El bolso Birkin de Hermès es sin duda uno de los accesorios más icónicos de la moda de lujo. Su diseño elegante y su exclusividad lo han convertido en un objeto de deseo para muchas mujeres de todo el mundo. A continuación, te contamos todo lo que necesitas saber sobre la historia, fabricación y éxito del bolso Birkin de Hermès.

El bolso Birkin fue creado en 1984 y la historia cuenta que Jane Birkin, que en aquel momento era una actriz de moda, se sentó en un vuelo al lado de Jean-Louis Dumas, el entonces director artístico de Hermès. Durante el viaje, Birkin se quejó de lo difícil que era encontrar un bolso elegante y funcional. Dumas le prometió crear uno que cumpliera con sus espectativas y parece que en el mismo vuelo comenzaron los 2 a esbozar los trazos de lo que sería finalmente «El bolso Birkin«, que rápidamente se convirtió en uno de los productos más populares de Hermès.

Proceso de fabricación La fabricación del bolso Birkin de Hermès es un proceso que requiere mucha habilidad y experiencia. El bolso se fabrica a mano en los talleres de Hermès en Francia, utilizando materiales de alta calidad, como piel de becerro, cocodrilo o avestruz. Cada bolso lleva alrededor de 18 horas de trabajo y es único, ya que está hecho a medida según las especificaciones del cliente.

El bolso Birkin de Hermès ha sido un éxito desde el primer día y sigue siendo uno de los productos más deseados de la marca. Su exclusividad y su diseño atemporal lo convierten en un objeto de deseo para muchas mujeres de todo el mundo. Además, el bolso Birkin se ha convertido en una inversión a largo plazo, ya que su valor aumenta con el tiempo. Para conseguir uno, hay que apuntarse en una lista de espera y el mercado de segunda mano, funciona de manera muy activa con este complemento.

Versiones del bolso Birkin El bolso Birkin de Hermès está disponible en una amplia variedad de materiales, colores y tamaños. Las versiones más populares son las fabricadas en piel de becerro, que son las más duraderas y fáciles de cuidar. Sin embargo, también existen versiones en piel de cocodrilo y avestruz, que son mucho más exclusivas y lujosas.

Repercusión del bolso Birkin El bolso Birkin de Hermès ha tenido una gran repercusión en la moda y en la cultura pop. Muchas han sido las celebridades a lo largo del mundo que han mostrado en sus manos este bolso, como Victoria Beckham, Kim Kardashian y la propia Jane Birkin, co-diseñadora del bolso. Además, el bolso Birkin ha sido objeto de numerosos homenajes y referencias en películas, canciones, etc.

El bolso Birkin ha sido objeto de muchas imitaciones y falsificaciones debido a su popularidad, lo que ha llevado a la marca Hermès a tomar medidas para combatir la falsificación y proteger la calidad y autenticidad de sus productos.

Y cómo no, tenemos que hablar también de Jane Birkin, la actriz, cantante y modelo anglo-francesa que nació en el barrio londinense de Marylebone el 14 de diciembre de 1946 y reside en Francia desde finales de los años sesenta. Jane Birkin es un icono de la era pop, trabajó en la película de Michelangelo Antonioni «Deseo de una mañana de verano» del año 1966, protagonizando una escena polémica en la época, en la aparece desnuda. Trabajando en la película «Slogan», de Pierre Grimblat, se encontró a Serge Gainsbourg que sería su mentor, compositor y socio. Una de sus primeras colaboraciones fue la canción Je t’aime… moi non plus, que se convirtió en un éxito a nivel internacional.

En 1971 nace la hija de Jane Birkin, Charlotte Gainsbourg, que es también una actriz y cantante reconocida. A principios de los años 80 Jane Birkin se separó de Serge Gainsbourg que murió en 1991. Jane Birkin se mantiene activa y hace unos meses ha sacado su último disco. Os invitamos a profundizar sobre su vida y obra.

Y para cerrar, volvemos al bolso Birkin de Hermès resumiendo que se ha convertido hoy en día en un icono de la moda y el lujo, que ha conseguido trascender el tiempo y las tendencias. Es, sin duda, un objeto de deseo para muchas mujeres de todo el mundo. La historia a su alrededor, el proceso de fabricación y su exclusividad, son elementos que han contribuido a su fama y prestigio, convirtiéndolo en uno de los productos más emblemáticos y codiciados de la industria del lujo.

Podéis ampliar la información en https://www.hermes.com/es/es/story/297703-birkin/

Y aquí tenéis unas imágenes para poder apreciar todos los detalles del «Bolso Birkin».

Una máquina de Goldberg es un aparato muy complejo que realiza una tarea muy simple de una manera indirecta y retorcida.

Reuben (Rube) Lucius Goldberg fue un ilustrador, escritor, escultor e ingeniero estadounidense que nació el 4 de julio de 1883 en San Francisco y murió el 7 de diciembre de 1970 en Nueva York.

Goldberg se graduó en ingeniería por la Universidad de Berkeley en California y durante seis meses trabajó para el ayuntamiento de San Francisco en el diseño de la red de alcantarillas de la ciudad. No obstante, abandonó pronto su carrera como ingeniero y empezó a trabajar como dibujante humorístico en varios diarios de San Francisco como el San Francisco Chronicle y el San Francisco Bulletin. En 1907 se trasladó a Nueva York donde continuó dibujando historietas para varios periódicos neoyorquinos.

Goldberg creó series de historietas como Phoney Films, Boobs Abroad, Life’s Little Jokes, Bobo Baxter, Lala Palooza y Brad and Dad pero su trabajo no se limitó a los dibujos humorísticos. Rube Goldberg escribió también artículos en numerosos periódicos y participó en campañas publicitarias para varias empresas, como por ejemplo, Pepsi Cola.

La serie que más éxito tuvo fue «Inventions of Professor Lucifer Gorgonzola Butts». En ella Goldberg dibujaba diagramas esquemáticos que eran «invenciones cómicas» del profesor Lucifer Gorgonzola Butts. En el año 1995, el dibujo que representaba «La servilleta que funcionaba por sí misma del Professor Butts», fue uno de los diseños escogidos para ilustrar uno de los sellos postales de Estados Unidos que se publicaron para recordar las «Comic Strip Classics». Dicho sello, como seguramente ya os hayáis imaginado, es la imagen de cabecera de este artículo.

En el año 1948 le fue concedido el Premio Pulitzer por sus historias políticas ilustradas publicadas en el períodico New York Sun. Goldberg Trabajó también en el cine, escribiendo el guión de la película Soup to Nuts, dirigida por Benjamin Stoloff y también protagonizó un cortometraje autobiográfico «Rube Goldberg’s Travelgag», dirigido por Leslie Roush.

En el año 1945, Goldberg participó en la fundación de la «National Cartoonist Society» de la que llegó a ser presidente, actualmente el principal premio que otorga esta institución es el «Premio Reuben» (Reuben Award).

Pero además, el polifacético Rube Goldberg ha pasado a la historia por ser la persona que ideó y primera en documentar, lo que hoy llamamos como «Máquina de Goldberg«, que son aparatos excesivamente sofisticados que realizan tareas muy simples de una manera deliberadamente indirecta y elaborada, normalmente haciendo uso de una reacción en cadena.

Al ver esta imagen, entenderéis perfectamente de qué estamos hablando 😀​

Este tipo de mecanismos apareció por primera vez definido en el «Webster’s Third New International Dictionary» como:

«Llevar a cabo algo, de una manera redundante y extremadamente compleja, que real o aparentemente podría ser hecho de una manera mucho más simple».

La expresión se ha fechado en Estados Unidos alrededor de 1930 para describir las ilustraciones de «absurdas máquinas conectadas» que hacía Rube Goldberg. Desde entonces, el significado de la expresión se ha ampliado para denotar cualquier forma de sistema excesivamente confuso o complicado.

Rube Goldberg ideó y dibujó a lo largo de su vida varios de estos sistemas «patafísicos«. La patafísica es un movimiento cultural francés de la segunda mitad del siglo XX vinculado al surrealismo. El nombre proviene de la obra «Gestas y opiniones del doctor Faustroll» de Alfred Jarry. A raíz de su lectura, algunos admiradores empezaron a practicar una ciencia paródica llamada patafísica, dedicada «Al estudio de las soluciones imaginarias y las leyes que regulan las excepciones».

En este vídeo podemos ver como el propio Rube Goldberg dibuja uno de los sistemas o mecanismos que pasarían a la historia por ser siempre tan peculiares, en muchos casos surrealistas y muchas veces humorísticos.

Las máquinas de Goldberg generalmente tienen al menos diez pasos o niveles que superar y el factor de la anticipación es una característica determinante en ellas. El hecho de que algo tan absurdo esté sucediendo solamente puede ser superado por el hecho de que, además, suceda de una manera incierta.

Os dejamos otros ejemplos ilustrativos de Máquinas de Goldberg en acción.

Y el célebre anuncio de Honda dirigido por Antoine Bardou-Jacquet en el año 2003.

En las películas y cortos de animación de Wallace & Gromit se suelen ver muchas escenas inspiradas en los mecanismos de las máquinas de Goldberg como esta de la película «Los pantalones equivocados».

De acuerdo con el autor Alan Hess en su libro Googie: Fifties Cofee Shop Architecture, el origen del nombre Googie se sitúa en 1949 cuando el arquitecto John Lautner diseñó una cafetería con el nombre de «Googie’s» que tenía las características arquitectónicas de las que hemos hablado. Esta cafetería estaba en la esquina de Sunset Boulevard y Crescent Heights en Los Ángeles y fue demolida en la década de los 80. En el libro de Alan Hess, el autor expone que el profesor Douglas Haskell de la Universidad de Yale y el fotógrafo arquitectónico Julius Shulman conducían por Los Ángeles cuando se detuvieron delante de Googie’s y Haskell proclamó «esto es la arquitectura Googie». Posteriormente, el profesor escribió un artículo en 1952 en la revista House and Home y se refirió al tipo de arquitectura como Googie, pasando a estandarizar la denominación.

El Theme Building es un ejemplo de edificio de diseño futurista influenciado por el estilo de arquitectura Googie. Está situado en el Aeropuerto Internacional de Los Ángeles. Se inauguró en 1961.

La torre The Space Needle (la Aguja Espacial) de Seatle es un excelente exponente de la arquitectura de estilo futurista llamada Googie. Fue construida en 1962 en el centro de la ciudad y es un proyecto de Edward E. Carlson.

Uno de los primeros restaurantes McDonalds abierto en Chicago Illinois en 1955, ejemplo de arquitectura Googie.

La influencia del estilo Googie ha sido muy grande y constante, alimentándose de distintas fuentes y generando numerosos iconos tanto en forma de objetos como arquitectura o audiovisuales dando lugar a lo que conocemos hoy en día como estilo retro-futurista al cuál se recurre una y otra vez como fuente de inspiración. De la influencia Googie han nacido por ejemplo, los dibujos animados de The Jetsons (Los Supersónicos) y la zona Tomorrowland del parque de atracciones Disneyland de Anaheim en California, el único construido bajo la supervisión del mítico Walt Disney. También podemos citar la lámpara lava inventada en 1963 por Edward Craven-Walker, fundador de la empresa de iluminación Mathmos, que fue comercializada en 1965 con el nombre de «Astro Lamp».

La película «Los Increíbles» de Pixar es otro ejemplo de la influencia del estilo de diseño Googie, que podemos apreciar de manera clara, tanto en la arquitectura como en diferentes objetos y mobiliario que aparecen en esta obra maestra de la empresa que lo cambió todo 😉.

En este vídeo se puede apreciar la gran influencia que el estilo de arquitectura Googie ha tenido en la realización de la película de Pixar «Los Increíbles».

Anton Corbijn es un fotógrafo, director de cine y vídeos musicales que nació en la ciudad de Strijen en Países Bajos el 20 de mayo de 1955. Muchas de sus obras son hoy iconos de la cultura contemporánea.

Anton Corbijn acudía frecuentemente a conciertos en los que se ejercitaba como fotógrafo. En 1979 se mudó a Londres y pronto empezó a trabajar con grupos como Joy Division y Public Image Ltd (PIL), la banda de post-punk encabezada por John Lydon (Johnny Rotten), ex-miembro de los míticos Sex Pistols. Al mismo tiempo Corbijn hacía también trabajos para revistas como Vogue y Rolling Stone.

Corbijn continuó su evolución profesional y comenzó a realizar vídeos musicales para grupos diversos, entre ellos, ha sido el responsable de «Personal Jesus» de Depeche Mode, «One» de U2 y «Heart-Shaped Box» de Nirvana.

El abanico artístico de Corbijn fue poco a poco desplegandose y desarrollandose, como muestra, desde el año 1993 se encargó de diseñar las escenografías de las giras mundiales de Depeche Mode.

«Control» del año 2007 supone su primera incursión en la dirección cinematográfica. La película que se estrenó en 2009 está basada en el libro «Touching From A Distance», que escribió Deborah Curtis, la mujer de Ian sobre la vida del líder del mítico grupo Joy Division.

Escena de la interpretación de la canción «Disorder» de Joy Division en la película «Control» de Anton Corbijn.

En el año 2010 se estrenó otra película suya, «El Americano» protagonizada por George Clooney.

En el 2014 el estreno fue de “A Most Wanted Man”, un thriller de espionaje.

En 2015 fue el turno de “Life”, un film que trata sobre la amistad entre el actor James Dean y el fotógrafo Dennis Stock.

En el año 2013 se estrenó el documental sobre su vida, dirigido por el director Klaartje Quirijns, «Anton Corbijn Inside Out», en él se recogen testimonios de Corbijn mientras viaja por todo el mundo y expone las dificultades por las que tiene que pasar para desarrollar su carrera profesional frente a la vida solitaria que tiene.

El trabajo de Corbijn se adentra también en terrenos como la moda, recientemente se ha publicado el libro MOOD / MODE en el que se recogen fotografías que exploran el mundo de la moda desde diferentes vertientes y demostrando que esta, está en todas partes. En el libro aparecen retratos de Alexander McQueen, Tom Waits, Kate Moss, Naomi Campbell, Donatella Versace, James Brown, Björk y Clint Eastwood entre otros. Muchos de estos retratos se han convertido hoy en día en iconos de la cultura pop.

El particular estilo de Anton Corbijn y el uso principalmente del blanco y negro en sus fotografías y trabajos se ha convertido en un estándar de la industria musical y una parte fundamental del lenguaje visual de los años 80 y 90, que continúa también evolucionando en el siglo XXI. En los trabajos que realiza se ve influenciado directamente por las personas a las que retrata o con las que trabaja, incorporando en ellas el aspecto de la amistad y cercanía que siente por muchos de ellos como Bono de U2, Michael Stipe de REM, Dave Gahan de Depeche Mode que lo considera una parte esencial y miembro fundamental de su grupo.

Y en nuestro particular homenaje al gran fotógrafo y artista holandés, no podían faltar fotografías tomadas por la cámara de Corbijn de artistas como Nick Cave, Keith Richards y los Rolling Stones, Patti Smith, Siouxie and the Banshees, Morrissey, Neil Young, David Bowie, Patti Smith y Luciano Pavarotti… por poner tan sólo algunos ejemplos.

El libro «Anton Corbijn 1. 2. 3. 4» recoje algunos de sus más importantes trabajos en más de 4 décadas de trayectoria, incluyendo fotos inéditas como por ejemplo del fallecido Joe Cocker.

Fotografías de David Bowie de Anton Corbijn.

No te pierdas los siguientes vídeos con entrevistas y comentarios de Anton Corbijn para conocer más de cerca al artista y su obra:

«Cómo me convertí en fotógrafo».

En el siguiente vídeo, el propio Anton Corbijn nos presenta el libro de Taschen «Depeche Mode by Anton Corbijn» con más de 500 fotografías de los archivos personales del artista, algunas nunca antes publicadas, así como diseños de escenografías, bocetos, portadas de álbumes y observaciones personales de Corbijn. En este volumen de coleccionista firmado por Corbijn y la banda se puede apreciar visualmente el gran impacto que ha tenido su obra en la trayectoria del grupo.

En esta playlist de YouTube encontraréis por orden cronológico, prácticamente todos los vídeos (80) realizados por Anton Corbijn.

Recientemente se ha lanzado, con motivo del 20 aniversario del álbum de U2 «All That You Can’t Leave Behind», una edición especial de lujo, «Super Deluxe Vinyl Box set», diseñada por Anton Corbijn que incluye «Walk On: A Travelogue by Anton Corbijn».

Podéis profundizar en la obra del gran fotógrafo y artista Anton Corbijn en su página web: www.antoncorbijn.com

Okuda cuenta en su haber con intervenciones murales y escultóricas, exposiciones en galerías y museos que han podido ser disfrutadas en los cuatro continentes. Destacan logros como el de ser el primer artista contemporáneo requerido para la creación de la Falla Municipal de Valencia; su espectacular itinerario de esculturas por el paseo marítimo de Boston; o su participación en Titanes, proyecto de inclusión social a través del arte.

Okuda San Miguel trabaja sobre lienzo a los que añade elementos como bordado, collage o esmaltes. No obstante, su insaciable sed de creación le ha llevado a experimentar con otros formatos como la escultura, la fotografía o el vídeo.

El uso del color es fundamental en todas las obras de Okuda, elemento que sin duda lo convierte en un artista muy particular. Las formas geométricas es también un recurso muy utilizado en todas las creaciones de Okuda que entremezcla con formas orgánicas, dando lugar a una simbología que anima a la reflexión a través de piezas que podrían clasificarse como Surrealismo Pop, pero con una clara esencia de la cultura urbana. Las obras del artista Okuda San Miguel buscan inspirar al espectador, planteando cuestiones universales y dejan en manos del público la interpretación final de las mismas.

Según el artista declara, «Lo más especial de trabajar en la calle es conocer nuevos lugares, transformarlos con una pintura o una escultura, e inspirar a la gente que vive allí. Es decir, lo que viene siendo el poder transformador del arte y su capacidad para mejorar el entorno. Por tanto, mi mayor motivación procede de la ilusión por seguir conociendo nuevos países, nuevas culturas y nuevas gentes, lo que a su vez se traduce en un profundo interés por propiciar la retroalimentación cultural.»

Okuda es una persona tremendamente hiperactiva, «Necesito crear para ser feliz. De ahí la exigencia auto-impuesta de hacer crecer y madurar mi obra de estudio a través de la seriedad y el compromiso con la misma, independientemente de que se venda o no. Trabajo en nuevas cosas todo el tiempo ya que no quiero dejar de evolucionar. Por ejemplo, mi trabajo escultórico nace de mi necesidad de ver mis pinturas cobrar vida en 3 dimensiones y poder así plantear un espacio expositivo que no se basara únicamente en la pintura.»

Okuda nos explica que «El trabajo en la calle conlleva una comunicación directa con todo tipo de gente; mientras, el trabajo en estudio es más íntimo. No obstante, tanto en el espacio público como entre cuatro paredes, disfruto al máximo juntando mundos dispares entre sí. Me inspira todo lo que me rodea: amigos, viajes, música, la calle, la noche, el cine… A modo de resumen, pienso en mí mismo como un artista inconformista, autor de obras, de gran formato en el espacio público y en un formato más asequible en el estudio, fragmentadas en formas geométricas y con una fuerte policromía.»

Vídeo en el que se puede ver el proceso de realización de Animal Magical, una de las piezas de la intervención de Okuda en colaboración con Goldman Global Arts (GGA) en el puerto de Boston. Okuda participó creando un fondo de arcoíris como atmósfera de diversidad donde encontramos animales en diferentes estados de transformación en seres mágicos, una referencia a las culturas antiguas que tenían una mayor conexión con la naturaleza al adquirir la identidad de los animales en sus rituales. La composición pretende resaltar la necesidad de encontrar hoy en día una relación más equilibrada entre los animales y los humanos.

Según Okuda sigue explicándonos, «Mi estilo procede de una larga y sustancial evolución, desde el lettering que practicaba cuando comencé a crear en la calle y su consiguiente evolución hacia las posteriores formas geométricas trabajadas en el estudio. Una vez comencé a estudiar historia del arte, el surrealismo se convirtió en mi primer amor; me siento identificado con artistas como Dalí o Magritte y soy también admirador de artistas japoneses como Keiichi Tanaami o Tomokazu Matsuyama, quienes exploran una moderna versión del mismo; no obstante, por encima de ellos siempre sitúo a El Bosco, y su obra “El Jardín de las Delicias”, como principal referencia. Estas influencias hacen que mi obra pueda definirse como composiciones surrealistas con una fuerte inspiración procedente de culturas antiguas mezclada con iconos contemporáneos y mi pasado en el graffiti.»

Otra vertiente en la trayectoria del artista es la que se ha dejado seducir por la intrínseca relación entre arte y paisaje urbano. Desde su punto de vista, lo interesante es jugar con la arquitectura y ver cómo puedes hacer de sus ventanas, ojos, y de sus muros, historias. En su caso, esto se traduce en la combinación de arquitectura clásica y pintura contemporánea en muchos de sus trabajos en el espacio público. Uno de sus objetivos principales es hacer de esa unión, no solo un elemento artístico sino también uno habitacional/vivencial, en el cual las personas puedan convivir.

A Okuda le gusta trabajar sobre variadas formas humanas y animales y con el significado de cada una de ellas, así como también con las posibles mutaciones entre animales y humanos, jugar con sus escalas y dar lugar a imposibles criaturas digitales; al mismo tiempo, tiende a colocar en un mismo nivel al hombre y a la naturaleza y de esta forma, lograr una suerte de equilibrio universal… En el fondo, esta es una manera metafórica de definir a Dios. Algunos de sus iconos favoritos son, la calavera como símbolo de vida y la paloma como símbolo de libertad.

Desde los comienzos de Okuda en el mundo del graffiti, ha colaborado con otros artistas, esta clase de colaboraciones, de hermandad, como el mismo define, son habituales en artistas de este ámbito y es algo que quiere conservar: «Trabajar junto a otros artistas es como llevar mi arte a otros mundos».

Para Okuda, «El caos es la libertad de elegir nuestro propio camino y disfrutar del viaje. Hagámoslo a nuestra manera». Así resumió el artista la idea de Kaos Garden, la fiesta que debutó en Amnesia Ibiza en 2019 con motivo del lanzamiento de elrow’art y continuó en Miami y Nueva York. El público juega un papel activo en esta fiesta única, interactuando con el mundo de fantasía surrealista de Okuda inspirado en el cuadro de El Bosco «El Jardín de las Delicias». El espectáculo se acompañó de un set de cinco horas especialmente elaborado para la ocasión por el Dj. Paco Osuna. Elrow’art es una iniciativa de Ink and Movement y Elrow que busca unir a artistas y público a través de experiencias únicas.

En el aspecto conceptual de sus obras, Okuda hace una declaración en la que expone que «Mi obra invita a la reflexión sobre temas que nos afectan a todos, con un mensaje optimista que invita a adentrarse en un mundo mágico. Por otro lado, me considero un artista que ha trasladado la estética del pensamiento de nuestros días al espacio público. A través de mi arte hablo acerca del pasado y del futuro, de la modernidad y de nuestras raíces, y la capacidad del ser humano para transformar la naturaleza. El color representa para mí la multiculturalidad, el multi-género, la pluralidad… Todas las banderas, todas las razas, todos los géneros están ahí representados. El color es mi psicología de andar por casa y, a través del uso de todos ellos, hablo acerca de que no dejamos de ser, en realidad, uno. Por otro lado, con la geometría hago referencia a la modernidad, a lo digital. De esta manera, a lo largo de mi trayectoria la comunicación entre lo orgánico/natural y lo futuro/artificial es constante, en contraposición a la sociedad moderna, que ha cortado toda comunicación con su espiritualidad y le falta al respeto a la naturaleza, lo que bien puede traducirse en su propio fin.»

Finalmente, Okuda afirma que «Tanto en el estudio como en la calle, no me gusta dar mensajes cerrados pero sí hablo de temas universales. Yo intento abrir caminos en lugar de tratar de dar respuestas cerradas. Desde mi punto de vista, lo importante no es la solución sino el camino hacia la misma. Por ello, el mío no es un mensaje cerrado sino abierto a interpretaciones, tanto del que ve mi obra paseando por la calle como del que la observa expuesta.»

Como hemos podido apreciar, Okuda San Miguel es un artista con un gran transfondo interior en todas sus obras, que no son realizadas de un manera simple y banal sino fruto de una reflexión profunda, de tener en cuenta sus convicciones y raices y los diversos aspectos que le rodean y le preocupan.

Os invitamos a seguir a este gran artista y conocer sus últimos trabajos visitando su página web: https://okudasanmiguel.com/