En esta entrevista el arquitecto y diseñador japonés Oki Sato nos habla sobre su enfoque lúdico del diseño y nos muestra algunos de sus proyectos.

En este otro vídeo, Oki Sato nos deja pensamientos y reflexiones sobre el trabajo, el éxito y los valores como el siguiente: «Hay como una Diosa… que te sonríe. Y existen personas que están esperando a la Diosa, entonces la Diosa nunca te mirará. Pero si te estás enfocando en otra cosa, estás trabajando muy duro en lo que realmente te gusta, sin esperar nada más a cambio, entonces esta Diosa se pone celosa y viene hacia ti, te lleva al éxito de alguna manera. Así que las personas que buscan el éxito, nunca lo logran. Pero las personas que se concentran en lo que hacen y disfrutan de lo que que están haciendo, al final, creo que están muy cerca del éxito».

Oki Sato es reconocible por su manera de vestir, camisa blanca, pantalón negro y chaqueta negra, un vestuario minimalista y acromático reflejo de su estilo sosegado. En el vídeo Sato nos explica que este vestuario es consecuente con su idea de repetición, de repetir en su vida tanto como sea posible, de esta manera él cree que la repetición le permite percibir mejor los cambios, por mínimos que sean, que se producen a su alrededor y, por lo tanto, encontrar inspiración en los pequeños momentos de la vida.

«My football kit» es uno de los últimos proyectos terminados por Oki Sato y su estudio Nendo. Ha sido realizado para la empresa japonesa de equipamientos deportivos Molten, que fabrica desde hace tiempo balones de fútbol, baloncesto, voleibol y balonmano usados en competiciones oficiales. Consistió en desarrollar un balón de fútbol simplificado para que los niños tengan la oportunidad de jugar y disfrutar del fútbol, con la esperanza de popularizar el deporte y aumentar el número de jugadores en comunidades empobrecidas. Además de las dificultades para obtener un balón de fútbol en muchos lugares del planeta, su mantenimiento presenta una gran barrera, unas veces por la falta de bombas de aire y otras por el grado de deterioro del mismo.

Como respuesta a este problema, se ideó una pelota de fútbol no inflable que da la misma sensación al patear que la que obtenemos con una pelota estándar. Su desarrollo está inspirado en la estructura de la pelota de bambú tejida, tradicional japonesa.

El ensamblaje de tres tipos de componentes para un total de 54 piezas da como resultado un balón de fútbol que, en lugar de depender de la presión del aire interno, se basa en la elasticidad de su material de superficie. Los componentes blandos de polipropileno reciclado y resina sintética elastomérica no dañan los pies descalzos y es poco probable que, incluso si se rompen puedan causar lesiones.

Si un componente se desprende durante el juego, la estructura entrelazada asegura que la pelota no se desarme. Proporciona una alta capacidad de mantenimiento y por tanto, eficiencia económica, ya que se puede restaurar reemplazando solo los componentes rotos, logrando así una larga duración de uso.

Los componentes pueden enviarse desmontados en paquetes compactos, lo que reduce los costos de envío. La disponibilidad de componentes en varios colores, ayuda a los niños a fortalecer su apego a la pelota a través del trabajo de ensamblaje formando su propia combinación de colores. Las instrucciones de montaje están diseñadas como si fuera un libro de imágenes e ilustraciones, fáciles de entender, sin apenas texto para que los niños de todo el mundo puedan montar una pelota. También se diseñó un saco de embalaje para llevar la pelota como una mochila.

A continuación se muestran imágenes del proyecto de diseño «My football kit» en las que podemos ver las piezas con las que se monta el balón de fútbol y el resultado final en sus distintas variantes.

En esta vídeo animación «50 sillas manga diseñadas por Nendo para la galería Friedman Benda», podéis ver de una manera muy «lúdida y amena» como la enorme creatividad del estudio Nendo genera 50 formas de sillas diferentes.

Oki Sato es un artista completo que se mueve perfectamente por diferentes territorios, como podéis ver en este vídeo en el que el fundador de Nendo nos explica cómo su estudio de diseño japonés tomó prestada la obra de M. C. Escher para crear la instalación «Escher X Nendo | Entre dos mundos». Nendo generó unos diseños inspirados en el enfoque matemático de Escher que los visitantes de la exposición podían seguir a través de los diferentes espacios de la galería. La exposición «Escher X Nendo | Between Two Worlds» tuvo lugar entre 2018 y 2019 en NGV International, Melbourne, Australia.

Como muestra de trabajo arquitectónico realizado por Nendo, a continuación os mostramos unas imágenes y un vídeo del proyecto «Plaza Estación de Tenri CoFuFun» en el que se interviene en un área de 6.000 metros cuadrados que incluye alquiler de bicicletas, cafetería, tiendas, quiosco de información, zona de juegos, escenario al aire libre y espacio para reuniones y eventos para los residentes en Tenri, en la prefectura de Nara, situada en el sudoeste de Japón. Los límites urbanos de Tenri incluyen un número de tumbas japonesas antiguas, conocidas como «cofun». Los cofun son hermosos e inconfundibles y se mezclan en los espacios de la vida cotidiana en la ciudad. El paisaje de la plaza está inspirado por los cofun y es una representación de la geografía característica de la zona: la cuenca de Nara, rodeada por montañas. En el proyecto podemos apreciar de nuevo el enfoque lúdico que tienen las obras de Oki Sato.

Podéis obtener más información sobre el diseñador Oki Sato en la página web de su estudio de diseño, Nendo: www.nendo.jp

Okuda cuenta en su haber con intervenciones murales y escultóricas, exposiciones en galerías y museos que han podido ser disfrutadas en los cuatro continentes. Destacan logros como el de ser el primer artista contemporáneo requerido para la creación de la Falla Municipal de Valencia; su espectacular itinerario de esculturas por el paseo marítimo de Boston; o su participación en Titanes, proyecto de inclusión social a través del arte.

Okuda San Miguel trabaja sobre lienzo a los que añade elementos como bordado, collage o esmaltes. No obstante, su insaciable sed de creación le ha llevado a experimentar con otros formatos como la escultura, la fotografía o el vídeo.

El uso del color es fundamental en todas las obras de Okuda, elemento que sin duda lo convierte en un artista muy particular. Las formas geométricas es también un recurso muy utilizado en todas las creaciones de Okuda que entremezcla con formas orgánicas, dando lugar a una simbología que anima a la reflexión a través de piezas que podrían clasificarse como Surrealismo Pop, pero con una clara esencia de la cultura urbana. Las obras del artista Okuda San Miguel buscan inspirar al espectador, planteando cuestiones universales y dejan en manos del público la interpretación final de las mismas.

Según el artista declara, «Lo más especial de trabajar en la calle es conocer nuevos lugares, transformarlos con una pintura o una escultura, e inspirar a la gente que vive allí. Es decir, lo que viene siendo el poder transformador del arte y su capacidad para mejorar el entorno. Por tanto, mi mayor motivación procede de la ilusión por seguir conociendo nuevos países, nuevas culturas y nuevas gentes, lo que a su vez se traduce en un profundo interés por propiciar la retroalimentación cultural.»

Okuda es una persona tremendamente hiperactiva, «Necesito crear para ser feliz. De ahí la exigencia auto-impuesta de hacer crecer y madurar mi obra de estudio a través de la seriedad y el compromiso con la misma, independientemente de que se venda o no. Trabajo en nuevas cosas todo el tiempo ya que no quiero dejar de evolucionar. Por ejemplo, mi trabajo escultórico nace de mi necesidad de ver mis pinturas cobrar vida en 3 dimensiones y poder así plantear un espacio expositivo que no se basara únicamente en la pintura.»

Okuda nos explica que «El trabajo en la calle conlleva una comunicación directa con todo tipo de gente; mientras, el trabajo en estudio es más íntimo. No obstante, tanto en el espacio público como entre cuatro paredes, disfruto al máximo juntando mundos dispares entre sí. Me inspira todo lo que me rodea: amigos, viajes, música, la calle, la noche, el cine… A modo de resumen, pienso en mí mismo como un artista inconformista, autor de obras, de gran formato en el espacio público y en un formato más asequible en el estudio, fragmentadas en formas geométricas y con una fuerte policromía.»

Vídeo en el que se puede ver el proceso de realización de Animal Magical, una de las piezas de la intervención de Okuda en colaboración con Goldman Global Arts (GGA) en el puerto de Boston. Okuda participó creando un fondo de arcoíris como atmósfera de diversidad donde encontramos animales en diferentes estados de transformación en seres mágicos, una referencia a las culturas antiguas que tenían una mayor conexión con la naturaleza al adquirir la identidad de los animales en sus rituales. La composición pretende resaltar la necesidad de encontrar hoy en día una relación más equilibrada entre los animales y los humanos.

Según Okuda sigue explicándonos, «Mi estilo procede de una larga y sustancial evolución, desde el lettering que practicaba cuando comencé a crear en la calle y su consiguiente evolución hacia las posteriores formas geométricas trabajadas en el estudio. Una vez comencé a estudiar historia del arte, el surrealismo se convirtió en mi primer amor; me siento identificado con artistas como Dalí o Magritte y soy también admirador de artistas japoneses como Keiichi Tanaami o Tomokazu Matsuyama, quienes exploran una moderna versión del mismo; no obstante, por encima de ellos siempre sitúo a El Bosco, y su obra “El Jardín de las Delicias”, como principal referencia. Estas influencias hacen que mi obra pueda definirse como composiciones surrealistas con una fuerte inspiración procedente de culturas antiguas mezclada con iconos contemporáneos y mi pasado en el graffiti.»

Otra vertiente en la trayectoria del artista es la que se ha dejado seducir por la intrínseca relación entre arte y paisaje urbano. Desde su punto de vista, lo interesante es jugar con la arquitectura y ver cómo puedes hacer de sus ventanas, ojos, y de sus muros, historias. En su caso, esto se traduce en la combinación de arquitectura clásica y pintura contemporánea en muchos de sus trabajos en el espacio público. Uno de sus objetivos principales es hacer de esa unión, no solo un elemento artístico sino también uno habitacional/vivencial, en el cual las personas puedan convivir.

A Okuda le gusta trabajar sobre variadas formas humanas y animales y con el significado de cada una de ellas, así como también con las posibles mutaciones entre animales y humanos, jugar con sus escalas y dar lugar a imposibles criaturas digitales; al mismo tiempo, tiende a colocar en un mismo nivel al hombre y a la naturaleza y de esta forma, lograr una suerte de equilibrio universal… En el fondo, esta es una manera metafórica de definir a Dios. Algunos de sus iconos favoritos son, la calavera como símbolo de vida y la paloma como símbolo de libertad.

Desde los comienzos de Okuda en el mundo del graffiti, ha colaborado con otros artistas, esta clase de colaboraciones, de hermandad, como el mismo define, son habituales en artistas de este ámbito y es algo que quiere conservar: «Trabajar junto a otros artistas es como llevar mi arte a otros mundos».

Para Okuda, «El caos es la libertad de elegir nuestro propio camino y disfrutar del viaje. Hagámoslo a nuestra manera». Así resumió el artista la idea de Kaos Garden, la fiesta que debutó en Amnesia Ibiza en 2019 con motivo del lanzamiento de elrow’art y continuó en Miami y Nueva York. El público juega un papel activo en esta fiesta única, interactuando con el mundo de fantasía surrealista de Okuda inspirado en el cuadro de El Bosco «El Jardín de las Delicias». El espectáculo se acompañó de un set de cinco horas especialmente elaborado para la ocasión por el Dj. Paco Osuna. Elrow’art es una iniciativa de Ink and Movement y Elrow que busca unir a artistas y público a través de experiencias únicas.

En el aspecto conceptual de sus obras, Okuda hace una declaración en la que expone que «Mi obra invita a la reflexión sobre temas que nos afectan a todos, con un mensaje optimista que invita a adentrarse en un mundo mágico. Por otro lado, me considero un artista que ha trasladado la estética del pensamiento de nuestros días al espacio público. A través de mi arte hablo acerca del pasado y del futuro, de la modernidad y de nuestras raíces, y la capacidad del ser humano para transformar la naturaleza. El color representa para mí la multiculturalidad, el multi-género, la pluralidad… Todas las banderas, todas las razas, todos los géneros están ahí representados. El color es mi psicología de andar por casa y, a través del uso de todos ellos, hablo acerca de que no dejamos de ser, en realidad, uno. Por otro lado, con la geometría hago referencia a la modernidad, a lo digital. De esta manera, a lo largo de mi trayectoria la comunicación entre lo orgánico/natural y lo futuro/artificial es constante, en contraposición a la sociedad moderna, que ha cortado toda comunicación con su espiritualidad y le falta al respeto a la naturaleza, lo que bien puede traducirse en su propio fin.»

Finalmente, Okuda afirma que «Tanto en el estudio como en la calle, no me gusta dar mensajes cerrados pero sí hablo de temas universales. Yo intento abrir caminos en lugar de tratar de dar respuestas cerradas. Desde mi punto de vista, lo importante no es la solución sino el camino hacia la misma. Por ello, el mío no es un mensaje cerrado sino abierto a interpretaciones, tanto del que ve mi obra paseando por la calle como del que la observa expuesta.»

Como hemos podido apreciar, Okuda San Miguel es un artista con un gran transfondo interior en todas sus obras, que no son realizadas de un manera simple y banal sino fruto de una reflexión profunda, de tener en cuenta sus convicciones y raices y los diversos aspectos que le rodean y le preocupan.

Os invitamos a seguir a este gran artista y conocer sus últimos trabajos visitando su página web: https://okudasanmiguel.com/