El origen de un asiento reservado para los elegidos

El acto de sentarse existe desde los albores de la humanidad, pero elevar ese acto a una categoría de prestigio social requirió de diseño e intención. La historia de la silla se remonta a civilizaciones antiguas como Egipto, pero fue en Roma donde el asiento adquirió una dimensión legal y política insólita a través de la silla curul (sella curulis).

Curiosamente, los historiadores señalan que este diseño, que podríamos considerar el primer modelo de silla plegable de la historia documentada, tiene sus raíces en una palabra romana antigua (curule) vinculada a los carros de guerra.

En la sociedad romana, no cualquiera podía sentarse en ella. Estaba reservada estrictamente para los magistrados con imperium; es decir, aquellos que poseían el mando supremo judicial y militar, incluyendo cónsules y pretores. Su diseño original era eminentemente práctico y simbólico: consistía en una estructura en forma de «X» o tijera, a menudo elaborada en marfil tallado o bronce, y contaba con un asiento de cuero.

El hecho de ser plegable no era casualidad: permitía a estos altos cargos transportarla fácilmente en sus desplazamientos, llevando su «trono» y su autoridad a cualquier rincón del imperio.

La silla Curul Romana, evolución de una forma perfecta: De la Edad Media al Renacimiento

Tras la caída del Imperio Romano, el diseño en forma de «X» no desapareció, sino que mutó y se adaptó a las nuevas esferas de poder.

Durante la Edad Media, la silla curul perdió parte de su carácter móvil para volverse más estática y ornamentada. Pasó a llamarse faldistorium y, aunque siguió representando el poder secular, fue adoptada rápidamente por la alta jerarquía de la Iglesia como símbolo de autoridad. El famoso trono del Rey Dagoberto en Francia (siglo VIII), fabricado en bronce, es un ejemplo temprano de esta transición.

Más tarde, en el Renacimiento, la silla curul vivió un resurgimiento espectacular. El diseño se refinó, añadiendo respaldos y brazos, y la madera (como el nogal) se convirtió en el material predilecto. En esta época nacieron dos variantes icónicas que seguro has visto en museos o anticuarios:

La silla Savonarola: De origen italiano, caracterizada por múltiples listones de madera entrelazados en curva que forman la «X», creando una estructura acanalada muy elegante.

La silla Dante (o Dantesca): Más robusta, con una «X» más sólida y a menudo tapizada en terciopelo o cuero en el asiento y el respaldo.

En España, esta evolución dio lugar a variantes como el sillón frailero o la jamuga (sillón de cadera), donde el mecanismo de pliegue a menudo se sustituía por un disco ornamental decorativo en la intersección de las patas.

La Curul en el interiorismo moderno: Una lección de atemporalidad

¿Cómo sobrevive un diseño de la antigüedad clásica en el interiorismo contemporáneo? La respuesta radica en su geometría.

La estructura cruzada de la silla curul aporta una ligereza visual y una tensión estructural que resulta inmensamente atractiva para los diseñadores modernos. Lejos de quedar relegada a los museos, la silla curul ha inspirado a los grandes maestros del siglo XX y sigue siendo un recurso invaluable en la decoración actual.

Mies van der Rohe y la Silla Barcelona

El ejemplo moderno más famoso de la influencia curul es, sin duda, la Silla Barcelona, diseñada por Ludwig Mies van der Rohe y Lilly Reich para el Pabellón Alemán de la Exposición Internacional de Barcelona de 1929.

Mies van der Rohe se inspiró directamente en las sillas curules romanas y egipcias para crear esta pieza. Sin embargo, sustituyó la madera y el marfil por acero inoxidable pulido y reemplazó el asiento de cuero simple por un lujoso acolchado compuesto por 40 paneles cortados y cosidos a mano. El resultado fue una silla concebida para que se sentaran los reyes de España durante la inauguración del pabellón; un guiño brillante a su origen como asiento de gobernantes.

Aplicación en proyectos decorativos actuales

Hoy en día, incorporar una silla curul (o una pieza inspirada en ella) en un proyecto de interiorismo es una declaración de intenciones. Los decoradores la utilizan por varias razones:

• Punto focal escultural: Gracias a sus patas cruzadas, estas sillas son visualmente interesantes desde cualquier ángulo, a diferencia de las sillas de cuatro patas tradicionales. A menudo se colocan en pares a los pies de una cama, frente a una chimenea o en un vestíbulo amplio.

• Contraste de estilos: Una silla curul antigua (por ejemplo, una Savonarola italiana de principios del siglo XX) introducida en un ambiente minimalista y moderno crea un contraste ecléctico y sofisticado.

• Versatilidad de materiales: Los diseñadores contemporáneos han reinterpretado el diseño utilizando acrílico transparente (Lucite), metales dorados mate y tapicerías de bouclé o pieles exóticas, adaptando el asiento romano al lujo del siglo XXI.

En definitiva, la historia de la silla curul nos enseña que el buen diseño nunca muere. Aquel asiento concebido para que Julio César despachara asuntos de estado sigue vivo hoy en nuestros salones, demostrando que la elegancia de una simple «X» es, y será siempre, eterna.

Jòdul inaugura un espectacular showroom de 1.500m2 donde se muestran las últimas tendencias en diseño y arquitectura. El nuevo espacio expositivo cuenta con once ambientes diseñados por interioristas y arquitectos.

Jòdul, empresa familiar referente en la distribución de materiales para la construcción, la arquitectura y el interiorismo, ha renovado su espacio expositivo de 1.500 m2 en la localidad barcelonesa de Taradell, en el marco de la celebración de su 30º aniversario.

El showroom, diseñado por el estudio Nualart y el equipo de Jòdul, presenta una impresionante zona de aguas rodeada por once ambientes diseñados por interioristas de la zona en los que se exponen firmas como Mutina, Sira Concrete, Dica, Florim, Marazzi, Duravit y Dornbracht. El resultado es un espacio inspirador donde descubrir las últimas tendencias y con el que Jòdul reafirma su compromiso con la calidad y la excelencia en el sector.

Jòdul apuesta por convertirse en una prolongación del estudio de arquitectura e interiorismo en cuanto a materiales se refiere, mostrando en su espacio una amplia variedad de posibilidades y firmas que ofrecer a sus clientes: pavimentos y revestimientos, parquets y maderas, cocinas, baños y materiales de construcción. El diseño del centro, que destaca por la combinación de líneas depuradas con una paleta de colores neutros, consigue un ambiente visualmente armónico donde los materiales son los protagonistas.

Explicación del sistema de almacenamiento de energía por gravedad.

Después de cerrar el ejercicio del año pasado con una facturación de 17 millones de euros, la previsión de Jòdul para 2023 es alcanzar los 18 millones. Con un equipo formado por 35 profesionales, la compañía, en constante crecimiento y actualización, está centrada el plan de consolidación con sus diferentes líneas de negocio: cocinas, baños, obra, retail y contract.

A través del recorrido del renovado espacio y sus distintos ambientes, descubrimos cómo la armonía y el equilibrio, la sencillez y la elegancia, la experimentación y la creatividad se presentan como elementos clave en el nuevo centro, inspirando e invitando a vivir experiencias únicas en un entorno acogedor.

El nuevo centro se ha convertido en un punto de encuentro para los amantes de la decoración gracias a la colaboración con destacados interioristas y arquitectos de la Catalunya Central, donde cada uno de ellos ha mostrado su personalidad conformando una visión sorprendente y diversa: Alda Studio con su espacio “Oasis Cromàtic”, Estudi Nualart con “Nuansa”, Albert Nebot con “Zenit”, RS Arquitectura y Sandra Soler han trabajado de forma conjunta en los espacios “Pigment” y “Aura”, mientras que Mireia Torruella ha presentado “Oasis”, Colomer Rifà “D’Orígens”, Marta Mir “Grid”, Dizaynct “Sensi”, y 4 Ratlles y Abel Monmany “APlom” y “Terra” respectivamente.

«Desde Jòdul hemos querido dar un paso más y consolidar nuestro posicionamiento como referentes en el sector. La reforma del showroom, el centro neurálgico de la empresa, que fusiona diseño, creatividad y funcionalidad, nos permitirá seguir afrontando grandes proyectos. A través de la optimización del espacio, un diseño cálido, líneas depuradas y una estética armoniosa, hemos conseguido el lugar ideal para inspirar y dar a conocer las últimas tendencias de diseño.” Explica Aman Cabanas, portavoz de Jòdul.

Jòdul apuesta por convertirse en una prolongación del estudio de arquitectura e interiorismo en cuanto a materiales se refiere, mostrando en su espacio una amplia variedad de posibilidades y firmas que ofrecer a sus clientes: pavimentos y revestimientos, parqués y maderas, cocinas, baños y materiales de construcción. El diseño del centro, que destaca por la combinación de líneas limpias con una paleta de colores neutros, logra un ambiente visualmente armónico donde los materiales son los protagonistas. La luz natural no solo resalta los detalles y colores de los productos, sino que también transmite una sensación de serenidad.

Entre los clientes de Jòdul, tanto a nivel nacional como internacional, destacan algunas de las principales cadenas hoteleras y de supermercados, así como promotores de viviendas y proyectos en el ámbito hospitalario. Además, una de las áreas clave de la empresa son las viviendas privadas. Jòdul, en constante crecimiento y actualización, ha presentado una nueva web corporativa que permite personalizar listas de materiales para proyectos y buscar inspiración a través de ambientes conceptuales, con el objetivo de convertirse en una extensión de sus dos espacios físicos: el central de Taradell y Jòdul Lab, inaugurado en 2017 y, que ubicado en la calle Numancia 205 de Barcelona, cuenta con una superficie de 400 m².

Sobre Jòdul

Desde 1992, Jòdul ofrece pavimentos y revestimientos cerámicos, parquets, baños y cocinas que combinan calidad, funcionalidad y estética. Fundada como Aman en 1962 por la primera generación de los actuales propietarios, la empresa se convirtió en Jòdul hace 30 años. Actualmente, con la tercera generación, ha crecido y evolucionado, y cuenta con un equipo de 35 profesionales, dos espacios de referencia en Taradell y Barcelona, y trabaja en proyectos a nivel nacional e internacional sin perder de vista sus orígenes. De la mano de firmas como Mutina, Sira Concrete, Dica, Florim, Marazzi, Duravit y Dornbracht, Jòdul se ha convertido en un referente en la distribución de materiales para la construcción, arquitectura y diseño de interiores.

Más info en www.jodul.com

Fotos © Judith Casas

En esta entrevista el arquitecto y diseñador japonés Oki Sato nos habla sobre su enfoque lúdico del diseño y nos muestra algunos de sus proyectos.

En este otro vídeo, Oki Sato nos deja pensamientos y reflexiones sobre el trabajo, el éxito y los valores como el siguiente: «Hay como una Diosa… que te sonríe. Y existen personas que están esperando a la Diosa, entonces la Diosa nunca te mirará. Pero si te estás enfocando en otra cosa, estás trabajando muy duro en lo que realmente te gusta, sin esperar nada más a cambio, entonces esta Diosa se pone celosa y viene hacia ti, te lleva al éxito de alguna manera. Así que las personas que buscan el éxito, nunca lo logran. Pero las personas que se concentran en lo que hacen y disfrutan de lo que que están haciendo, al final, creo que están muy cerca del éxito».

Oki Sato es reconocible por su manera de vestir, camisa blanca, pantalón negro y chaqueta negra, un vestuario minimalista y acromático reflejo de su estilo sosegado. En el vídeo Sato nos explica que este vestuario es consecuente con su idea de repetición, de repetir en su vida tanto como sea posible, de esta manera él cree que la repetición le permite percibir mejor los cambios, por mínimos que sean, que se producen a su alrededor y, por lo tanto, encontrar inspiración en los pequeños momentos de la vida.

«My football kit» es uno de los últimos proyectos terminados por Oki Sato y su estudio Nendo. Ha sido realizado para la empresa japonesa de equipamientos deportivos Molten, que fabrica desde hace tiempo balones de fútbol, baloncesto, voleibol y balonmano usados en competiciones oficiales. Consistió en desarrollar un balón de fútbol simplificado para que los niños tengan la oportunidad de jugar y disfrutar del fútbol, con la esperanza de popularizar el deporte y aumentar el número de jugadores en comunidades empobrecidas. Además de las dificultades para obtener un balón de fútbol en muchos lugares del planeta, su mantenimiento presenta una gran barrera, unas veces por la falta de bombas de aire y otras por el grado de deterioro del mismo.

Como respuesta a este problema, se ideó una pelota de fútbol no inflable que da la misma sensación al patear que la que obtenemos con una pelota estándar. Su desarrollo está inspirado en la estructura de la pelota de bambú tejida, tradicional japonesa.

El ensamblaje de tres tipos de componentes para un total de 54 piezas da como resultado un balón de fútbol que, en lugar de depender de la presión del aire interno, se basa en la elasticidad de su material de superficie. Los componentes blandos de polipropileno reciclado y resina sintética elastomérica no dañan los pies descalzos y es poco probable que, incluso si se rompen puedan causar lesiones.

Si un componente se desprende durante el juego, la estructura entrelazada asegura que la pelota no se desarme. Proporciona una alta capacidad de mantenimiento y por tanto, eficiencia económica, ya que se puede restaurar reemplazando solo los componentes rotos, logrando así una larga duración de uso.

Los componentes pueden enviarse desmontados en paquetes compactos, lo que reduce los costos de envío. La disponibilidad de componentes en varios colores, ayuda a los niños a fortalecer su apego a la pelota a través del trabajo de ensamblaje formando su propia combinación de colores. Las instrucciones de montaje están diseñadas como si fuera un libro de imágenes e ilustraciones, fáciles de entender, sin apenas texto para que los niños de todo el mundo puedan montar una pelota. También se diseñó un saco de embalaje para llevar la pelota como una mochila.

A continuación se muestran imágenes del proyecto de diseño «My football kit» en las que podemos ver las piezas con las que se monta el balón de fútbol y el resultado final en sus distintas variantes.

En esta vídeo animación «50 sillas manga diseñadas por Nendo para la galería Friedman Benda», podéis ver de una manera muy «lúdida y amena» como la enorme creatividad del estudio Nendo genera 50 formas de sillas diferentes.

Oki Sato es un artista completo que se mueve perfectamente por diferentes territorios, como podéis ver en este vídeo en el que el fundador de Nendo nos explica cómo su estudio de diseño japonés tomó prestada la obra de M. C. Escher para crear la instalación «Escher X Nendo | Entre dos mundos». Nendo generó unos diseños inspirados en el enfoque matemático de Escher que los visitantes de la exposición podían seguir a través de los diferentes espacios de la galería. La exposición «Escher X Nendo | Between Two Worlds» tuvo lugar entre 2018 y 2019 en NGV International, Melbourne, Australia.

Como muestra de trabajo arquitectónico realizado por Nendo, a continuación os mostramos unas imágenes y un vídeo del proyecto «Plaza Estación de Tenri CoFuFun» en el que se interviene en un área de 6.000 metros cuadrados que incluye alquiler de bicicletas, cafetería, tiendas, quiosco de información, zona de juegos, escenario al aire libre y espacio para reuniones y eventos para los residentes en Tenri, en la prefectura de Nara, situada en el sudoeste de Japón. Los límites urbanos de Tenri incluyen un número de tumbas japonesas antiguas, conocidas como «cofun». Los cofun son hermosos e inconfundibles y se mezclan en los espacios de la vida cotidiana en la ciudad. El paisaje de la plaza está inspirado por los cofun y es una representación de la geografía característica de la zona: la cuenca de Nara, rodeada por montañas. En el proyecto podemos apreciar de nuevo el enfoque lúdico que tienen las obras de Oki Sato.

Podéis obtener más información sobre el diseñador Oki Sato en la página web de su estudio de diseño, Nendo: www.nendo.jp

El diseñador Jaime Hayon montando el green chicken en la «Exhibition at Design Museum in Holon», en Israel en el año 2015.

El diseñador español Jaime Hayon es uno de los más reconocidos hoy en día en el panorama internacional. Nació en Madrid donde estudió diseño industrial en el IED (También ha sido profesor del IED) y después se ha formado y trabajado tanto en Madrid como en Francia, Italia, Barcelona, Valencia y Londres.

Hayon ha realizado proyectos por todo el mundo como una joyería en Kuwait, la tienda de la marca de zapatos Camper en Tokio, para los que también diseña zapatos y ha colaborado con empresas como Baccarat, BD Barcelona Design, Metalarte, Moooi, Lladró, Magis, entre otras, intercalando proyectos personales artísticos que realiza muy amenudo.

Ha expuesto su obra en espacios como la Galería Aram de Londres, el Salone de Mobile de Milán, el Museo Vitra de Alemania, el Museo del Diseño de Londres, la Galería Vivid de Róterdam, el Museo Grongiger holandés y la Feria de Arte de Basel.

En sus obras, mezcla el arte con el diseño, destacando por la transversalidad de sus múltiples creaciones en diseño industrial con base artesanal, en interiorismo y en la creación artística.

Uno de sus últimos proyectos ha consistido en la renovación del interiorismo del Café Le Central en el Centro Pompidou de París en el que ha introducido una de sus creaciones, la colección de sillas Aleta que podéis ver en estas imágenes de dicho proyecto.

En este proyecto también destaca el uso de «vessel-like structures» (estructuras tipo vasija/pabellón) que dividen el espacio sin cerrarlo, permitiendo que la luz fluya pero creando rincones privados.

La colección de sillas Aleta de Viccarbe, un diseño de Jaime Hayon que se utilizó en el proyecto del Centro Pompidou

Otros proyectos de interiorismo realizados con la silla Aleta.

Jaime Hayon ha realizado numerosos proyectos a lo largo del mundo, para conocer aún más a este gran creativo, a continuación os presentamos, de manera sintetizada, otros proyectos

Proyecto de interiorismo realizado para La Terraza del Casino en Madrid.

Jaime Hayon realizó en colaboración con Swarovski en julio de 2019 en Wattens, Austria, un carrusel en el que el arte y el diseño se daban la mano, con unas figuras en blanco y negro increíblemente diseñadas y adornado con 15 millones de cristales Swarovski.

El diseñador español Jaime Hayon es un artista polifacético, realiza todo tipo de obras como diseño, esculturas, pintura o ilustración. Un ejemplo de su versatilidad es la serie de tapices «Fauna» para el Tilburg Textile Museum de Países Bajos.

Podéis obtener más información sobre los últimos trabajos de este genial artista en su página web: www.hayonstudio.com

La diseñadora Nika Zupanc diseña piezas con un estilo femenino que muchas de ellas se diría hoy en día que van en contra de los postulados del feminismo. En la mayoría de sus obras se pueden apreciar claramente los tópicos que han hecho diferentes durante años a las mujeres de los hombres, sin embargo, según la propia diseñadora, ella es muy feminista y contribuye con sus diseños a visibilizar el papel de la mujer en el mundo del diseño.

Los trabajos de Nika Zupanc se sitúan en la frontera de la tecnología, los materiales y las diferentes posibilidades que se pueden derivar de la utilización de los mismos y la creatividad. La artista ha colaborado diseñando productos con empresas de diseño como Moooi, Qeeboo, Sé, Moroso, Nodusy o Dior y crea colecciones en edición limitada para Rossana Orlandi, mientras sigue desarrollando su propia marca. Desde su presentación en la Milan Design Week, la industria y la prensa la han observado de cerca, describiendo su trabajo como «elegancia punk» (Elle USA), «techno chic» (BusinessWeek), «más grande que la vida» (revista Clear) y «la verdadera estrella» (The Wall Street Journal).

Nika explica que utiliza arquetipos femeninos para diferenciarse del predominio del universo masculino en el mundo del diseño. “El diseño contemporáneo sigue siendo en gran medida un club de chicos. Estoy desafiando eso”. Para ello hace uso en sus obras de abundante parafernalia e iconografía clásica femenina, cintas, lazos, moños, volantes, muñecos, flores, colores rosas, celestes, dorados… Elementos asociados a la mujer que en otro contexto podrían parecer cursis o manidos pero que trabajados por Nika se convierten en reivindicativos y sirven como pretexto de empoderamiento y activismo “Yo soy mujer, ¿Y qué?”.

Nika busca «comunicar lo que no se puede decir» y se rebela contra un diseño contemporáneo que considera a veces demasiado masculino y opresivo.

Nika abrió su propio estudio en 2008 y se convirtió en un nombre reconocido mundialmente con el lanzamiento de la lámpara Lolita, su primer diseño producido por Moooi.

Desde entonces ha diseñado numerosas piezas exclusivas como la silla Golden (Moooi) o la silla Ribbon (Qeeboo), por nombrar algunas. Pero también son sus instalaciones conceptuales y sus ediciones limitadas las que la llevaron a convertirse en una auténtica voz global: I Will Buy Flowers Myself (2009) y Gone with the Wind (2010) presentaron una colección de objetos dentro de estructuras de casas de muñecas que se convirtieron en un sello distintivo de la Milan Design Week. La lámpara Black Cherry, ahora una de las piezas icónicas de su propia marca, también se estrenó en la Milan Design Week. Las instalaciones que siguieron, Selfdiscipline (2011) y Summertime (2012), marcan el comienzo de colecciones de edición limitada en colaboración con Rossana Orlandi, donde con gran pasión, Zupanc examina la naturaleza de los muebles. En 2012 la ciudad de Liubliana (Eslovenia), su ciudad natal, tuvo el privilegio de ser la primera en contar con un interior diseñado por Zupanc, el «As Aperitivo».

En noviembre de 2013, Zupanc presentó una estructura de madera, un pabellón, una habitación propia como parte de la exposición «Esprit Dior: Miss Dior» en «Galerie Courbe – Grand palais» en París y creó la Colección III para la empresa de lujo con sede en Londres Sé. Se dijo que la colección era una de las mejores presentadas en la semana del diseño de Milán 2015 por Dezeen, The telegraph y The Luxury channel, por nombrar algunas. La colección fue galardonada con el premio Editors para muebles en ICFF en Nueva York. Este año también marcó el lanzamiento de su colección cápsula de 20 piezas para la marca japonesa de múltiples tiendas Francfranc.

El concepto «Techno Chic»: Fue la revista Business Week quien acuñó este término para describir su trabajo. Zupanc utiliza materiales modernos y tecnología avanzada para crear formas que parecen sacadas de un cuento clásico o una película de los años 50.

En los últimos años, Zupanc ha presentado objetos con la marca de muebles contemporáneos Qeeboo, fundada por el renovador diseñador italiano Stefano Giovanonni y diseñó una colección titulada «Llévame a Miami» para la marca italiana Ghidini1961. También diseñó dos colecciones de muebles para la joven y prometedora marca de lujo Scarlet Splendor. En otros lugares, ha continuado construyendo su cartera con gran éxito, con diseños premiados para empresas como Contardi lightning y De Castelli. Su gabinete Longing para la empresa italiana Decastelli formó parte del proyecto de identidad Tracing, que recibió el prestigioso premio especial móvil Salone Del 2017 y su lámpara de cristal, diseñada para Contadi, recibió el premio al mejor diseño alemán en 2018.

Las piezas de Nika Zupanc tienen una gran carga emocional además de estar exquisitamente terminadas. Existe un toque de teatro y cine negro en su trabajo y de alguna manera sus piezas hacen que el usuario se sienta como un actor. Su lenguaje visual proviene de lo más profundo y trata de «comunicar las cosas que no se pueden contar».

Podéis ampliar información sobre la diseñadora Nika Zupanc en su página web: www.nikazupanc.com