James Dyson: Más allá del ciclón. El caballero inconformista que rediseñó el mundo

Para muchas personas, el nombre de James Dyson evoca imágenes de elegancia futurista: aspiradoras sin bolsa que parecen sacadas de una nave espacial, secadores de pelo que desafían la gravedad y purificadores de aire sin aspas que rozan la magia. Sin embargo, reducir a Sir James Dyson a la etiqueta de «el rey de las aspiradoras» sería cometer una profunda injusticia con una de las mentes más fascinantes, obstinadas y polifacéticas de nuestro tiempo.

Detrás del imperio multimillonario y de los diseños expuestos en el MoMA, se esconde un hombre que se define a sí mismo no como un brillante hombre de negocios, sino como un inadaptado, un agricultor, un educador y, sobre todo, una «mula» testaruda que ha hecho del fracaso su mayor obra de arte.

En este artículo, nos adentramos en la vida personal, las rarezas y la filosofía de un genio que nos enseña que el diseño no es solo estética, sino una forma de enfrentarse al mundo.

Para entender la resiliencia casi sobrehumana de James Dyson, hay que viajar a la costa de Norfolk, Inglaterra, en la década de los cincuenta. La infancia de James estuvo marcada por una tragedia temprana: su padre, un profesor de lenguas clásicas que amaba dirigir obras de teatro y enseñar deportes, falleció de cáncer de garganta y pulmón a los 40 años, cuando James tenía apenas nueve.

Criado por su madre viuda y con la bondad del director de su internado, el Gresham’s School, que le permitió estudiar gratis durante diez años tras la muerte de su padre, Dyson desarrolló un agudo sentimiento de ser «diferente» al resto de los niños. Esta pérdida no lo hundió, sino que forjó en él un espíritu ferozmente competitivo y una necesidad vital de vivir al límite de sus capacidades.

Fue en esos años cuando descubrió su primera gran obsesión: correr largas distancias. Inspirado por el legendario corredor Herb Elliott, el joven James se levantaba a las 6:00 a.m. para correr diez kilómetros, iba a clases, y volvía a correr otros diez kilómetros a las 10:00 p.m., a menudo subiendo y bajando por las dunas de arena para fortalecer sus piernas.

Esta experiencia física le enseñó la lección más importante de su vida, una que aplicaría a cada uno de sus futuros diseños: el concepto de la «barrera del dolor». Según Dyson, en toda carrera llega un punto en el que el agotamiento es insoportable y el cuerpo te pide parar. «Ese es el momento en el que todos los demás se detienen o reducen la velocidad. Así que, en ese preciso instante en el que quieres rendirte, debes acelerar», afirma. Ese principio de no rendirse jamás cuando todo parece perdido se convertiría en el motor de su existencia.

Sorprendentemente, el hombre que revolucionaría la ingeniería moderna no estudió ingeniería en su juventud. Educado en los clásicos (latín, griego e historia antigua), Dyson quería ser pintor. Asistió a la Byam Shaw School of Art de Londres, donde un astuto director, al ver sus dibujos, le sugirió que el mundo quizás no lo necesitaba como pintor, sino como diseñador.

Dyson se trasladó al Royal College of Art, donde pasó del diseño de muebles al diseño de interiores, y finalmente a la arquitectura y la ingeniería. Su mente hizo «clic» al descubrir la obra de Buckminster Fuller, el creador de las cúpulas geodésicas. Dyson quedó maravillado al comprender que la verdadera belleza no provenía del estilo superficial, sino de la funcionalidad y la ingeniería misma.

Poco después, conoció a quien sería su gran mentor, el excéntrico inventor Jeremy Fry, quien lo contrató para diseñar y vender el Sea Truck, una lancha de desembarco de alta velocidad. Fry le enseñó a despreciar la burocracia y a adorar la experimentación pura. Si tenían una idea para probar la hidrodinámica de un casco, no consultaban a teóricos; simplemente ataban un trozo de madera a un Land Rover, lo arrastraban por un lago y observaban qué ocurría. Fry le enseñó que, con entusiasmo, inteligencia y desprecio por los formalismos, todo era posible.

Dyson es un hombre de contrastes fascinantes. A pesar de amasar una fortuna que lo sitúa entre los hombres más ricos del Reino Unido (superando los 16.000 millones de libras en su punto álgido), rechaza frontalmente la etiqueta de «hombre de negocios». Se considera un ingeniero manchado de polvo, un creador.

Físicamente, su estilo llama la atención. Suele vestir de manera moderna y artística, a menudo con prendas diseñadas por su yerno y su hija (que son diseñadores de moda). Como él mismo señala: «No tengo que vestir de forma aburrida con colores tristes solo porque sea ingeniero». Pero si hay un detalle estético que lo define, es un cinturón de cuero rojo que lleva usando durante años. No es un rojo cualquiera; es el tono exacto que, en la Francia del siglo XVIII, solo la realeza tenía permitido usar. Aunque bromea diciendo que no se cree de la realeza, la elección refleja su amor por la historia y su gusto por lo inusual. De hecho, fue nombrado Caballero del Imperio Británico en 2006 por el Príncipe Carlos (hoy Rey Carlos III), una ceremonia que recuerda con humor por el miedo que pasó al tener una pesada espada medieval rozando sus hombros.

Pero su mayor peculiaridad profesional es su absoluto desprecio por la «experiencia» y los «expertos». En su empresa, rara vez valora la experiencia previa. Prefiere contratar a jóvenes recién graduados o estudiantes sin ningún tipo de bagaje en la industria. Dyson sostiene una teoría radical: la experiencia te enseña por qué no hacer las cosas, inhibe la creatividad y fomenta las malas costumbres corporativas. La ingenuidad, en cambio, permite a los jóvenes hacer «preguntas estúpidas» y explorar caminos que los expertos considerarían imposibles. Su lema es claro: si quieres innovar, los expertos son peligrosos porque matan las nuevas ideas basándose en el pasado.

Para entender la dimensión de James Dyson en la cultura popular, debemos hablar del producto que lo cambió todo y del calvario que supuso crearlo. A finales de los años 70, Dyson estaba frustrado. Su aspiradora Hoover Junior se atascaba constantemente y perdía succión. Al vaciar la bolsa, se dio cuenta de que el problema no era que estuviera llena, sino que los poros de la bolsa se taponaban con el polvo fino desde el primer segundo.

La inspiración le llegó de un aserradero local, donde vio un gigantesco cono ciclónico de 10 metros de altura que separaba el serrín del aire usando fuerza centrífuga. Rápidamente, corrió a casa e hizo un prototipo en miniatura con cartón y cinta adhesiva. Funcionó. Pero llevar esa idea al mercado se convertiría en una odisea épica de resiliencia.

Dyson se encerró en la antigua cochera de su casa (Coach House), un lugar helado y sin comodidades, dispuesto a perfeccionar la tecnología ciclónica. Durante los siguientes cuatro o cinco años, fabricó a mano nada menos que 5.127 prototipos.

Piensen en ello: 5.126 fracasos absolutos. Días enteros en los que regresaba a casa cubierto de polvo, exhausto y deprimido, pensando que moriría haciendo ciclones sin avanzar jamás. Sin ingresos, acumuló deudas asfixiantes con tasas de interés del 22%, obligando a su esposa, Deirdre, profesora de arte, a firmar repetidamente los documentos del banco poniendo su hogar como garantía.

¿Por qué no se rindió? Porque Dyson practica lo que él llama el «enfoque edisoniano»: hacer un solo cambio a la vez, probar, fallar y aprender. Para él, el éxito es aburrido, pero el fracaso es fascinante. Cada error le decía exactamente qué no hacer en el siguiente intento. Finalmente, el 2 de mayo de 1992, justo el día de su 45 cumpleaños, construyó el primer prototipo funcional perfecto.

Pero el camino no se allanó. Intentó licenciar su tecnología a las grandes multinacionales de electrodomésticos (Electrolux, Hoover), pero todas lo rechazaron. ¿El motivo? Estas empresas ganaban cientos de millones vendiendo las bolsas de recambio y no querían destruir su propio negocio lucrativo.

Esta travesía por el desierto cimentó otra de sus peculiaridades más marcadas: su obsesión patológica por el control total. Años antes, Dyson había inventado la Ballbarrow (una carretilla con una bola en lugar de rueda para no hundirse en el barro). Fue un éxito, pero cometió el error de ceder la patente a la empresa, controlada por inversores externos. Cuando hubo desacuerdos, los accionistas lo expulsaron de su propia compañía y le robaron su invento. Aquello lo destrozó, pero le enseñó una lección de oro. Con la aspiradora, decidió no depender de nadie: pidió un préstamo de 600.000 libras poniendo su casa en juego por enésima vez, fabricó él mismo la máquina y fundó su propia empresa. Hoy en día, Dyson Ltd. es una empresa privada al 100% sin accionistas externos, lo que le permite tomar decisiones radicales a largo plazo sin dar explicaciones a Wall Street.

“Inspired in Barcelona: Materia prima” transformó el proceso creativo en un viaje sensorial durante la Milan Design Week. La instalación presentada retrata las figuras más destacadas del ecosistema del diseño catalán, explorando el delicado e impredecible equilibrio del proceso creativo a través de dos ingredientes esenciales y compartidos de la cultura mediterránea: «el pan» y el «aceite de oliva».

Mientras las grandes tecnológicas corren a vendernos asistentes, este proyecto se ha convertido en el símbolo de una nueva era: la de la IA que menos habla y más actúa. Pero, ¿Qué es exactamente y por qué todo el mundo habla de este fenómeno?

2026, un viaje sensorial que explora el origen de la creatividad a partir de dos ingredientes esenciales de la cultura mediterránea: el pan y el aceite de oliva. La muestra utiliza estos elementos fundamentales de la gastronomía como metáforas del proceso creativo y de la búsqueda de equilibrio que caracteriza la práctica del diseño.

“Inspired in Barcelona: Materia prima” ha sido comisariada por el estudio de arquitectura Queralt Suau, con la participación del fotógrafo Txema Salvans y del diseñador Andreu Carulla, está organizada por la Barcelona Creativity & Design Foundation e impulsada por la Concejalía de Cultura e Industrias Creativas del Ayuntamiento de Barcelona a través del Disseny Hub Barcelona (DHub) y la Generalitat de Catalunyaa través de ACCIÓ-Catalonia Trade & Investment, y cuenta con la colaboración de las marcas Baluard, Brava Arts, L’Olivera, Roca y Simon.

Interpretando el tema propuesto por el Fuorisalone de la Milan Design Week 2026, Essere Progetto (una invitación a redescubrir el diseño como un proceso dinámico y responsable, en el que el ser humano retoma su papel central como artífice del cambio), la instalación se inspira en la idea de que no es la forma acabada la que define el valor del diseño, sino el proceso que la genera.

En palabras de Jordi Queralt, responsable del estudio Queralt Suau: “Históricamente, Barcelona y Cataluña han sido un espacio de creatividad e innovación donde la cultura gastronómica ha tenido un papel destacado. La tradición culinaria mediterránea, basada en el respeto por la materia prima, también ha sido un motor de experimentación reconocido internacionalmente. Con Materia prima hemos querido trasladar esa lógica al diseño: entender que las ideas, como los ingredientes, se combinan, se transforman y encuentran su equilibrio a través del juego, la investigación y el proceso creativo.”

La instalación parte de una idea central: las ideas son la materia prima del diseño, que evolucionan y se transforman a través del proceso creativo. A partir de esta premisa el recorrido expositivo guía al visitante a través de una secuencia de tres escenas que
invitan al visitante a experimentar esta metáfora:

1. Introducción: El recorrido inicia con una transición desde el bullicio de la feria hacia un espacio más calmado, donde el visitante descubre una instalación
centrada en la tierra, el pan y sus procesos, acompañada por un sonido crujiente que refuerza su dimensión sensorial. El pan, como elemento autocontenido, define paisaje y contexto, mientras que el aceite de oliva, en flujo constante sobre una mesa en movimiento, genera reflejos “auroras” que actúan como metáfora del equilibrio y la energía de las ideas.

2. Ideas en equilibrio: A continuación, una gran fotografía colectiva formada por los retratos de Txema Salvans a diversos representantes del ecosistema del
diseño catalán evoca la búsqueda del equilibrio creativo que subyace a cualquier proceso de diseño. Entre ellos se encuentran profesionales de ámbitos muy diversos, desde cocineros y pasteleros hasta diseñadores de producto, moda o interiores, así como food designers.

3. Taste experience: El recorrido concluye con una experiencia participativa concebida por Andreu Carulla: un espacio en el que los visitantes pueden jugar con el aceite, crear sus propias auroras y cerrar el recorrido de manera sensorial, degustando un pan especialmente concebido para mojar en aceite de
oliva.

En la exposición también se incluye una luminaria que se han diseñado especialmente para Barcelona: el gran rótulo luminoso con la palabra «Barcelona», diseñado por Antoni Arola, originalmente pensada para la iluminación navideña de la ciudad, encuentra una nueva función y significado, sacadas a la luz en un momento distinto del año.

En “Inspired in Barcelona: Materia prima”, la materia se convierte en narrativa: un hilo conductor que conecta tradición, innovación y cultura del diseño, y que refleja la singularidad del ecosistema creativo de Barcelona. La instalación se presenta así como una expresión colectiva de este sector, diverso, transversal y en constante evolución, capaz de integrar disciplinas, experimentar con nuevos lenguajes y proyectar internacionalmente una manera propia de entender el diseño, arraigada en el proceso, la materia y el equilibrio como motores de futuro.

Referencias:

Queralt Suau

Queralt Suau es un estudio que trabaja en la intersección entre narrativa y espacio, con proyectos vinculados al arte, la cultura y el espacio público. Fundado por Jordi Queralt (1979), arquitecto y máster en Bellas Artes, el estudio emplea el espacio como herramienta para estructurar relatos y activar contenidos. A partir de la investigación y la experimentación, tanto conceptual como material, su obra combina proyectos expositivos, escénicos y de espacio público vinculados al juego. Esta construcción transversal permite convertir la práctica profesional en una herramienta
radicalmente cultural.

Más información en: www.queraltsuau.com

RUN Design

RUN Design es un estudio de diseño gráfico con base en Barcelona que desarrolla proyectos de identidad visual, dirección de arte y comunicación cultural. Su trabajo se caracteriza por una aproximación experimental al diseño, donde la investigación formal, el juego visual y la exploración tipográfica tienen un papel central. A través de una mirada contemporánea e inquieta, el estudio crea sistemas gráficos que buscan ir más allá de la función comunicativa para generar lenguajes visuales propios. Sus proyectos combinan rigor conceptual con una actitud abierta al ensayo y la prueba, entendiendo el diseño como un espacio de experimentación y pensamiento visual. Esta manera de trabajar sitúa a RUN dentro de una escena gráfica que explora
nuevas formas de narrar y representar la cultura.

Más información en: www.rundesign.net

Txema Salvans

Txema Salvans (Barcelona, 1971) es un fotógrafo documental reconocido por su mirada irónica y observadora sobre la sociedad contemporánea. Formado inicialmente en Biología, orientó pronto su trayectoria hacia la fotografía, desarrollando proyectos de largo recorrido basados en la observación paciente de los
espacios cotidianos y periféricos. Su obra combina una gran precisión formal con un humor sutil y lúdico que transforma escenas aparentemente ordinarias en imágenes llenas de significado. En trabajos como Perfect Day o The Waiting Game, Salvans construye relatos visuales que invitan a reflexionar sobre la relación entre las personas y el paisaje. Esta combinación de mirada crítica y sensibilidad visual ha consolidado su obra dentro de la fotografía documental contemporánea.

Más información en: www.txemasalvans.com

Andreu Carulla

Andreu Carulla (Banyoles, 1979) es un diseñador industrial catalán reconocido por una aproximación al diseño que combina experimentación, artesanía y sensibilidad por el material. Desde su estudio en Banyoles, fundado en 2006, desarrolla proyectos que van del mobiliario y la iluminación a la vajilla, los espacios y la dirección creativa.

Su manera de trabajar se basa en la exploración constante de materiales y procesos, a menudo combinando técnicas tradicionales con soluciones contemporáneas. Con una mirada curiosa e inventiva, sus objetos buscan un equilibrio entre funcionalidad, sostenibilidad y expresividad formal. Carulla entiende el diseño como una herramienta para repensar nuestro entorno cotidiano, creando piezas atemporales que dialogan
con el paisaje, el oficio y la cultura mediterránea.

Más información en: www.andreucarulla.com

Barcelona Creativity & Design Foundation

La Barcelona Creativity & Design Foundation tiene la visión de posicionar Barcelona como referente global en creatividad empresarial y economía creativa. Su misión es impulsar la economía creativa de Barcelona, colaborando con la comunidad profesional y empresarial para desarrollar su ecosistema y demostrar el valor que la creatividad aporta a cualquier negocio. A través de Inspired in Barcelona®, la fundación promueve la proyección internacional de la creatividad barcelonesa, propiciando las oportunidades de negocio en eventos clave de la escena global.

Más información en: www.bcd.es

Ayuntamiento de Barcelona (Concejalía de Cultura e Industrias Creativas – DHub, Disseny Hub Barcelona)

El Disseny Hub Barcelona es el espacio que integra e interactúa con las diferentes expresiones de diseño e industrias creativas de la ciudad. Desde el Disseny Hub Barcelona, el Ayuntamiento promueve el debate, la investigación y la presentación de nuevos proyectos y contenidos producidos por el sector de las industrias creativas a nivel local e internacional.

Más información en: www.dissenyhub.barcelona

Jòdul inaugura un espectacular showroom de 1.500m2 donde se muestran las últimas tendencias en diseño y arquitectura. El nuevo espacio expositivo cuenta con once ambientes diseñados por interioristas y arquitectos.

Jòdul, empresa familiar referente en la distribución de materiales para la construcción, la arquitectura y el interiorismo, ha renovado su espacio expositivo de 1.500 m2 en la localidad barcelonesa de Taradell, en el marco de la celebración de su 30º aniversario.

El showroom, diseñado por el estudio Nualart y el equipo de Jòdul, presenta una impresionante zona de aguas rodeada por once ambientes diseñados por interioristas de la zona en los que se exponen firmas como Mutina, Sira Concrete, Dica, Florim, Marazzi, Duravit y Dornbracht. El resultado es un espacio inspirador donde descubrir las últimas tendencias y con el que Jòdul reafirma su compromiso con la calidad y la excelencia en el sector.

Jòdul apuesta por convertirse en una prolongación del estudio de arquitectura e interiorismo en cuanto a materiales se refiere, mostrando en su espacio una amplia variedad de posibilidades y firmas que ofrecer a sus clientes: pavimentos y revestimientos, parquets y maderas, cocinas, baños y materiales de construcción. El diseño del centro, que destaca por la combinación de líneas depuradas con una paleta de colores neutros, consigue un ambiente visualmente armónico donde los materiales son los protagonistas.

Explicación del sistema de almacenamiento de energía por gravedad.

Después de cerrar el ejercicio del año pasado con una facturación de 17 millones de euros, la previsión de Jòdul para 2023 es alcanzar los 18 millones. Con un equipo formado por 35 profesionales, la compañía, en constante crecimiento y actualización, está centrada el plan de consolidación con sus diferentes líneas de negocio: cocinas, baños, obra, retail y contract.

A través del recorrido del renovado espacio y sus distintos ambientes, descubrimos cómo la armonía y el equilibrio, la sencillez y la elegancia, la experimentación y la creatividad se presentan como elementos clave en el nuevo centro, inspirando e invitando a vivir experiencias únicas en un entorno acogedor.

El nuevo centro se ha convertido en un punto de encuentro para los amantes de la decoración gracias a la colaboración con destacados interioristas y arquitectos de la Catalunya Central, donde cada uno de ellos ha mostrado su personalidad conformando una visión sorprendente y diversa: Alda Studio con su espacio “Oasis Cromàtic”, Estudi Nualart con “Nuansa”, Albert Nebot con “Zenit”, RS Arquitectura y Sandra Soler han trabajado de forma conjunta en los espacios “Pigment” y “Aura”, mientras que Mireia Torruella ha presentado “Oasis”, Colomer Rifà “D’Orígens”, Marta Mir “Grid”, Dizaynct “Sensi”, y 4 Ratlles y Abel Monmany “APlom” y “Terra” respectivamente.

«Desde Jòdul hemos querido dar un paso más y consolidar nuestro posicionamiento como referentes en el sector. La reforma del showroom, el centro neurálgico de la empresa, que fusiona diseño, creatividad y funcionalidad, nos permitirá seguir afrontando grandes proyectos. A través de la optimización del espacio, un diseño cálido, líneas depuradas y una estética armoniosa, hemos conseguido el lugar ideal para inspirar y dar a conocer las últimas tendencias de diseño.” Explica Aman Cabanas, portavoz de Jòdul.

Jòdul apuesta por convertirse en una prolongación del estudio de arquitectura e interiorismo en cuanto a materiales se refiere, mostrando en su espacio una amplia variedad de posibilidades y firmas que ofrecer a sus clientes: pavimentos y revestimientos, parqués y maderas, cocinas, baños y materiales de construcción. El diseño del centro, que destaca por la combinación de líneas limpias con una paleta de colores neutros, logra un ambiente visualmente armónico donde los materiales son los protagonistas. La luz natural no solo resalta los detalles y colores de los productos, sino que también transmite una sensación de serenidad.

Entre los clientes de Jòdul, tanto a nivel nacional como internacional, destacan algunas de las principales cadenas hoteleras y de supermercados, así como promotores de viviendas y proyectos en el ámbito hospitalario. Además, una de las áreas clave de la empresa son las viviendas privadas. Jòdul, en constante crecimiento y actualización, ha presentado una nueva web corporativa que permite personalizar listas de materiales para proyectos y buscar inspiración a través de ambientes conceptuales, con el objetivo de convertirse en una extensión de sus dos espacios físicos: el central de Taradell y Jòdul Lab, inaugurado en 2017 y, que ubicado en la calle Numancia 205 de Barcelona, cuenta con una superficie de 400 m².

Sobre Jòdul

Desde 1992, Jòdul ofrece pavimentos y revestimientos cerámicos, parquets, baños y cocinas que combinan calidad, funcionalidad y estética. Fundada como Aman en 1962 por la primera generación de los actuales propietarios, la empresa se convirtió en Jòdul hace 30 años. Actualmente, con la tercera generación, ha crecido y evolucionado, y cuenta con un equipo de 35 profesionales, dos espacios de referencia en Taradell y Barcelona, y trabaja en proyectos a nivel nacional e internacional sin perder de vista sus orígenes. De la mano de firmas como Mutina, Sira Concrete, Dica, Florim, Marazzi, Duravit y Dornbracht, Jòdul se ha convertido en un referente en la distribución de materiales para la construcción, arquitectura y diseño de interiores.

Más info en www.jodul.com

Fotos © Judith Casas

Su marca homónima, fundada en 1978 en el pequeño pueblo de Solomeo en la región italiana de Umbría, ha crecido hasta convertirse en una de las marcas de lujo más valoradas en el mercado actual.

La filosofía de vida de Brunello Cucinelli se basa en valores como la ética, la responsabilidad social, la sostenibilidad y la belleza. Su visión de la moda no se limita a la creación de prendas hermosas, sino que va más allá, buscando transmitir una experiencia de vida que refleje la armonía entre el ser humano y la naturaleza. Es por eso que la marca se esfuerza por utilizar materiales de alta calidad y procesos de producción éticos y sostenibles.

El espíritu de la marca Brunello Cucinelli se refleja en la creación de prendas y accesorios que combinan la artesanía tradicional italiana con la tecnología más avanzada.

La marca se enfoca en detalles meticulosos y en la calidad excepcional de sus productos. Desde sus elegantes trajes de corte impecable hasta sus suaves cárdigans de cachemira, la marca se distingue por ofrecer una experiencia de lujo auténtico y atemporal.

La historia de la marca Brunello Cucinelli es la historia de un sueño hecho realidad. Brunello, el fundador de la marca, comenzó su carrera en la moda en los años 70, cuando comenzó a vender prendas de cachemira de alta calidad en el mercado local de Solomeo.

Con el tiempo, su marca comenzó a ganar reconocimiento en el mercado internacional, llegando a abrir tiendas en las principales ciudades del mundo.

La propuesta de valor de la marca Brunello Cucinelli se basa en ofrecer productos de calidad excepcional, utilizando materiales de la más alta calidad y procesos de producción éticos y sostenibles. La marca se preocupa por cada detalle, desde la elección del tejido hasta el diseño de las prendas y la atención al cliente en las tiendas.

Brunello Cucinelli es una marca comprometida con la responsabilidad social y la sostenibilidad, lo que la convierte en una opción atractiva para los consumidores que buscan marcas con valores éticos.

Es de reconcer la labor filantrópica del creador de la marca que dona el 20% de sus beneficios a través de la Fundación Brunello Cucinelli. Ha sido descrito como «filósofo-diseñador», desde que Brunello abandonó la escuela de ingeniería a los 24 años, se dedicó con pasión a leer textos filosóficos.

En 2018 Cucinelli decidió vender el 6% de sus acciones para donar 100 millones a la caridad. A través de su fundación, ha restaurado muchas obras de arte de la región de Umbría y cuida el entorno alrededor de Solomeo, la ciudad donde vive y donde tiene la sede su empresa.

Brunello presta mucha atención a cuestiones como la belleza y el arte, de los que se declara apasionado, la familia a la que considera un pilar imprescindible y a conceptos y valores tradicionales como el apego a la tierra.

Sobre la belleza, Brunello declara:

«Es la belleza de las cosas, de las personas, de las ideas, de los modales, de las palabras. Es la belleza de la vida. El mundo es hermoso, el futuro es hermoso y brillante. La belleza no es mera apariencia, ni una característica externa o algo que solo importa en la superficie. La belleza es la forma de las cualidades internas de las personas y las cosas. Donde hay belleza, hay positividad.«

 «La belleza, en la gran mayoría de los casos, coincide con la sencillez. La sencillez no significa falta de ideas ni de recursos, sino la esencia de las cosas apasionantes, de los grandes tesoros. Solo las grandes personas pueden hablar de grandes cosas con sencillez. Cuando las personas están rodeadas de sencillez, todo se vuelve más claro, se puede comprender la belleza y cada cualidad humana se realza de alguna manera, se manifiesta en su plenitud.«

Brunello cita al filósofo griego Plotino cuando dice «Solo a través de la belleza puede el hombre ascender a Dios.»

Combinar lo antiguo con lo moderno, los objetivos corporativos con las necesidades humanas, es el secreto de una empresa que muchos admiran por su vocación innovadora.

En conclusión, la marca Brunello Cucinelli es un ejemplo de cómo una filosofía de vida puede reflejarse en una marca de moda. Su enfoque en la calidad, la tradición, la artesanía y la sostenibilidad, la hacen única en el mercado de la moda de lujo. Si estás buscando una experiencia de moda auténtica, elegante y sostenible, la marca Brunello Cucinelli es una excelente opción.

Podéis obtener más información en la página web de la marca: www.brunellocucinelli.com

Magda Butrym ha creado su propia versión de la feminidad que despliega en mujeres de todo el mundo.

Magda Butrym redefine la artesanía, creando una visión contemporánea del romanticismo en la moda. Magda Butrym conecta el pasado con el futuro, el minimalismo con la sensualidad, la elegancia con la naturalidad, la fuerza con la sensibilidad.

Magda Butrym colabora con artesanos independientes de Polonia, para así enriquecer los tejidos que utiliza, de la más alta calidad, con piezas tejidas a mano, cuero trenzado y diversos adornos bordados a mano por estos artesanos.

Magda Butrym declara que no quiere definir a las mujeres, quiere empoderarlas. Quiere que todas se sientan cómodas en su propia piel, felices, poderosas y confiadas. Todas las mujeres deberían ser sus propias musas. Magda Butrym percibe la feminidad como una actitud, una conciencia del mundo en el que vivimos y una forma de hacer escuchar la voz de las mujeres y expresar su propia opinión.

Las prendas de Magda Butrym están llenas de detalles hechos a mano y son perfectas para las mujeres que quieren expresar su personalidad a través de la moda.

Magda Butrym expresa la feminidad en sus diseños por medio de siluetas sofisticadas y elegantes.

A continuación podéis ver unas imágenes de diseños de Magda Butrym, la mayoría pertenecen a la colección «Spring 2023».

Como siempre, os invitamos a ampliar información sobre esta genial diseñadora de moda en su página web oficial: https://www.magdabutrym.com/ y desde este enlace podéis comprar online piezas de Magda Butrym: https://www.ekseption.com/es_en/designers/magda_butrym

En esta entrevista el arquitecto y diseñador japonés Oki Sato nos habla sobre su enfoque lúdico del diseño y nos muestra algunos de sus proyectos.

En este otro vídeo, Oki Sato nos deja pensamientos y reflexiones sobre el trabajo, el éxito y los valores como el siguiente: «Hay como una Diosa… que te sonríe. Y existen personas que están esperando a la Diosa, entonces la Diosa nunca te mirará. Pero si te estás enfocando en otra cosa, estás trabajando muy duro en lo que realmente te gusta, sin esperar nada más a cambio, entonces esta Diosa se pone celosa y viene hacia ti, te lleva al éxito de alguna manera. Así que las personas que buscan el éxito, nunca lo logran. Pero las personas que se concentran en lo que hacen y disfrutan de lo que que están haciendo, al final, creo que están muy cerca del éxito».

Oki Sato es reconocible por su manera de vestir, camisa blanca, pantalón negro y chaqueta negra, un vestuario minimalista y acromático reflejo de su estilo sosegado. En el vídeo Sato nos explica que este vestuario es consecuente con su idea de repetición, de repetir en su vida tanto como sea posible, de esta manera él cree que la repetición le permite percibir mejor los cambios, por mínimos que sean, que se producen a su alrededor y, por lo tanto, encontrar inspiración en los pequeños momentos de la vida.

«My football kit» es uno de los últimos proyectos terminados por Oki Sato y su estudio Nendo. Ha sido realizado para la empresa japonesa de equipamientos deportivos Molten, que fabrica desde hace tiempo balones de fútbol, baloncesto, voleibol y balonmano usados en competiciones oficiales. Consistió en desarrollar un balón de fútbol simplificado para que los niños tengan la oportunidad de jugar y disfrutar del fútbol, con la esperanza de popularizar el deporte y aumentar el número de jugadores en comunidades empobrecidas. Además de las dificultades para obtener un balón de fútbol en muchos lugares del planeta, su mantenimiento presenta una gran barrera, unas veces por la falta de bombas de aire y otras por el grado de deterioro del mismo.

Como respuesta a este problema, se ideó una pelota de fútbol no inflable que da la misma sensación al patear que la que obtenemos con una pelota estándar. Su desarrollo está inspirado en la estructura de la pelota de bambú tejida, tradicional japonesa.

El ensamblaje de tres tipos de componentes para un total de 54 piezas da como resultado un balón de fútbol que, en lugar de depender de la presión del aire interno, se basa en la elasticidad de su material de superficie. Los componentes blandos de polipropileno reciclado y resina sintética elastomérica no dañan los pies descalzos y es poco probable que, incluso si se rompen puedan causar lesiones.

Si un componente se desprende durante el juego, la estructura entrelazada asegura que la pelota no se desarme. Proporciona una alta capacidad de mantenimiento y por tanto, eficiencia económica, ya que se puede restaurar reemplazando solo los componentes rotos, logrando así una larga duración de uso.

Los componentes pueden enviarse desmontados en paquetes compactos, lo que reduce los costos de envío. La disponibilidad de componentes en varios colores, ayuda a los niños a fortalecer su apego a la pelota a través del trabajo de ensamblaje formando su propia combinación de colores. Las instrucciones de montaje están diseñadas como si fuera un libro de imágenes e ilustraciones, fáciles de entender, sin apenas texto para que los niños de todo el mundo puedan montar una pelota. También se diseñó un saco de embalaje para llevar la pelota como una mochila.

A continuación se muestran imágenes del proyecto de diseño «My football kit» en las que podemos ver las piezas con las que se monta el balón de fútbol y el resultado final en sus distintas variantes.

En esta vídeo animación «50 sillas manga diseñadas por Nendo para la galería Friedman Benda», podéis ver de una manera muy «lúdida y amena» como la enorme creatividad del estudio Nendo genera 50 formas de sillas diferentes.

Oki Sato es un artista completo que se mueve perfectamente por diferentes territorios, como podéis ver en este vídeo en el que el fundador de Nendo nos explica cómo su estudio de diseño japonés tomó prestada la obra de M. C. Escher para crear la instalación «Escher X Nendo | Entre dos mundos». Nendo generó unos diseños inspirados en el enfoque matemático de Escher que los visitantes de la exposición podían seguir a través de los diferentes espacios de la galería. La exposición «Escher X Nendo | Between Two Worlds» tuvo lugar entre 2018 y 2019 en NGV International, Melbourne, Australia.

Como muestra de trabajo arquitectónico realizado por Nendo, a continuación os mostramos unas imágenes y un vídeo del proyecto «Plaza Estación de Tenri CoFuFun» en el que se interviene en un área de 6.000 metros cuadrados que incluye alquiler de bicicletas, cafetería, tiendas, quiosco de información, zona de juegos, escenario al aire libre y espacio para reuniones y eventos para los residentes en Tenri, en la prefectura de Nara, situada en el sudoeste de Japón. Los límites urbanos de Tenri incluyen un número de tumbas japonesas antiguas, conocidas como «cofun». Los cofun son hermosos e inconfundibles y se mezclan en los espacios de la vida cotidiana en la ciudad. El paisaje de la plaza está inspirado por los cofun y es una representación de la geografía característica de la zona: la cuenca de Nara, rodeada por montañas. En el proyecto podemos apreciar de nuevo el enfoque lúdico que tienen las obras de Oki Sato.

Podéis obtener más información sobre el diseñador Oki Sato en la página web de su estudio de diseño, Nendo: www.nendo.jp

Jacquemus es una marca de moda francesa fundada por Simon Porte Jacquemus.

Simon Porte Jacquemus empezó a estudiar en la Escuela Superior de Artes y Técnicas de la Moda (ESMOD) de París a los 18 años, pero a los pocos meses lo dejó y comenzó a trabajar en la sección de estilismo de la revista de moda Citizen K. La repentina muerte de su madre en accidente de tráfico supuso un punto de inflexión en su vida y le motivó a emprender su propia carrera como diseñador de moda en homenaje a ella.

A los 20 años Simon creó la marca de moda Jacquemus, el apellido de soltera de su madre, quien estará para siempre muy presente en la vida y obra de Simon. Jacquemus ha tenido un rápido crecimiento fruto del gran impulso emprendedor y motivación de Simon por sacar adelante su marca. Para ello, no dudó por ejemplo en promover sus diseños entre sus propios amigos para dar a conocer la marca e hizo que estos vistieran sus creaciones durante la Vogue’s Fashion Night Out del año 2010 en París obteniendo una gran repercusión. Tan solo 2 años después, en 2012 fue invitado a presentar su colección durante la Semana de la Moda de París.

La mayoría de los tejidos utilizados en las colecciones de Jacquemus provienen de un proveedor de ropa de trabajo. El corte es simple, con pocos detalles, pero original. Las impresiones a veces recuerdan el mundo de las películas de Jacques Tati o Louis Malle. Jacquemus ha descrito sus creaciones como una moda «ingenua» que sin embargo han alcanzado gran notoriedad, estando a la venta en tiendas como Opening Ceremony en Nueva York, Broken Arm en París, Gago en Aix-en-Provence, Dover Street Market en Londres y Ekseption en Madrid. En 2014, diseñó una colección para La Redoute. En 2015 recibió el Premio Especial del Jurado en el «Premio LVMH» un concurso internacional creado por Delphine Arnault para jóvenes diseñadores de moda.

En 2017, Jacquemus añadió una línea de calzado a sus colecciones y en 2018 anunció que diseñaría ropa de hombre, creando la primera colección en 2019. Además de los zapatos, actualmente Jacquemus también diseña bolsos y sombreros.

Simon Porte Jacquemus es una persona muy apegada a sus orígenes en la Provenza, estando presentes en muchas de sus colecciones que evocan los paisajes y el modo de vida de la región francesa, la sencillez, la calma, lo natural. Al mismo tiempo, las referencias a su familia y a su círculo cercano son también constantes en su obra y están siempre muy presentes en sus colecciones, incluso su abuela Liline ha ejercido como modelo en alguna de ellas.

En el siguiente vídeo podéis ver el desfile de la colección «L’Amour Spring – Summer 2021» de la firma de moda francesa Jacquemus.

Imágenes promocionales de la colección L’Amour de la marca de moda francesa Jacquemus.

Para presentar la colección L’Amour, Jacquemus preparó una espectacular pasarela de 600 metros de tablones de madera en medio de un campo de trigo que, según el diseñador, estaba destinada a evocar la autenticidad, así como el lado más romántico de la marca. Simon quería que su colección hablara de amor y de celebración «como una simple boda en el campo o una fiesta de la cosecha».

El bolso «Le Grand Bambino» de Jacquemus.

Presentación de la colección otoño invierno 2020/2021.

En la colección primavera verano de 2020 pudimos de nuevo apreciar el gran apego del diseñador a la tierra que le vió nacer, la Provenza y en general a los campos y paisajes del sur de Francia.

En este vídeo Simon Porte Jacquemus nos cuenta el mismo la gran inspiración que ha supuesto para él el sur de Francia y vuelve a Brame-Jean, el pequeño pueblo donde se crió y pasó una idílica infancia junto a sus padres, a los que recuerda constantemente.

La consagración global: De la Avenue Montaigne a Capri (2021-2025)

En los últimos años, Jacquemus ha trascendido su etiqueta de «joven promesa» para convertirse en una potencia establecida del lujo, sin perder su alma lúdica y provenzal.

Un hito fundamental en esta nueva era fue la apertura en septiembre de 2022 de su primera boutique en la Avenue Montaigne de París. Lejos de ser una tienda convencional, Simon concibió este espacio como una experiencia inmersiva y artística, mezclando sus diseños con obras de arte, máquinas de palomitas gigantes y una estética surrealista que redefinió el retail de lujo.

Desfiles cinematográficos y aniversarios

La marca ha continuado su tradición de elegir localizaciones de ensueño que se vuelven virales instantáneamente:

• «Le Chouchou» (Versalles, 2023): Jacquemus tomó los jardines del Palacio de Versalles, con invitados viendo el desfile desde barcas en el Gran Canal, en una colección inspirada en María Antonieta y Lady Di.

• «Les Sculptures» (2024): Presentada en la Fondation Maeght en el sur de Francia, esta colección dialogó directamente con las obras de Giacometti, mostrando una faceta más arquitectónica y sobria de la firma.

• «La Casa» (Capri, 2024): Para celebrar el 15º aniversario de la marca, Simon cumplió su sueño de desfilar en la icónica Casa Malaparte en Capri. Una colección crucero que rindió homenaje al cine de Godard (El Desprecio) y a la pura Dolce Vita.

Reconocimiento oficial y el fenómeno Nike

En marzo de 2024, Simon Porte Jacquemus fue nombrado Chevalier de l’Ordre des Arts et des Lettres, recibiendo la medalla de manos de la mismísima Anna Wintour. Con solo 34 años, se convirtió en el diseñador más joven en recibir esta distinción, consolidando su impacto cultural.

Paralelamente, su colaboración continuada con Nike ha sido un éxito rotundo. Tras su primera unión en 2022, la alianza se fortaleció en el verano de 2024, justo antes de los Juegos Olímpicos de París, con una colección que mezcló estilo de vida y deporte, acompañada de una campaña viral protagonizada por iconos como Serena Williams y Central Cee. Esta colaboración nos ha dejado piezas de culto instantáneo como el bolso con forma de «Swoosh».

Hoy, Jacquemus ya no es solo el chico del sur que soñaba con París; es el visionario que ha obligado a París a mirar hacia el sur.

Como siempre, os invitamos a visitar la página web de la marca Jacquemus para estar informados de sus últimas colecciones y novedades: https://www.jacquemus.com/

El diseñador Jaime Hayon montando el green chicken en la «Exhibition at Design Museum in Holon», en Israel en el año 2015.

El diseñador español Jaime Hayon es uno de los más reconocidos hoy en día en el panorama internacional. Nació en Madrid donde estudió diseño industrial en el IED (También ha sido profesor del IED) y después se ha formado y trabajado tanto en Madrid como en Francia, Italia, Barcelona, Valencia y Londres.

Hayon ha realizado proyectos por todo el mundo como una joyería en Kuwait, la tienda de la marca de zapatos Camper en Tokio, para los que también diseña zapatos y ha colaborado con empresas como Baccarat, BD Barcelona Design, Metalarte, Moooi, Lladró, Magis, entre otras, intercalando proyectos personales artísticos que realiza muy amenudo.

Ha expuesto su obra en espacios como la Galería Aram de Londres, el Salone de Mobile de Milán, el Museo Vitra de Alemania, el Museo del Diseño de Londres, la Galería Vivid de Róterdam, el Museo Grongiger holandés y la Feria de Arte de Basel.

En sus obras, mezcla el arte con el diseño, destacando por la transversalidad de sus múltiples creaciones en diseño industrial con base artesanal, en interiorismo y en la creación artística.

Uno de sus últimos proyectos ha consistido en la renovación del interiorismo del Café Le Central en el Centro Pompidou de París en el que ha introducido una de sus creaciones, la colección de sillas Aleta que podéis ver en estas imágenes de dicho proyecto.

En este proyecto también destaca el uso de «vessel-like structures» (estructuras tipo vasija/pabellón) que dividen el espacio sin cerrarlo, permitiendo que la luz fluya pero creando rincones privados.

La colección de sillas Aleta de Viccarbe, un diseño de Jaime Hayon que se utilizó en el proyecto del Centro Pompidou

Otros proyectos de interiorismo realizados con la silla Aleta.

Jaime Hayon ha realizado numerosos proyectos a lo largo del mundo, para conocer aún más a este gran creativo, a continuación os presentamos, de manera sintetizada, otros proyectos

Proyecto de interiorismo realizado para La Terraza del Casino en Madrid.

Jaime Hayon realizó en colaboración con Swarovski en julio de 2019 en Wattens, Austria, un carrusel en el que el arte y el diseño se daban la mano, con unas figuras en blanco y negro increíblemente diseñadas y adornado con 15 millones de cristales Swarovski.

El diseñador español Jaime Hayon es un artista polifacético, realiza todo tipo de obras como diseño, esculturas, pintura o ilustración. Un ejemplo de su versatilidad es la serie de tapices «Fauna» para el Tilburg Textile Museum de Países Bajos.

Podéis obtener más información sobre los últimos trabajos de este genial artista en su página web: www.hayonstudio.com