Dieter ha pasado a la historia por formular los 10 principios del buen diseño de Dieter Rams y contribuir al renacimiento del diseño Funcionalista alemán (la Gute Form) de finales de la década de los 50 y los años 60. En el año 1955, Rams es nombrado jefe del equipo de diseño de la compañía alemana de productos de consumo Braun, fundada en el año 1921 en la ciudad de Frankfurt por el ingeniero Max Braun. La marca fabricaba en sus inicios componentes para radios y a partir de 1929 amplificadores y receptores de radio. Dieter Rams influyó enormemente en la dirección artística de Braun, llevando a la marca a un racionalismo que pronto caracterizaría los productos de la compañía y que hoy en día son signo de su identidad. Braun es hoy una marca conocida globalmente por sus productos de diseño funcional y estética apreciada.

Rams explica su visión del diseño mediante la frase «Weniger, aber besser», «Menos, pero con mejor ejecución». Rams y su equipo de diseño diseñaron muchos productos para Braun, incluyendo el famoso grabador-reproductor SK-4 y el proyector de diapositivas 35mm de alta calidad D45, D46. Rams también es célebre por el diseño del Sistema de Estanterías Universal 606, para Vitsœ creado en 1960. Muchos de los diseños de Rams, desde elegantes cafeteras, calculadoras, radios, equipamiento audiovisual, electrodomésticos de consumo y productos de oficina, se encuentran en museos de diseño y arte de todo el mundo.

Los 10 principios de diseño establecidos por Dieter Rams han tenido una gran influencia en el mundo del diseño y en los diseñadores en particular, aunque son muy pocos los que realmente respetan todos y cada uno de ellos, que pasamos a enumerar a continuación:

1. El buen diseño es innovador.

Rams establece claramente que es improbable agotar las posibilidades de innovación en el diseño debido a que el desarrollo tecnológico continuamente ofrece nuevas oportunidades para innovar cada diseño. Otra característica del diseño innovador es que continuamente se desarrolla a la par con nuevas tecnologías por lo tanto carece de limitaciones inherentes.

2. El buen diseño provee de utilidad a cada producto.

El objetivo primordial de un producto es su utilidad. Su diseño es primordialmente práctico y de manera secundaria tiene que satisfacer ciertos criterios de carácter psicológico y estético. Un buen diseño le da prioridad a la utilidad de un producto tomando en cuenta de manera estrictamente secundaria sus aspectos psicológicos y estéticos pero evita todas aquellas características que podrían disminuir la utilidad del producto.

3. El buen diseño es estético.

El diseño bien ejecutado no carece de belleza. La calidad estética de un producto forma parte integral de su utilidad ya que los productos utilizados cotidianamente tienden a tener un efecto indirecto en las personas y su bienestar.

4. El buen diseño hace un producto comprensible.

Un buen diseño simplifica la estructura del producto y lo predispone a expresar claramente su función mediante la intuición del usuario. Idealmente su propósito será intuitivo para todo usuario.

5. El buen diseño es discreto.

Todo producto y su diseño debe de ser simultáneamente neutro y sobrio. Su sobriedad y neutralidad tienen como objetivo el proveer un espacio de expresión para el usuario. Todo producto bien diseñado cumple un propósito semejante a aquel de toda herramienta y por lo tanto un buen diseño no confunde la identidad de sus productos con objetos de decoración ni con obras de arte. Un producto correctamente ejecutado es una herramienta estéticamente atractiva que carece de una identidad ilógicamente indefinida.

6. El buen diseño es honesto.

Un diseño honesto nunca intenta falsificar el auténtico valor e innovación del producto dado. Asimismo, un diseño verdaderamente honesto nunca trata de manipular al consumidor mediante promesas de una utilidad apócrifa, inexistente o más allá de la realidad física del producto.

7. El buen diseño tiene un valor anacrónicamente duradero.

Toda moda es inherentemente pasajera y subjetiva. La correcta ejecución del buen diseño da como resultado productos inherentemente objetivos y anacrónicamente útiles. Estas cualidades se ven reflejadas cuando los usuarios tienen la tendencia de atesorar y favorecer aquellos productos bien diseñados incluso en aquellas sociedades cuyas tendencias de consumo claramente favorecen productos desechables.

8. El buen diseño concibe exhaustivamente hasta el último detalle.

Dieter Rams establece esta regla de manera absoluta: Un buen diseño nunca deja nada al azar dado que el cuidado y la exhaustiva precisión de cada detalle expresa el respeto de los diseñadores para con sus consumidores. Cada error es una falta de respeto.

9. El buen diseño respeta el medio ambiente.

Un buen diseño debe de contribuir significativamente a la preservación del medio ambiente mediante la conservación de los recursos y la minimización de la contaminación física y visual durante el ciclo de vida del producto.

10. El buen diseño es diseño en su absoluta mínima expresión.

Dieter Rams subraya la distinción entre el coloquialmente regurgitado paradigma en diseño: «Menos es más» y en su lugar recomienda su propio paradigma: «Menos, pero con mejor ejecución», destacando el hecho de que este enfoque fomenta los aspectos fundamentales de cada producto y por lo tanto evita lastrarlos torpemente con todo aquello que no es esencial. El resultado ideal es productos de mayor pureza y simplicidad.

En este vídeo varios diseñadores comentan los 10 principios del buen diseño de Dieter Rams que hoy en día siguen plenamente vigentes.

Vídeo sobre el diseñador alemán Dieter Rams y los productos de uso cotidiano que pueden ser hermosos y duraderos.

Tráiler del documental de Gary Hustwit «Rams».

A continuación podéis ver una galería con algunos diseños realizados por Dieter Rams.

Video con explicaciones sobre el trabajo del diseñador Dieter Rams.

Combinación de estantería Vitsoe y varios diseños de productos Braun realizados por Dieter-Rams, incluido el sillón, pues el diseñador alemán no sólo diseñó productos de consumo sino que se adentró también en el mundo de diseño de mobiliario.

En esta entrevista el arquitecto y diseñador japonés Oki Sato nos habla sobre su enfoque lúdico del diseño y nos muestra algunos de sus proyectos.

En este otro vídeo, Oki Sato nos deja pensamientos y reflexiones sobre el trabajo, el éxito y los valores como el siguiente: «Hay como una Diosa… que te sonríe. Y existen personas que están esperando a la Diosa, entonces la Diosa nunca te mirará. Pero si te estás enfocando en otra cosa, estás trabajando muy duro en lo que realmente te gusta, sin esperar nada más a cambio, entonces esta Diosa se pone celosa y viene hacia ti, te lleva al éxito de alguna manera. Así que las personas que buscan el éxito, nunca lo logran. Pero las personas que se concentran en lo que hacen y disfrutan de lo que que están haciendo, al final, creo que están muy cerca del éxito».

Oki Sato es reconocible por su manera de vestir, camisa blanca, pantalón negro y chaqueta negra, un vestuario minimalista y acromático reflejo de su estilo sosegado. En el vídeo Sato nos explica que este vestuario es consecuente con su idea de repetición, de repetir en su vida tanto como sea posible, de esta manera él cree que la repetición le permite percibir mejor los cambios, por mínimos que sean, que se producen a su alrededor y, por lo tanto, encontrar inspiración en los pequeños momentos de la vida.

«My football kit» es uno de los últimos proyectos terminados por Oki Sato y su estudio Nendo. Ha sido realizado para la empresa japonesa de equipamientos deportivos Molten, que fabrica desde hace tiempo balones de fútbol, baloncesto, voleibol y balonmano usados en competiciones oficiales. Consistió en desarrollar un balón de fútbol simplificado para que los niños tengan la oportunidad de jugar y disfrutar del fútbol, con la esperanza de popularizar el deporte y aumentar el número de jugadores en comunidades empobrecidas. Además de las dificultades para obtener un balón de fútbol en muchos lugares del planeta, su mantenimiento presenta una gran barrera, unas veces por la falta de bombas de aire y otras por el grado de deterioro del mismo.

Como respuesta a este problema, se ideó una pelota de fútbol no inflable que da la misma sensación al patear que la que obtenemos con una pelota estándar. Su desarrollo está inspirado en la estructura de la pelota de bambú tejida, tradicional japonesa.

El ensamblaje de tres tipos de componentes para un total de 54 piezas da como resultado un balón de fútbol que, en lugar de depender de la presión del aire interno, se basa en la elasticidad de su material de superficie. Los componentes blandos de polipropileno reciclado y resina sintética elastomérica no dañan los pies descalzos y es poco probable que, incluso si se rompen puedan causar lesiones.

Si un componente se desprende durante el juego, la estructura entrelazada asegura que la pelota no se desarme. Proporciona una alta capacidad de mantenimiento y por tanto, eficiencia económica, ya que se puede restaurar reemplazando solo los componentes rotos, logrando así una larga duración de uso.

Los componentes pueden enviarse desmontados en paquetes compactos, lo que reduce los costos de envío. La disponibilidad de componentes en varios colores, ayuda a los niños a fortalecer su apego a la pelota a través del trabajo de ensamblaje formando su propia combinación de colores. Las instrucciones de montaje están diseñadas como si fuera un libro de imágenes e ilustraciones, fáciles de entender, sin apenas texto para que los niños de todo el mundo puedan montar una pelota. También se diseñó un saco de embalaje para llevar la pelota como una mochila.

A continuación se muestran imágenes del proyecto de diseño «My football kit» en las que podemos ver las piezas con las que se monta el balón de fútbol y el resultado final en sus distintas variantes.

En esta vídeo animación «50 sillas manga diseñadas por Nendo para la galería Friedman Benda», podéis ver de una manera muy «lúdida y amena» como la enorme creatividad del estudio Nendo genera 50 formas de sillas diferentes.

Oki Sato es un artista completo que se mueve perfectamente por diferentes territorios, como podéis ver en este vídeo en el que el fundador de Nendo nos explica cómo su estudio de diseño japonés tomó prestada la obra de M. C. Escher para crear la instalación «Escher X Nendo | Entre dos mundos». Nendo generó unos diseños inspirados en el enfoque matemático de Escher que los visitantes de la exposición podían seguir a través de los diferentes espacios de la galería. La exposición «Escher X Nendo | Between Two Worlds» tuvo lugar entre 2018 y 2019 en NGV International, Melbourne, Australia.

Como muestra de trabajo arquitectónico realizado por Nendo, a continuación os mostramos unas imágenes y un vídeo del proyecto «Plaza Estación de Tenri CoFuFun» en el que se interviene en un área de 6.000 metros cuadrados que incluye alquiler de bicicletas, cafetería, tiendas, quiosco de información, zona de juegos, escenario al aire libre y espacio para reuniones y eventos para los residentes en Tenri, en la prefectura de Nara, situada en el sudoeste de Japón. Los límites urbanos de Tenri incluyen un número de tumbas japonesas antiguas, conocidas como «cofun». Los cofun son hermosos e inconfundibles y se mezclan en los espacios de la vida cotidiana en la ciudad. El paisaje de la plaza está inspirado por los cofun y es una representación de la geografía característica de la zona: la cuenca de Nara, rodeada por montañas. En el proyecto podemos apreciar de nuevo el enfoque lúdico que tienen las obras de Oki Sato.

Podéis obtener más información sobre el diseñador Oki Sato en la página web de su estudio de diseño, Nendo: www.nendo.jp

El diseñador Jaime Hayon montando el green chicken en la «Exhibition at Design Museum in Holon», en Israel en el año 2015.

El diseñador español Jaime Hayon es uno de los más reconocidos hoy en día en el panorama internacional. Nació en Madrid donde estudió diseño industrial en el IED (También ha sido profesor del IED) y después se ha formado y trabajado tanto en Madrid como en Francia, Italia, Barcelona, Valencia y Londres.

Hayon ha realizado proyectos por todo el mundo como una joyería en Kuwait, la tienda de la marca de zapatos Camper en Tokio, para los que también diseña zapatos y ha colaborado con empresas como Baccarat, BD Barcelona Design, Metalarte, Moooi, Lladró, Magis, entre otras, intercalando proyectos personales artísticos que realiza muy amenudo.

Ha expuesto su obra en espacios como la Galería Aram de Londres, el Salone de Mobile de Milán, el Museo Vitra de Alemania, el Museo del Diseño de Londres, la Galería Vivid de Róterdam, el Museo Grongiger holandés y la Feria de Arte de Basel.

En sus obras, mezcla el arte con el diseño, destacando por la transversalidad de sus múltiples creaciones en diseño industrial con base artesanal, en interiorismo y en la creación artística.

Uno de sus últimos proyectos ha consistido en la renovación del interiorismo del Café Le Central en el Centro Pompidou de París en el que ha introducido una de sus creaciones, la colección de sillas Aleta que podéis ver en estas imágenes de dicho proyecto.

En este proyecto también destaca el uso de «vessel-like structures» (estructuras tipo vasija/pabellón) que dividen el espacio sin cerrarlo, permitiendo que la luz fluya pero creando rincones privados.

La colección de sillas Aleta de Viccarbe, un diseño de Jaime Hayon que se utilizó en el proyecto del Centro Pompidou

Otros proyectos de interiorismo realizados con la silla Aleta.

Jaime Hayon ha realizado numerosos proyectos a lo largo del mundo, para conocer aún más a este gran creativo, a continuación os presentamos, de manera sintetizada, otros proyectos

Proyecto de interiorismo realizado para La Terraza del Casino en Madrid.

Jaime Hayon realizó en colaboración con Swarovski en julio de 2019 en Wattens, Austria, un carrusel en el que el arte y el diseño se daban la mano, con unas figuras en blanco y negro increíblemente diseñadas y adornado con 15 millones de cristales Swarovski.

El diseñador español Jaime Hayon es un artista polifacético, realiza todo tipo de obras como diseño, esculturas, pintura o ilustración. Un ejemplo de su versatilidad es la serie de tapices «Fauna» para el Tilburg Textile Museum de Países Bajos.

Podéis obtener más información sobre los últimos trabajos de este genial artista en su página web: www.hayonstudio.com

La diseñadora Nika Zupanc diseña piezas con un estilo femenino que muchas de ellas se diría hoy en día que van en contra de los postulados del feminismo. En la mayoría de sus obras se pueden apreciar claramente los tópicos que han hecho diferentes durante años a las mujeres de los hombres, sin embargo, según la propia diseñadora, ella es muy feminista y contribuye con sus diseños a visibilizar el papel de la mujer en el mundo del diseño.

Los trabajos de Nika Zupanc se sitúan en la frontera de la tecnología, los materiales y las diferentes posibilidades que se pueden derivar de la utilización de los mismos y la creatividad. La artista ha colaborado diseñando productos con empresas de diseño como Moooi, Qeeboo, Sé, Moroso, Nodusy o Dior y crea colecciones en edición limitada para Rossana Orlandi, mientras sigue desarrollando su propia marca. Desde su presentación en la Milan Design Week, la industria y la prensa la han observado de cerca, describiendo su trabajo como «elegancia punk» (Elle USA), «techno chic» (BusinessWeek), «más grande que la vida» (revista Clear) y «la verdadera estrella» (The Wall Street Journal).

Nika explica que utiliza arquetipos femeninos para diferenciarse del predominio del universo masculino en el mundo del diseño. “El diseño contemporáneo sigue siendo en gran medida un club de chicos. Estoy desafiando eso”. Para ello hace uso en sus obras de abundante parafernalia e iconografía clásica femenina, cintas, lazos, moños, volantes, muñecos, flores, colores rosas, celestes, dorados… Elementos asociados a la mujer que en otro contexto podrían parecer cursis o manidos pero que trabajados por Nika se convierten en reivindicativos y sirven como pretexto de empoderamiento y activismo “Yo soy mujer, ¿Y qué?”.

Nika busca «comunicar lo que no se puede decir» y se rebela contra un diseño contemporáneo que considera a veces demasiado masculino y opresivo.

Nika abrió su propio estudio en 2008 y se convirtió en un nombre reconocido mundialmente con el lanzamiento de la lámpara Lolita, su primer diseño producido por Moooi.

Desde entonces ha diseñado numerosas piezas exclusivas como la silla Golden (Moooi) o la silla Ribbon (Qeeboo), por nombrar algunas. Pero también son sus instalaciones conceptuales y sus ediciones limitadas las que la llevaron a convertirse en una auténtica voz global: I Will Buy Flowers Myself (2009) y Gone with the Wind (2010) presentaron una colección de objetos dentro de estructuras de casas de muñecas que se convirtieron en un sello distintivo de la Milan Design Week. La lámpara Black Cherry, ahora una de las piezas icónicas de su propia marca, también se estrenó en la Milan Design Week. Las instalaciones que siguieron, Selfdiscipline (2011) y Summertime (2012), marcan el comienzo de colecciones de edición limitada en colaboración con Rossana Orlandi, donde con gran pasión, Zupanc examina la naturaleza de los muebles. En 2012 la ciudad de Liubliana (Eslovenia), su ciudad natal, tuvo el privilegio de ser la primera en contar con un interior diseñado por Zupanc, el «As Aperitivo».

En noviembre de 2013, Zupanc presentó una estructura de madera, un pabellón, una habitación propia como parte de la exposición «Esprit Dior: Miss Dior» en «Galerie Courbe – Grand palais» en París y creó la Colección III para la empresa de lujo con sede en Londres Sé. Se dijo que la colección era una de las mejores presentadas en la semana del diseño de Milán 2015 por Dezeen, The telegraph y The Luxury channel, por nombrar algunas. La colección fue galardonada con el premio Editors para muebles en ICFF en Nueva York. Este año también marcó el lanzamiento de su colección cápsula de 20 piezas para la marca japonesa de múltiples tiendas Francfranc.

El concepto «Techno Chic»: Fue la revista Business Week quien acuñó este término para describir su trabajo. Zupanc utiliza materiales modernos y tecnología avanzada para crear formas que parecen sacadas de un cuento clásico o una película de los años 50.

En los últimos años, Zupanc ha presentado objetos con la marca de muebles contemporáneos Qeeboo, fundada por el renovador diseñador italiano Stefano Giovanonni y diseñó una colección titulada «Llévame a Miami» para la marca italiana Ghidini1961. También diseñó dos colecciones de muebles para la joven y prometedora marca de lujo Scarlet Splendor. En otros lugares, ha continuado construyendo su cartera con gran éxito, con diseños premiados para empresas como Contardi lightning y De Castelli. Su gabinete Longing para la empresa italiana Decastelli formó parte del proyecto de identidad Tracing, que recibió el prestigioso premio especial móvil Salone Del 2017 y su lámpara de cristal, diseñada para Contadi, recibió el premio al mejor diseño alemán en 2018.

Las piezas de Nika Zupanc tienen una gran carga emocional además de estar exquisitamente terminadas. Existe un toque de teatro y cine negro en su trabajo y de alguna manera sus piezas hacen que el usuario se sienta como un actor. Su lenguaje visual proviene de lo más profundo y trata de «comunicar las cosas que no se pueden contar».

Podéis ampliar información sobre la diseñadora Nika Zupanc en su página web: www.nikazupanc.com