganta y pulmón a los 40 años, cuando James tenía apenas nueve.

Criado por su madre viuda y con la bondad del director de su internado, el Gresham’s School, que le permitió estudiar gratis durante diez años tras la muerte de su padre, Dyson desarrolló un agudo sentimiento de ser «diferente» al resto de los niños. Esta pérdida no lo hundió, sino que forjó en él un espíritu ferozmente competitivo y una necesidad vital de vivir al límite de sus capacidades.

Fue en esos años cuando descubrió su primera gran obsesión: correr largas distancias. Inspirado por el legendario corredor Herb Elliott, el joven James se levantaba a las 6:00 a.m. para correr diez kilómetros, iba a clases, y volvía a correr otros diez kilómetros a las 10:00 p.m., a menudo subiendo y bajando por las dunas de arena para fortalecer sus piernas.

Esta experiencia física le enseñó la lección más importante de su vida, una que aplicaría a cada uno de sus futuros diseños: el concepto de la «barrera del dolor». Según Dyson, en toda carrera llega un punto en el que el agotamiento es insoportable y el cuerpo te pide parar. «Ese es el momento en el que todos los demás se detienen o reducen la velocidad. Así que, en ese preciso instante en el que quieres rendirte, debes acelerar», afirma. Ese principio de no rendirse jamás cuando todo parece perdido se convertiría en el motor de su existencia.

Sorprendentemente, el hombre que revolucionaría la ingeniería moderna no estudió ingeniería en su juventud. Educado en los clásicos (latín, griego e historia antigua), Dyson quería ser pintor. Asistió a la Byam Shaw School of Art de Londres, donde un astuto director, al ver sus dibujos, le sugirió que el mundo quizás no lo necesitaba como pintor, sino como diseñador.

Dyson se trasladó al Royal College of Art, donde pasó del diseño de muebles al diseño de interiores, y finalmente a la arquitectura y la ingeniería. Su mente hizo «clic» al descubrir la obra de Buckminster Fuller, el creador de las cúpulas geodésicas. Dyson quedó maravillado al comprender que la verdadera belleza no provenía del estilo superficial, sino de la funcionalidad y la ingeniería misma.

Poco después, conoció a quien sería su gran mentor, el excéntrico inventor Jeremy Fry, quien lo contrató para diseñar y vender el Sea Truck, una lancha de desembarco de alta velocidad. Fry le enseñó a despreciar la burocracia y a adorar la experimentación pura. Si tenían una idea para probar la hidrodinámica de un casco, no consultaban a teóricos; simplemente ataban un trozo de madera a un Land Rover, lo arrastraban por un lago y observaban qué ocurría. Fry le enseñó que, con entusiasmo, inteligencia y desprecio por los formalismos, todo era posible.

Dyson es un hombre de contrastes fascinantes. A pesar de amasar una fortuna que lo sitúa entre los hombres más ricos del Reino Unido (superando los 16.000 millones de libras en su punto álgido), rechaza frontalmente la etiqueta de «hombre de negocios». Se considera un ingeniero manchado de polvo, un creador.

Físicamente, su estilo llama la atención. Suele vestir de manera moderna y artística, a menudo con prendas diseñadas por su yerno y su hija (que son diseñadores de moda). Como él mismo señala: «No tengo que vestir de forma aburrida con colores tristes solo porque sea ingeniero». Pero si hay un detalle estético que lo define, es un cinturón de cuero rojo que lleva usando durante años. No es un rojo cualquiera; es el tono exacto que, en la Francia del siglo XVIII, solo la realeza tenía permitido usar. Aunque bromea diciendo que no se cree de la realeza, la elección refleja su amor por la historia y su gusto por lo inusual. De hecho, fue nombrado Caballero del Imperio Británico en 2006 por el Príncipe Carlos (hoy Rey Carlos III), una ceremonia que recuerda con humor por el miedo que pasó al tener una pesada espada medieval rozando sus hombros.

Pero su mayor peculiaridad profesional es su absoluto desprecio por la «experiencia» y los «expertos». En su empresa, rara vez valora la experiencia previa. Prefiere contratar a jóvenes recién graduados o estudiantes sin ningún tipo de bagaje en la industria. Dyson sostiene una teoría radical: la experiencia te enseña por qué no hacer las cosas, inhibe la creatividad y fomenta las malas costumbres corporativas. La ingenuidad, en cambio, permite a los jóvenes hacer «preguntas estúpidas» y explorar caminos que los expertos considerarían imposibles. Su lema es claro: si quieres innovar, los expertos son peligrosos porque matan las nuevas ideas basándose en el pasado.

Para entender la dimensión de James Dyson en la cultura popular, debemos hablar del producto que lo cambió todo y del calvario que supuso crearlo. A finales de los años 70, Dyson estaba frustrado. Su aspiradora Hoover Junior se atascaba constantemente y perdía succión. Al vaciar la bolsa, se dio cuenta de que el problema no era que estuviera llena, sino que los poros de la bolsa se taponaban con el polvo fino desde el primer segundo.

La inspiración le llegó de un aserradero local, donde vio un gigantesco cono ciclónico de 10 metros de altura que separaba el serrín del aire usando fuerza centrífuga. Rápidamente, corrió a casa e hizo un prototipo en miniatura con cartón y cinta adhesiva. Funcionó. Pero llevar esa idea al mercado se convertiría en una odisea épica de resiliencia.

Dyson se encerró en la antigua cochera de su casa (Coach House), un lugar helado y sin comodidades, dispuesto a perfeccionar la tecnología ciclónica. Durante los siguientes cuatro o cinco años, fabricó a mano nada menos que 5.127 prototipos.

Piensen en ello: 5.126 fracasos absolutos. Días enteros en los que regresaba a casa cubierto de polvo, exhausto y deprimido, pensando que moriría haciendo ciclones sin avanzar jamás. Sin ingresos, acumuló deudas asfixiantes con tasas de interés del 22%, obligando a su esposa, Deirdre, profesora de arte, a firmar repetidamente los documentos del banco poniendo su hogar como garantía.

¿Por qué no se rindió? Porque Dyson practica lo que él llama el «enfoque edisoniano»: hacer un solo cambio a la vez, probar, fallar y aprender. Para él, el éxito es aburrido, pero el fracaso es fascinante. Cada error le decía exactamente qué no hacer en el siguiente intento. Finalmente, el 2 de mayo de 1992, justo el día de su 45 cumpleaños, construyó el primer prototipo funcional perfecto.

Pero el camino no se allanó. Intentó licenciar su tecnología a las grandes multinacionales de electrodomésticos (Electrolux, Hoover), pero todas lo rechazaron. ¿El motivo? Estas empresas ganaban cientos de millones vendiendo las bolsas de recambio y no querían destruir su propio negocio lucrativo.

Esta travesía por el desierto cimentó otra de sus peculiaridades más marcadas: su obsesión patológica por el control total. Años antes, Dyson había inventado la Ballbarrow (una carretilla con una bola en lugar de rueda para no hundirse en el barro). Fue un éxito, pero cometió el error de ceder la patente a la empresa, controlada por inversores externos. Cuando hubo desacuerdos, los accionistas lo expulsaron de su propia compañía y le robaron su invento. Aquello lo destrozó, pero le enseñó una lección de oro. Con la aspiradora, decidió no depender de nadie: pidió un préstamo de 600.000 libras poniendo su casa en juego por enésima vez, fabricó él mismo la máquina y fundó su propia empresa. Hoy en día, Dyson Ltd. es una empresa privada al 100% sin accionistas externos, lo que le permite tomar decisiones radicales a largo plazo sin dar explicaciones a Wall Street.

“Inspired in Barcelona: Materia prima” transformó el proceso creativo en un viaje sensorial durante la Milan Design Week. La instalación presentada retrata las figuras más destacadas del ecosistema del diseño catalán, explorando el delicado e impredecible equilibrio del proceso creativo a través de dos ingredientes esenciales y compartidos de la cultura mediterránea: «el pan» y el «aceite de oliva».

Mientras las grandes tecnológicas corren a vendernos asistentes, este proyecto se ha convertido en el símbolo de una nueva era: la de la IA que menos habla y más actúa. Pero, ¿Qué es exactamente y por qué todo el mundo habla de este fenómeno?

2026, un viaje sensorial que explora el origen de la creatividad a partir de dos ingredientes esenciales de la cultura mediterránea: el pan y el aceite de oliva. La muestra utiliza estos elementos fundamentales de la gastronomía como metáforas del proceso creativo y de la búsqueda de equilibrio que caracteriza la práctica del diseño.

“Inspired in Barcelona: Materia prima” ha sido comisariada por el estudio de arquitectura Queralt Suau, con la participación del fotógrafo Txema Salvans y del diseñador Andreu Carulla, está organizada por la Barcelona Creativity & Design Foundation e impulsada por la Concejalía de Cultura e Industrias Creativas del Ayuntamiento de Barcelona a través del Disseny Hub Barcelona (DHub) y la Generalitat de Catalunyaa través de ACCIÓ-Catalonia Trade & Investment, y cuenta con la colaboración de las marcas Baluard, Brava Arts, L’Olivera, Roca y Simon.

Interpretando el tema propuesto por el Fuorisalone de la Milan Design Week 2026, Essere Progetto (una invitación a redescubrir el diseño como un proceso dinámico y responsable, en el que el ser humano retoma su papel central como artífice del cambio), la instalación se inspira en la idea de que no es la forma acabada la que define el valor del diseño, sino el proceso que la genera.

En palabras de Jordi Queralt, responsable del estudio Queralt Suau: “Históricamente, Barcelona y Cataluña han sido un espacio de creatividad e innovación donde la cultura gastronómica ha tenido un papel destacado. La tradición culinaria mediterránea, basada en el respeto por la materia prima, también ha sido un motor de experimentación reconocido internacionalmente. Con Materia prima hemos querido trasladar esa lógica al diseño: entender que las ideas, como los ingredientes, se combinan, se transforman y encuentran su equilibrio a través del juego, la investigación y el proceso creativo.”

La instalación parte de una idea central: las ideas son la materia prima del diseño, que evolucionan y se transforman a través del proceso creativo. A partir de esta premisa el recorrido expositivo guía al visitante a través de una secuencia de tres escenas que
invitan al visitante a experimentar esta metáfora:

1. Introducción: El recorrido inicia con una transición desde el bullicio de la feria hacia un espacio más calmado, donde el visitante descubre una instalación
centrada en la tierra, el pan y sus procesos, acompañada por un sonido crujiente que refuerza su dimensión sensorial. El pan, como elemento autocontenido, define paisaje y contexto, mientras que el aceite de oliva, en flujo constante sobre una mesa en movimiento, genera reflejos “auroras” que actúan como metáfora del equilibrio y la energía de las ideas.

2. Ideas en equilibrio: A continuación, una gran fotografía colectiva formada por los retratos de Txema Salvans a diversos representantes del ecosistema del
diseño catalán evoca la búsqueda del equilibrio creativo que subyace a cualquier proceso de diseño. Entre ellos se encuentran profesionales de ámbitos muy diversos, desde cocineros y pasteleros hasta diseñadores de producto, moda o interiores, así como food designers.

3. Taste experience: El recorrido concluye con una experiencia participativa concebida por Andreu Carulla: un espacio en el que los visitantes pueden jugar con el aceite, crear sus propias auroras y cerrar el recorrido de manera sensorial, degustando un pan especialmente concebido para mojar en aceite de
oliva.

En la exposición también se incluye una luminaria que se han diseñado especialmente para Barcelona: el gran rótulo luminoso con la palabra «Barcelona», diseñado por Antoni Arola, originalmente pensada para la iluminación navideña de la ciudad, encuentra una nueva función y significado, sacadas a la luz en un momento distinto del año.

En “Inspired in Barcelona: Materia prima”, la materia se convierte en narrativa: un hilo conductor que conecta tradición, innovación y cultura del diseño, y que refleja la singularidad del ecosistema creativo de Barcelona. La instalación se presenta así como una expresión colectiva de este sector, diverso, transversal y en constante evolución, capaz de integrar disciplinas, experimentar con nuevos lenguajes y proyectar internacionalmente una manera propia de entender el diseño, arraigada en el proceso, la materia y el equilibrio como motores de futuro.

Referencias:

Queralt Suau

Queralt Suau es un estudio que trabaja en la intersección entre narrativa y espacio, con proyectos vinculados al arte, la cultura y el espacio público. Fundado por Jordi Queralt (1979), arquitecto y máster en Bellas Artes, el estudio emplea el espacio como herramienta para estructurar relatos y activar contenidos. A partir de la investigación y la experimentación, tanto conceptual como material, su obra combina proyectos expositivos, escénicos y de espacio público vinculados al juego. Esta construcción transversal permite convertir la práctica profesional en una herramienta
radicalmente cultural.

Más información en: www.queraltsuau.com

RUN Design

RUN Design es un estudio de diseño gráfico con base en Barcelona que desarrolla proyectos de identidad visual, dirección de arte y comunicación cultural. Su trabajo se caracteriza por una aproximación experimental al diseño, donde la investigación formal, el juego visual y la exploración tipográfica tienen un papel central. A través de una mirada contemporánea e inquieta, el estudio crea sistemas gráficos que buscan ir más allá de la función comunicativa para generar lenguajes visuales propios. Sus proyectos combinan rigor conceptual con una actitud abierta al ensayo y la prueba, entendiendo el diseño como un espacio de experimentación y pensamiento visual. Esta manera de trabajar sitúa a RUN dentro de una escena gráfica que explora
nuevas formas de narrar y representar la cultura.

Más información en: www.rundesign.net

Txema Salvans

Txema Salvans (Barcelona, 1971) es un fotógrafo documental reconocido por su mirada irónica y observadora sobre la sociedad contemporánea. Formado inicialmente en Biología, orientó pronto su trayectoria hacia la fotografía, desarrollando proyectos de largo recorrido basados en la observación paciente de los
espacios cotidianos y periféricos. Su obra combina una gran precisión formal con un humor sutil y lúdico que transforma escenas aparentemente ordinarias en imágenes llenas de significado. En trabajos como Perfect Day o The Waiting Game, Salvans construye relatos visuales que invitan a reflexionar sobre la relación entre las personas y el paisaje. Esta combinación de mirada crítica y sensibilidad visual ha consolidado su obra dentro de la fotografía documental contemporánea.

Más información en: www.txemasalvans.com

Andreu Carulla

Andreu Carulla (Banyoles, 1979) es un diseñador industrial catalán reconocido por una aproximación al diseño que combina experimentación, artesanía y sensibilidad por el material. Desde su estudio en Banyoles, fundado en 2006, desarrolla proyectos que van del mobiliario y la iluminación a la vajilla, los espacios y la dirección creativa.

Su manera de trabajar se basa en la exploración constante de materiales y procesos, a menudo combinando técnicas tradicionales con soluciones contemporáneas. Con una mirada curiosa e inventiva, sus objetos buscan un equilibrio entre funcionalidad, sostenibilidad y expresividad formal. Carulla entiende el diseño como una herramienta para repensar nuestro entorno cotidiano, creando piezas atemporales que dialogan
con el paisaje, el oficio y la cultura mediterránea.

Más información en: www.andreucarulla.com

Barcelona Creativity & Design Foundation

La Barcelona Creativity & Design Foundation tiene la visión de posicionar Barcelona como referente global en creatividad empresarial y economía creativa. Su misión es impulsar la economía creativa de Barcelona, colaborando con la comunidad profesional y empresarial para desarrollar su ecosistema y demostrar el valor que la creatividad aporta a cualquier negocio. A través de Inspired in Barcelona®, la fundación promueve la proyección internacional de la creatividad barcelonesa, propiciando las oportunidades de negocio en eventos clave de la escena global.

Más información en: www.bcd.es

Ayuntamiento de Barcelona (Concejalía de Cultura e Industrias Creativas – DHub, Disseny Hub Barcelona)

El Disseny Hub Barcelona es el espacio que integra e interactúa con las diferentes expresiones de diseño e industrias creativas de la ciudad. Desde el Disseny Hub Barcelona, el Ayuntamiento promueve el debate, la investigación y la presentación de nuevos proyectos y contenidos producidos por el sector de las industrias creativas a nivel local e internacional.

Más información en: www.dissenyhub.barcelona

Dieter ha pasado a la historia por formular los 10 principios del buen diseño de Dieter Rams y contribuir al renacimiento del diseño Funcionalista alemán (la Gute Form) de finales de la década de los 50 y los años 60. En el año 1955, Rams es nombrado jefe del equipo de diseño de la compañía alemana de productos de consumo Braun, fundada en el año 1921 en la ciudad de Frankfurt por el ingeniero Max Braun. La marca fabricaba en sus inicios componentes para radios y a partir de 1929 amplificadores y receptores de radio. Dieter Rams influyó enormemente en la dirección artística de Braun, llevando a la marca a un racionalismo que pronto caracterizaría los productos de la compañía y que hoy en día son signo de su identidad. Braun es hoy una marca conocida globalmente por sus productos de diseño funcional y estética apreciada.

Rams explica su visión del diseño mediante la frase «Weniger, aber besser», «Menos, pero con mejor ejecución». Rams y su equipo de diseño diseñaron muchos productos para Braun, incluyendo el famoso grabador-reproductor SK-4 y el proyector de diapositivas 35mm de alta calidad D45, D46. Rams también es célebre por el diseño del Sistema de Estanterías Universal 606, para Vitsœ creado en 1960. Muchos de los diseños de Rams, desde elegantes cafeteras, calculadoras, radios, equipamiento audiovisual, electrodomésticos de consumo y productos de oficina, se encuentran en museos de diseño y arte de todo el mundo.

Los 10 principios de diseño establecidos por Dieter Rams han tenido una gran influencia en el mundo del diseño y en los diseñadores en particular, aunque son muy pocos los que realmente respetan todos y cada uno de ellos, que pasamos a enumerar a continuación:

1. El buen diseño es innovador.

Rams establece claramente que es improbable agotar las posibilidades de innovación en el diseño debido a que el desarrollo tecnológico continuamente ofrece nuevas oportunidades para innovar cada diseño. Otra característica del diseño innovador es que continuamente se desarrolla a la par con nuevas tecnologías por lo tanto carece de limitaciones inherentes.

2. El buen diseño provee de utilidad a cada producto.

El objetivo primordial de un producto es su utilidad. Su diseño es primordialmente práctico y de manera secundaria tiene que satisfacer ciertos criterios de carácter psicológico y estético. Un buen diseño le da prioridad a la utilidad de un producto tomando en cuenta de manera estrictamente secundaria sus aspectos psicológicos y estéticos pero evita todas aquellas características que podrían disminuir la utilidad del producto.

3. El buen diseño es estético.

El diseño bien ejecutado no carece de belleza. La calidad estética de un producto forma parte integral de su utilidad ya que los productos utilizados cotidianamente tienden a tener un efecto indirecto en las personas y su bienestar.

4. El buen diseño hace un producto comprensible.

Un buen diseño simplifica la estructura del producto y lo predispone a expresar claramente su función mediante la intuición del usuario. Idealmente su propósito será intuitivo para todo usuario.

5. El buen diseño es discreto.

Todo producto y su diseño debe de ser simultáneamente neutro y sobrio. Su sobriedad y neutralidad tienen como objetivo el proveer un espacio de expresión para el usuario. Todo producto bien diseñado cumple un propósito semejante a aquel de toda herramienta y por lo tanto un buen diseño no confunde la identidad de sus productos con objetos de decoración ni con obras de arte. Un producto correctamente ejecutado es una herramienta estéticamente atractiva que carece de una identidad ilógicamente indefinida.

6. El buen diseño es honesto.

Un diseño honesto nunca intenta falsificar el auténtico valor e innovación del producto dado. Asimismo, un diseño verdaderamente honesto nunca trata de manipular al consumidor mediante promesas de una utilidad apócrifa, inexistente o más allá de la realidad física del producto.

7. El buen diseño tiene un valor anacrónicamente duradero.

Toda moda es inherentemente pasajera y subjetiva. La correcta ejecución del buen diseño da como resultado productos inherentemente objetivos y anacrónicamente útiles. Estas cualidades se ven reflejadas cuando los usuarios tienen la tendencia de atesorar y favorecer aquellos productos bien diseñados incluso en aquellas sociedades cuyas tendencias de consumo claramente favorecen productos desechables.

8. El buen diseño concibe exhaustivamente hasta el último detalle.

Dieter Rams establece esta regla de manera absoluta: Un buen diseño nunca deja nada al azar dado que el cuidado y la exhaustiva precisión de cada detalle expresa el respeto de los diseñadores para con sus consumidores. Cada error es una falta de respeto.

9. El buen diseño respeta el medio ambiente.

Un buen diseño debe de contribuir significativamente a la preservación del medio ambiente mediante la conservación de los recursos y la minimización de la contaminación física y visual durante el ciclo de vida del producto.

10. El buen diseño es diseño en su absoluta mínima expresión.

Dieter Rams subraya la distinción entre el coloquialmente regurgitado paradigma en diseño: «Menos es más» y en su lugar recomienda su propio paradigma: «Menos, pero con mejor ejecución», destacando el hecho de que este enfoque fomenta los aspectos fundamentales de cada producto y por lo tanto evita lastrarlos torpemente con todo aquello que no es esencial. El resultado ideal es productos de mayor pureza y simplicidad.

En este vídeo varios diseñadores comentan los 10 principios del buen diseño de Dieter Rams que hoy en día siguen plenamente vigentes.

Vídeo sobre el diseñador alemán Dieter Rams y los productos de uso cotidiano que pueden ser hermosos y duraderos.

Tráiler del documental de Gary Hustwit «Rams».

A continuación podéis ver una galería con algunos diseños realizados por Dieter Rams.

Video con explicaciones sobre el trabajo del diseñador Dieter Rams.

Combinación de estantería Vitsoe y varios diseños de productos Braun realizados por Dieter-Rams, incluido el sillón, pues el diseñador alemán no sólo diseñó productos de consumo sino que se adentró también en el mundo de diseño de mobiliario.

En esta entrevista el arquitecto y diseñador japonés Oki Sato nos habla sobre su enfoque lúdico del diseño y nos muestra algunos de sus proyectos.

En este otro vídeo, Oki Sato nos deja pensamientos y reflexiones sobre el trabajo, el éxito y los valores como el siguiente: «Hay como una Diosa… que te sonríe. Y existen personas que están esperando a la Diosa, entonces la Diosa nunca te mirará. Pero si te estás enfocando en otra cosa, estás trabajando muy duro en lo que realmente te gusta, sin esperar nada más a cambio, entonces esta Diosa se pone celosa y viene hacia ti, te lleva al éxito de alguna manera. Así que las personas que buscan el éxito, nunca lo logran. Pero las personas que se concentran en lo que hacen y disfrutan de lo que que están haciendo, al final, creo que están muy cerca del éxito».

Oki Sato es reconocible por su manera de vestir, camisa blanca, pantalón negro y chaqueta negra, un vestuario minimalista y acromático reflejo de su estilo sosegado. En el vídeo Sato nos explica que este vestuario es consecuente con su idea de repetición, de repetir en su vida tanto como sea posible, de esta manera él cree que la repetición le permite percibir mejor los cambios, por mínimos que sean, que se producen a su alrededor y, por lo tanto, encontrar inspiración en los pequeños momentos de la vida.

«My football kit» es uno de los últimos proyectos terminados por Oki Sato y su estudio Nendo. Ha sido realizado para la empresa japonesa de equipamientos deportivos Molten, que fabrica desde hace tiempo balones de fútbol, baloncesto, voleibol y balonmano usados en competiciones oficiales. Consistió en desarrollar un balón de fútbol simplificado para que los niños tengan la oportunidad de jugar y disfrutar del fútbol, con la esperanza de popularizar el deporte y aumentar el número de jugadores en comunidades empobrecidas. Además de las dificultades para obtener un balón de fútbol en muchos lugares del planeta, su mantenimiento presenta una gran barrera, unas veces por la falta de bombas de aire y otras por el grado de deterioro del mismo.

Como respuesta a este problema, se ideó una pelota de fútbol no inflable que da la misma sensación al patear que la que obtenemos con una pelota estándar. Su desarrollo está inspirado en la estructura de la pelota de bambú tejida, tradicional japonesa.

El ensamblaje de tres tipos de componentes para un total de 54 piezas da como resultado un balón de fútbol que, en lugar de depender de la presión del aire interno, se basa en la elasticidad de su material de superficie. Los componentes blandos de polipropileno reciclado y resina sintética elastomérica no dañan los pies descalzos y es poco probable que, incluso si se rompen puedan causar lesiones.

Si un componente se desprende durante el juego, la estructura entrelazada asegura que la pelota no se desarme. Proporciona una alta capacidad de mantenimiento y por tanto, eficiencia económica, ya que se puede restaurar reemplazando solo los componentes rotos, logrando así una larga duración de uso.

Los componentes pueden enviarse desmontados en paquetes compactos, lo que reduce los costos de envío. La disponibilidad de componentes en varios colores, ayuda a los niños a fortalecer su apego a la pelota a través del trabajo de ensamblaje formando su propia combinación de colores. Las instrucciones de montaje están diseñadas como si fuera un libro de imágenes e ilustraciones, fáciles de entender, sin apenas texto para que los niños de todo el mundo puedan montar una pelota. También se diseñó un saco de embalaje para llevar la pelota como una mochila.

A continuación se muestran imágenes del proyecto de diseño «My football kit» en las que podemos ver las piezas con las que se monta el balón de fútbol y el resultado final en sus distintas variantes.

En esta vídeo animación «50 sillas manga diseñadas por Nendo para la galería Friedman Benda», podéis ver de una manera muy «lúdida y amena» como la enorme creatividad del estudio Nendo genera 50 formas de sillas diferentes.

Oki Sato es un artista completo que se mueve perfectamente por diferentes territorios, como podéis ver en este vídeo en el que el fundador de Nendo nos explica cómo su estudio de diseño japonés tomó prestada la obra de M. C. Escher para crear la instalación «Escher X Nendo | Entre dos mundos». Nendo generó unos diseños inspirados en el enfoque matemático de Escher que los visitantes de la exposición podían seguir a través de los diferentes espacios de la galería. La exposición «Escher X Nendo | Between Two Worlds» tuvo lugar entre 2018 y 2019 en NGV International, Melbourne, Australia.

Como muestra de trabajo arquitectónico realizado por Nendo, a continuación os mostramos unas imágenes y un vídeo del proyecto «Plaza Estación de Tenri CoFuFun» en el que se interviene en un área de 6.000 metros cuadrados que incluye alquiler de bicicletas, cafetería, tiendas, quiosco de información, zona de juegos, escenario al aire libre y espacio para reuniones y eventos para los residentes en Tenri, en la prefectura de Nara, situada en el sudoeste de Japón. Los límites urbanos de Tenri incluyen un número de tumbas japonesas antiguas, conocidas como «cofun». Los cofun son hermosos e inconfundibles y se mezclan en los espacios de la vida cotidiana en la ciudad. El paisaje de la plaza está inspirado por los cofun y es una representación de la geografía característica de la zona: la cuenca de Nara, rodeada por montañas. En el proyecto podemos apreciar de nuevo el enfoque lúdico que tienen las obras de Oki Sato.

Podéis obtener más información sobre el diseñador Oki Sato en la página web de su estudio de diseño, Nendo: www.nendo.jp

El diseñador Jaime Hayon montando el green chicken en la «Exhibition at Design Museum in Holon», en Israel en el año 2015.

El diseñador español Jaime Hayon es uno de los más reconocidos hoy en día en el panorama internacional. Nació en Madrid donde estudió diseño industrial en el IED (También ha sido profesor del IED) y después se ha formado y trabajado tanto en Madrid como en Francia, Italia, Barcelona, Valencia y Londres.

Hayon ha realizado proyectos por todo el mundo como una joyería en Kuwait, la tienda de la marca de zapatos Camper en Tokio, para los que también diseña zapatos y ha colaborado con empresas como Baccarat, BD Barcelona Design, Metalarte, Moooi, Lladró, Magis, entre otras, intercalando proyectos personales artísticos que realiza muy amenudo.

Ha expuesto su obra en espacios como la Galería Aram de Londres, el Salone de Mobile de Milán, el Museo Vitra de Alemania, el Museo del Diseño de Londres, la Galería Vivid de Róterdam, el Museo Grongiger holandés y la Feria de Arte de Basel.

En sus obras, mezcla el arte con el diseño, destacando por la transversalidad de sus múltiples creaciones en diseño industrial con base artesanal, en interiorismo y en la creación artística.

Uno de sus últimos proyectos ha consistido en la renovación del interiorismo del Café Le Central en el Centro Pompidou de París en el que ha introducido una de sus creaciones, la colección de sillas Aleta que podéis ver en estas imágenes de dicho proyecto.

En este proyecto también destaca el uso de «vessel-like structures» (estructuras tipo vasija/pabellón) que dividen el espacio sin cerrarlo, permitiendo que la luz fluya pero creando rincones privados.

La colección de sillas Aleta de Viccarbe, un diseño de Jaime Hayon que se utilizó en el proyecto del Centro Pompidou

Otros proyectos de interiorismo realizados con la silla Aleta.

Jaime Hayon ha realizado numerosos proyectos a lo largo del mundo, para conocer aún más a este gran creativo, a continuación os presentamos, de manera sintetizada, otros proyectos

Proyecto de interiorismo realizado para La Terraza del Casino en Madrid.

Jaime Hayon realizó en colaboración con Swarovski en julio de 2019 en Wattens, Austria, un carrusel en el que el arte y el diseño se daban la mano, con unas figuras en blanco y negro increíblemente diseñadas y adornado con 15 millones de cristales Swarovski.

El diseñador español Jaime Hayon es un artista polifacético, realiza todo tipo de obras como diseño, esculturas, pintura o ilustración. Un ejemplo de su versatilidad es la serie de tapices «Fauna» para el Tilburg Textile Museum de Países Bajos.

Podéis obtener más información sobre los últimos trabajos de este genial artista en su página web: www.hayonstudio.com

La diseñadora Nika Zupanc diseña piezas con un estilo femenino que muchas de ellas se diría hoy en día que van en contra de los postulados del feminismo. En la mayoría de sus obras se pueden apreciar claramente los tópicos que han hecho diferentes durante años a las mujeres de los hombres, sin embargo, según la propia diseñadora, ella es muy feminista y contribuye con sus diseños a visibilizar el papel de la mujer en el mundo del diseño.

Los trabajos de Nika Zupanc se sitúan en la frontera de la tecnología, los materiales y las diferentes posibilidades que se pueden derivar de la utilización de los mismos y la creatividad. La artista ha colaborado diseñando productos con empresas de diseño como Moooi, Qeeboo, Sé, Moroso, Nodusy o Dior y crea colecciones en edición limitada para Rossana Orlandi, mientras sigue desarrollando su propia marca. Desde su presentación en la Milan Design Week, la industria y la prensa la han observado de cerca, describiendo su trabajo como «elegancia punk» (Elle USA), «techno chic» (BusinessWeek), «más grande que la vida» (revista Clear) y «la verdadera estrella» (The Wall Street Journal).

Nika explica que utiliza arquetipos femeninos para diferenciarse del predominio del universo masculino en el mundo del diseño. “El diseño contemporáneo sigue siendo en gran medida un club de chicos. Estoy desafiando eso”. Para ello hace uso en sus obras de abundante parafernalia e iconografía clásica femenina, cintas, lazos, moños, volantes, muñecos, flores, colores rosas, celestes, dorados… Elementos asociados a la mujer que en otro contexto podrían parecer cursis o manidos pero que trabajados por Nika se convierten en reivindicativos y sirven como pretexto de empoderamiento y activismo “Yo soy mujer, ¿Y qué?”.

Nika busca «comunicar lo que no se puede decir» y se rebela contra un diseño contemporáneo que considera a veces demasiado masculino y opresivo.

Nika abrió su propio estudio en 2008 y se convirtió en un nombre reconocido mundialmente con el lanzamiento de la lámpara Lolita, su primer diseño producido por Moooi.

Desde entonces ha diseñado numerosas piezas exclusivas como la silla Golden (Moooi) o la silla Ribbon (Qeeboo), por nombrar algunas. Pero también son sus instalaciones conceptuales y sus ediciones limitadas las que la llevaron a convertirse en una auténtica voz global: I Will Buy Flowers Myself (2009) y Gone with the Wind (2010) presentaron una colección de objetos dentro de estructuras de casas de muñecas que se convirtieron en un sello distintivo de la Milan Design Week. La lámpara Black Cherry, ahora una de las piezas icónicas de su propia marca, también se estrenó en la Milan Design Week. Las instalaciones que siguieron, Selfdiscipline (2011) y Summertime (2012), marcan el comienzo de colecciones de edición limitada en colaboración con Rossana Orlandi, donde con gran pasión, Zupanc examina la naturaleza de los muebles. En 2012 la ciudad de Liubliana (Eslovenia), su ciudad natal, tuvo el privilegio de ser la primera en contar con un interior diseñado por Zupanc, el «As Aperitivo».

En noviembre de 2013, Zupanc presentó una estructura de madera, un pabellón, una habitación propia como parte de la exposición «Esprit Dior: Miss Dior» en «Galerie Courbe – Grand palais» en París y creó la Colección III para la empresa de lujo con sede en Londres Sé. Se dijo que la colección era una de las mejores presentadas en la semana del diseño de Milán 2015 por Dezeen, The telegraph y The Luxury channel, por nombrar algunas. La colección fue galardonada con el premio Editors para muebles en ICFF en Nueva York. Este año también marcó el lanzamiento de su colección cápsula de 20 piezas para la marca japonesa de múltiples tiendas Francfranc.

El concepto «Techno Chic»: Fue la revista Business Week quien acuñó este término para describir su trabajo. Zupanc utiliza materiales modernos y tecnología avanzada para crear formas que parecen sacadas de un cuento clásico o una película de los años 50.

En los últimos años, Zupanc ha presentado objetos con la marca de muebles contemporáneos Qeeboo, fundada por el renovador diseñador italiano Stefano Giovanonni y diseñó una colección titulada «Llévame a Miami» para la marca italiana Ghidini1961. También diseñó dos colecciones de muebles para la joven y prometedora marca de lujo Scarlet Splendor. En otros lugares, ha continuado construyendo su cartera con gran éxito, con diseños premiados para empresas como Contardi lightning y De Castelli. Su gabinete Longing para la empresa italiana Decastelli formó parte del proyecto de identidad Tracing, que recibió el prestigioso premio especial móvil Salone Del 2017 y su lámpara de cristal, diseñada para Contadi, recibió el premio al mejor diseño alemán en 2018.

Las piezas de Nika Zupanc tienen una gran carga emocional además de estar exquisitamente terminadas. Existe un toque de teatro y cine negro en su trabajo y de alguna manera sus piezas hacen que el usuario se sienta como un actor. Su lenguaje visual proviene de lo más profundo y trata de «comunicar las cosas que no se pueden contar».

Podéis ampliar información sobre la diseñadora Nika Zupanc en su página web: www.nikazupanc.com