Con este galardón, Mujeres de Cine reconoce la excepcional versatilidad y el gran talento interpretativo de una de nuestras actrices más emblemáticas, cuya extensa y fundamental carrera es ya memoria viva del cine español.

El acto de entrega tendrá lugar en la Academia de Cine el viernes 10 de octubre y contará con la presencia de destacadas personalidades del mundo de la cultura.

El Premio Mujer de Cine a Ángela Molina se completa con una retrospectiva online que reúne algunos de sus títulos más celebrados. Estará disponible con acceso gratuito del 10 al 17 de octubre a través de la plataforma VOD Mujeres de Cine.

El Premio Mujer de Cine es posible gracias a la colaboración de la Academia de Cine, el patrocinio del Instituto de las Mujeres y al apoyo del Ayuntamiento de Madrid.

“El cine es la poesía de la vida. Siempre va a estar descubriéndonos a nosotros mismos. Es el arte con un compendio de muchos”. ÁNGELA MOLINA Premio Mujer de Cine 2025

ÁNGELA MOLINA es una de las actrices más queridas y relevantes del cine español, así como una de las más reconocidas a nivel internacional. 50 años de interpretación respaldan su prolífica trayectoria profesional que abarca desde los años setenta hasta la actualidad y que se caracteriza por la versatilidad y la intensidad de sus interpretaciones, lo que la ha llevado a trabajar con algunos de nombres más destacados de nuestra cinematografía como Luis Buñuel, Josefina Molina, José Luis Borau, Manuel Gutiérrez Aragón, Jaime Chávarri o Pedro Almodóvar.

Con solo 22 años, Luis Buñuel la eligió para protagonizar Ese oscuro objeto del deseo, película que le proporcionó renombre internacional y le abrió las puertas de la cinematografía europea. Llegada la transición, Ángela Molina intenta desvincularse del auge comercial del “cine del destape” y enfoca su carrera hacia producciones que reúnen calidad y compromiso, a menudo de temática social, política o histórica, motivada por el pensamiento que acompaña cada guion. 

En la década de los ochenta, reafirmó su presencia internacional de la mano de Gillo Pontecorvo, Marco Bellocchio o Lina Wertmüller. 

Desde entonces, su talento interpretativo vivo y enigmático han sido reclamo de otros grandes nombres como Alain Tanner, Ridley Scott, Giuseppe Tornatore o Costa Gavras, entre otros.

En 1985 se le concedió el Gran Premio de la Crítica de Nueva York, desde entonces han sido numerosos los premios y reconocimientos recibidos, entre los que destacamos el David de Donatello, la Concha de Plata, la Medalla de Oro al Mérito en las Bellas Artes, el Premio Nacional de Cinematografía o el Goya de Honor a toda su trayectoria en 2021. 

Ha sido nominada en 5 ocasiones a los premios Goya y ha formado parte del Jurado de Festivales tan importantes como Cannes, Berlín, Venecia o San Sebastián.

En los últimos años ha perfilado una sugestiva colaboración con algunas de las voces más preeminentes de nuestra cinematografía reciente como Isaki Lacuesta, Carla Simón o Carlos Marqués-Marcet. 

2025 reafirma su presencia internacional y madurez interpretativa con el estreno de El último suspiro, de Costa Gavras,  The Return, de Uberto Pasolini, 100 questions, 50 lines de Philippe Parreno y Cosmos, de Germinal Roaux (Premio Especial del jurado en el Festival de Ginebra).

“Premiar a Ángela Molina es premiar nuestro patrimonio cinematográfico, porque nadie mejor que ella representa la riqueza, la diversidad y la memoria viva del cine español. Josefina Molina recibió el primer Premio Mujer de Cine hace 15 años y hoy sentimos que se cierra un círculo al celebrarlo en Ángela, recordando a estas dos grandes mujeres cineastas que tuvieron la oportunidad de coincidir en la imprescindible Esquilache. Ángela encarna todo lo que representa Mujeres de Cine: independencia, autoría, compromiso e inspiración”, declaran Ana Palacios y Diego Rodríguez (codirectores de Mujeres de Cine).

El Premio Mujer de Cine a Ángela Molina se completa con una retrospectiva online que reúne algunos de sus títulos más celebrados. Estará disponible con acceso gratuito del 10 al 17 de octubre a través de la plataforma VOD Mujeres de Cine.

Desde sus inicios en 2011, Mujeres de Cine ha mostrado su compromiso de reivindicar a las mujeres dentro de la industria cinematográfica a través de la entrega anual del Premio Mujer de Cine, galardón honorífico que tiene como objetivo hacer una relectura de la historia del cine español desde una perspectiva de género. La entrega de este premio es un homenaje la aportación de las mujeres en la industria, que gracias a su gran trabajo garantizan un cine plural y diverso a la vez que pone de manifiesto la presencia de mujeres protagonistas en cargos de responsabilidad.

Entre nuestras premiadas se encuentran Josefina Molina, Cecilia Bartolomé, Carmen Frías, Yvonne Blake, Mercedes Sampietro, Isabel Coixet, Esther García, Iciar Bollaín o María Zamora.

El Premio Mujer de Cine es posible gracias a la colaboración de la Academia de Cine, el patrocinio del Instituto de las Mujeres y al apoyo del Ayuntamiento de Madrid.

Quién es
Nacido en Fiesole (Florencia) en 1979, Villoresi es director, animador y artista visual con una trayectoria que cruza publicidad, videoclips y cine de arte. Su trabajo se reconoce por una sensibilidad onírica y un gusto por el truco “ante la cámara”, sin depender en exceso de la postproducción.

Rasgos del estilo

Efectos in-camera y miniaturas: mecanismos, dioramas y sets construidos a mano que crean una textura táctil. Dispositivos precinematográficos: zootropos y fenacistiscopios reimaginados, que dan ritmo y una cualidad hipnótica a la imagen. Fantasmagoría contemporánea: mezcla de técnicas analógicas con recursos actuales para producir una estética surreal entre la vigilia y el sueño.

Obra y proyectos destacados

Exposiciones recientes: Animagia (solo show, 2023) y Le avventure della visione en IULM / Fuorisalone 2024, centradas en su “teatro mágico” de aparatos ópticos y efectos realizados durante el rodaje.

Marcas y colaboraciones: piezas artesanales para casas como Louis Vuitton, Fornasetti o Kartell, que integran escultura, stop-motion y miniaturas.

Publicidad reciente: film de marca para Pellini Caffè, donde la puesta en escena y los trucajes ópticos realzan lo sensorial.

Villoresi ha fundado la productora Fantasmagoria y desarrolla Orfeo, adaptación de Poema a fumetti de Dino Buzzati. El proyecto se ha mostrado en exposiciones y ha estado presente en el circuito de Venecia 2025 con entrevistas y cobertura reciente.

En tiempos dominados por el 3D y el VFX, su obra reivindica la magia de los artificios físicos: la mano del artesano, el truco visible y la emoción rítmica (herencia de su formación artística), convirtiendo cada plano en un pequeño acto de ilusionismo contemporáneo.

Podéis obtener más información sobre la obra de Virgilio Villoresi en su página web www.virgiliovilloresi.com y a continuación puedes ver algunas muestras representativas de su trabajo y estilo.

Pieza breve de marca realizada por el cineasta y animador italiano Virgilio Villoresi para Pellini Caffè. Concebida como un micro-film publicitario, combina artesanía visual y trucajes analógicos con un acabado contemporáneo, fiel al lenguaje onírico y de miniaturas que caracteriza al director. Vimeo+2Vimeo+2

Producción y equipo
Proyecto creado para Pellini con Next14 (agencia) y Black Mamba Productions (producción). Dirección de arte de Paolo Casti y food styling de Alexandra Olenina, lo que refuerza la dimensión sensorial del café en escena.

Proceso y técnicas
Villoresi recurre a efectos ópticos in-camera, escenografías en miniatura y mecánicas precinematográficas para generar transiciones “mágicas” sin depender del 3D, priorizando la artesanía del set y la sincronía con el sonido. Este enfoque, habitual en su obra, busca un aura táctil y poética que dialoga muy bien con el universo de marca de una torrefazione italiana.

Datos clave

Formato: brand film / spot de corta duración (≈1 min).
Vimeo

Director: Virgilio Villoresi.
Vimeo

Cliente: Pellini Caffè.
virgiliovilloresi.com

Agencia / Producción: Next14 / Black Mamba Productions.
virgiliovilloresi.com

Dirección de arte: Paolo Casti.
Facebook

Año: 2023 (publicado el 17 de mayo)

Pellini BlendAbility – Intervista Casti-Villoresi

Acqua di Parma by Virgilio Villoresi

Valentino Garavani – OZ by Virgilio Villoresi

Fornasetti’s Home — miniaturas, trampantojos y atmósfera onírica en la casa Fornasetti.

Fornasetti — Trumeau — stop-motion con objetos y dispositivos ópticos.

Fine (2012) — relato “pintado en la mano”; pieza icónica y Staff Pick.

Louis Vuitton – Holiday — micro-film navideño con sets artesanales.

Making-of Louis Vuitton: Enchanted World of Gifts — proceso y trucajes del spot.

Etro — Magic Tailoring (2024) — taller que cobra vida en stop-motion

Dsquared2 Eyewear — stop-motion de producto con humor mecánic

Bulgari — Viper — coreografías de objetos y joyería

Moncler — Ocean Green — escenografías miniatura y control de cámara.

Zootrope — Alessi Moka — demostración de zootropo aplicado a marca.

Zara Home — Blooming Dining Room — dioramas florales y metamorfosis de mesa.

Liam Young nació en Perth, Australia, y es conocido por su trabajo en la intersección de la arquitectura, el cine/animación y la ciencia ficción. Young es profesor de arquitectura y ciencia ficción en la Universidad de Columbia y es fundador de la empresa de diseño futurista Tomorrow’s Thoughts Today. Ha realizado proyectos y presentaciones en eventos y festivales de arte a nivel internacional, incluyendo el Festival de Arte Digital Sundance y el Festival Internacional de Cine de Venecia. Sus trabajos abordan temas como la privacidad, la vigilancia y la tecnología emergente.

El trabajo de Liam Young se centra en la exploración de las tecnologías emergentes y cómo estas pueden afectar a la forma en que vivimos y a nuestra relación con el mundo que nos rodea. Young ha creado una serie de proyectos artísticos y arquitectónicos innovadores, incluyendo la instalación «Tomorrow’s Thoughts Today», que imagina un futuro distópico en el que la tecnología ha sido utilizada para controlar y monitorear a las personas. También ha trabajado en proyectos de arquitectura futurista, como la «Ciudad Invisible», que imagina una ciudad completamente transparente y auto-suficiente. Además de su trabajo en el campo del arte y la arquitectura, Young es también profesor y conferenciante y ha dado charlas en todo el mundo sobre sus proyectos y su visión del futuro.

Algunas de las principales obras de Liam Young son:

Tomorrow’s Thoughts Today: Esta es una instalación de arte digital que imagina un futuro distópico en el que la tecnología ha sido utilizada para controlar y monitorear a las personas. La obra se presentó en el Museo de Arte Contemporáneo de Londres en 2011.

Ciudad Invisible: Una propuesta de arquitectura futurista que imagina una ciudad completamente transparente y auto-suficiente. La Ciudad Invisible fue presentada en la Bienal de Venecia en 2014.

The Invisible City: Película documental dirigida por Young que explora cómo la tecnología está transformando la forma en que vivimos en la ciudad. La película se estrenó en el Festival de Cine de Sundance en 2015.

The New Human: Serie de conferencias y charlas que Young ha impartido en todo el mundo sobre cómo la tecnología está transformando nuestra relación con el mundo que nos rodea.

The Human Condition: Proyectos artísticos y arquitectónicos que exploran cómo la tecnología está transformando nuestra relación con el mundo natural.

Liam Young se inspira en una amplia gama de fuentes para crear sus obras. Algunas de las principales fuentes de inspiración de Young incluyen:

-La tecnología emergente y cómo esta puede afectar a la forma en que vivimos y a nuestra relación con el mundo que nos rodea.

-La literatura de ciencia ficción y las obras de autores como William Gibson y J.G. Ballard, que han explorado temas como la tecnología y la futuridad en sus obras.

-La arquitectura y el diseño futurista, y cómo estos pueden contribuir a la creación de nuevos espacios y formas de vida.

-La política y la sociedad, y cómo estos factores pueden influir en el desarrollo y el uso de la tecnología.

-Los avances científicos y tecnológicos, y cómo estos pueden tener implicaciones para el futuro de la humanidad.

Young utiliza estas fuentes de inspiración para crear obras que cuestionan y exploran los posibles escenarios futuros y analizan cómo la tecnología y otras fuerzas, pueden afectar a nuestra forma de vivir.

En esta charla TED «Ciudad Planetaria, una visión con ciencia ficción de un extraordinario futuro regenerativo», Liam nos transporta a una representación de «ciudad planetaria del futuro» en la que la ciencia ficción y la predicción basada en datos científicos se mezclan a partes iguales. Así, el director y arquitecto Liam Young imagina una metrópolis de 10.000 millones de personas y explora las diferentes posibilidades de un espacio urbano diseñado para albergar a toda la población del planeta. Liam imagina lo que es posible y sostenible para el planeta.

Os invitamos a conocer de cerca la obra de este genial artista en su página web: https://liamyoung.org/

Los NFT o tokens no fungibles son un tipo de token que son únicos y su carácter único se puede probar, son indivisibles, son transferibles y nunca se terminan. Contrastan con criptomonedas como el bitcoin y otros tokens que son fungibles por naturaleza, es decir, se pueden usar y cuando se usan, se terminan y se sustituyen por otros.

Los tokens no fungibles se utilizan para certificar algo que tiene una escasez digital verificable y para otorgar una propiedad digital que se podrá traspasar de unos propietarios a otros, pero no podrá tener varios propietarios.

Los NFT son perfectos para utilizar en aquellas situaciones en las que se requieren artículos digitales únicos como por ejemplo, el criptoarte o arte digital, los contenidos digitales de todo tipo que necesitan verificación de propiedad intelectual o los juegos en línea.

El blockchain es una plataforma que inicialmente fue creada para realizar transacciones con criptomonedas y algunos juegos online como CryptoKitties (https://www.cryptokitties.co) alcanzaron el éxito usando NFTs en Ethereum, un tipo de blockchain que es una plataforma de código abierto descentralizada y de acceso equitativo que sirve para programar contratos inteligentes y en la que se pueden crear nuevos tipos de aplicaciones pues los programadores pueden programar sobre ella. Esta plataforma de Ethereum está viva y nadie puede hackearla debido a que está “repartida” por toda la red y entonces es muy segura y sirve para otorgar títulos de propiedad, con lo que, en el caso del juego, este se puede desarrollar sin que nadie haga trampas, con certificado de propiedad de tus herramientas o armas, etc.

La tecnología blockchain organiza la información en una cadena de bloques descentralizada, cada uno vinculado al anterior criptográficamente, todos están inter-relacionados como en una tela de araña. Para cambiar los datos contenidos en uno de los bloques es necesario romper todos que se colocaron detrás de él, por lo que, en la práctica, las redes blockchain no se pueden hackear. No se pueden modificar los datos escritos en la cadena porque todos los miembros de la red se enterarían.

Los NFT o tokens no fungibles se utilizan también para representar elementos de videojuegos que son controlados por el usuario en lugar del desarrollador del juego. Esto permite que dichos activos pasen a ser propiedad del jugador y que se negocien en mercados digitales sin el permiso del desarrollador del juego.

EL MERCADO DEL ARTE Y LOS NFTs

El arte ha sido y será siempre un campo muy propicio para usar la tecnología NFT y blockchain en general, debido a su funcionalidad para proporcionar pruebas de autenticidad y propiedad de una obra de arte digital que queda de esta manera cubierta ante cualquier posibilidad de reproducción masiva o de distribución no autorizada a través del internet o de cualquier otro medio. Sólo hay una obra original y auténtica, sólo hay una obra que tiene valor (o más valor), las demás obras que puedan surgir serán copias y no están autorizadas.

Existen plataformas como Superrare https://superrare.co/ Nifty Gateway (https://niftygateway.com/) Rarible https://rarible.com/ o Fumigene https://fumigene.agency/ que se han especializado en las transacciones mercantiles de arte digital y desde las cuales se puede comprar, vender o subastar obras de arte haciendo uso de moneda virtual o lo que es lo mismo, a través de herramientas de pagos basadas en blockchain como Ethereum, herramientas tales como https://metamask.io/ o https://www.myetherwallet.com/

Y no podemos olvidar a OpenSea https://opensea.io/ uno de los mayores marketplace de NFTs.

En febrero de 2021, el artista digital estadounidense Beeple fue el primero en colocar una obra de arte NFT en la mítica casa de subastas Christie’s, la obra “Everydays. The first 5000 days» fue subastada por una gran suma de dinero. Sin embargo, todavía hoy las casas de subastas negocian las piezas a la manera tradicional, con dinero contante y sonante pero, lo que están subastando, sí es una pieza digital certificada como única por medio de los tokens no fungibles o NFT.

Las posibilidades de uso de los NFT en el arte digital son inmensas, a partir de ahora se podrá certificar una obra original que nadie, salvo un único propietario, podrá poseer. Esa obra será la auténtica y aunque se pueda hacer una reproducción, será solamente una copia y no la original. Esto sin duda implica un cambio de mentalidad en el público que deberá producirse de manera pararela al desarrollo de esta nueva tecnología.

¿Por qué me voy a preocupar de si mi obra no es la original si es exactamente igual que ella?

El primer componente que entra en juego es la propiedad o autoría de la obra, sólo el autor puede dar fe de una obra como original o la primera, después este autor la puede vender o traspasar pero a otra única persona. Debemos aprender a dar valor a esta circunstancia, el trabajo intrínseco, físico e intelectual del artista, se ve recompensado de alguna manera, puede sentirse a partir de ahora satisfecho, aunque sea solamente por el hecho de poseer este certificado, este reconocimiento de que su obra es original. Obtiene en este momento al menos un valor moral y un valor superior en todos los sentidos, aunque hasta este momento, no precisamente tenga que ser económico. El valor que puede alcanzar esta obra única es superior al que podría obtener si pone en el mercado todas las obras o copias que el mismo haya hecho o que se hayan hecho sin su aprobación por parte de terceras personas. El artista controla su obra y le otorga valor.

El público debe comprender este nuevo paradigma y no conformarse con una copia. Podemos tener una copia del Guernica de Picasso en nuestra casa, pero la propiedad del Guernica es del estado español en este caso y esto lo tenemos que asimilar de igual manera que tenemos que asimilar que la pirateria es delito, que hacer copias sin autorización está prohibido. ¿Quién nos va a prohibir hacer una copia del Guernica? ¿Por qué no puedo tener una copia del Guernica en mi casa?

Los mismos dilemas siempre presentes en el mundo del arte se plantean ahora con las obras certificadas como únicas por los token no fungibles o NFTs. Algo intrínseco a la historia del arte, pero por lo menos ahora sí que podremos dar fe y tener claro cuál es la obra original y la que por supuesto más valor debería tener. Debemos empezar a asimilar también el valor de las cosas virtuales.

El arte y el diseño ya no serán lo mismo a partir de ahora, así mismo, el impacto que tendrán los tokens no fungibles o NFT en la industria de los contenidos será trascendental pues se podrá dar valor legal a las piezas originales e identificar de una manera más clara las que no lo son que quedarán expuestas con las consecuencias que se puedan derivar.

Los NFT nacieron en 2013 y poco a poco cada vez más artistas se van animando a certificar y comerciar con sus obras digitales por este medio, alcanzando cotizaciones que nunca hubieran llegado a pensar.

Estamos acostumbrados desde siempre a ver como en el mercado del arte, unas veces por capricho, por esnobismo o por especulación, algunas piezas han alcanzado valores desorbitados y ahora, en este nuevo mercado que surge de los token no fungibles o del criptoarte está sucediendo igual, ya sea por esas mismas actitudes o por la propia novedad de la tecnología y tendencia. Se ha despertado un interés inusitado y día a día asistimos a una carrera de compras y ventas que no deja de sorprendernos y de batir records.

Otra famosa casa de subastas, Sotheby’s ha vendido recientemente por 1,36 millones de dólares una obra NFT consistente en un píxel de 1×1 de color gris de la artista Pak (una obra de 1 pixel de anchura x 1 píxel de altura de color gris). ¿Es esto un capricho? ¿Es esto esnobismo? ¿Es especulación? ¿Es postureo? ¿Qué es?

El artista granadino Javier Arres es uno de los artistas españoles pioneros en el uso de los NFT o tokens no fungibles para comercializr su obra.

Arres sacó recientemente a subasta una colección de piezas (visual toys) por las que ha obtenido una cantidad de dinero que no hubiera podido imaginar. Sus visual toys consistentes en gifs animados se habían expuesto anteriormente en museos y galerías pero, aunque al público le gustaban mucho, no era capaz de venderlos. Hasta que incorporó el componente de «sello de autenticidad» que otorgan los NFTs. La tecnología echando una mano a los artistas, ha nacido el criptoarte.

Colección de Gifs animados de Javier Arres «Visual toys».

Si queréis ampliar información sobre qué son los NFT o qué son los tokens no fungibles, os invitamos a ver estos vídeos:

En esta entrevista el arquitecto y diseñador japonés Oki Sato nos habla sobre su enfoque lúdico del diseño y nos muestra algunos de sus proyectos.

En este otro vídeo, Oki Sato nos deja pensamientos y reflexiones sobre el trabajo, el éxito y los valores como el siguiente: «Hay como una Diosa… que te sonríe. Y existen personas que están esperando a la Diosa, entonces la Diosa nunca te mirará. Pero si te estás enfocando en otra cosa, estás trabajando muy duro en lo que realmente te gusta, sin esperar nada más a cambio, entonces esta Diosa se pone celosa y viene hacia ti, te lleva al éxito de alguna manera. Así que las personas que buscan el éxito, nunca lo logran. Pero las personas que se concentran en lo que hacen y disfrutan de lo que que están haciendo, al final, creo que están muy cerca del éxito».

Oki Sato es reconocible por su manera de vestir, camisa blanca, pantalón negro y chaqueta negra, un vestuario minimalista y acromático reflejo de su estilo sosegado. En el vídeo Sato nos explica que este vestuario es consecuente con su idea de repetición, de repetir en su vida tanto como sea posible, de esta manera él cree que la repetición le permite percibir mejor los cambios, por mínimos que sean, que se producen a su alrededor y, por lo tanto, encontrar inspiración en los pequeños momentos de la vida.

«My football kit» es uno de los últimos proyectos terminados por Oki Sato y su estudio Nendo. Ha sido realizado para la empresa japonesa de equipamientos deportivos Molten, que fabrica desde hace tiempo balones de fútbol, baloncesto, voleibol y balonmano usados en competiciones oficiales. Consistió en desarrollar un balón de fútbol simplificado para que los niños tengan la oportunidad de jugar y disfrutar del fútbol, con la esperanza de popularizar el deporte y aumentar el número de jugadores en comunidades empobrecidas. Además de las dificultades para obtener un balón de fútbol en muchos lugares del planeta, su mantenimiento presenta una gran barrera, unas veces por la falta de bombas de aire y otras por el grado de deterioro del mismo.

Como respuesta a este problema, se ideó una pelota de fútbol no inflable que da la misma sensación al patear que la que obtenemos con una pelota estándar. Su desarrollo está inspirado en la estructura de la pelota de bambú tejida, tradicional japonesa.

El ensamblaje de tres tipos de componentes para un total de 54 piezas da como resultado un balón de fútbol que, en lugar de depender de la presión del aire interno, se basa en la elasticidad de su material de superficie. Los componentes blandos de polipropileno reciclado y resina sintética elastomérica no dañan los pies descalzos y es poco probable que, incluso si se rompen puedan causar lesiones.

Si un componente se desprende durante el juego, la estructura entrelazada asegura que la pelota no se desarme. Proporciona una alta capacidad de mantenimiento y por tanto, eficiencia económica, ya que se puede restaurar reemplazando solo los componentes rotos, logrando así una larga duración de uso.

Los componentes pueden enviarse desmontados en paquetes compactos, lo que reduce los costos de envío. La disponibilidad de componentes en varios colores, ayuda a los niños a fortalecer su apego a la pelota a través del trabajo de ensamblaje formando su propia combinación de colores. Las instrucciones de montaje están diseñadas como si fuera un libro de imágenes e ilustraciones, fáciles de entender, sin apenas texto para que los niños de todo el mundo puedan montar una pelota. También se diseñó un saco de embalaje para llevar la pelota como una mochila.

A continuación se muestran imágenes del proyecto de diseño «My football kit» en las que podemos ver las piezas con las que se monta el balón de fútbol y el resultado final en sus distintas variantes.

En esta vídeo animación «50 sillas manga diseñadas por Nendo para la galería Friedman Benda», podéis ver de una manera muy «lúdida y amena» como la enorme creatividad del estudio Nendo genera 50 formas de sillas diferentes.

Oki Sato es un artista completo que se mueve perfectamente por diferentes territorios, como podéis ver en este vídeo en el que el fundador de Nendo nos explica cómo su estudio de diseño japonés tomó prestada la obra de M. C. Escher para crear la instalación «Escher X Nendo | Entre dos mundos». Nendo generó unos diseños inspirados en el enfoque matemático de Escher que los visitantes de la exposición podían seguir a través de los diferentes espacios de la galería. La exposición «Escher X Nendo | Between Two Worlds» tuvo lugar entre 2018 y 2019 en NGV International, Melbourne, Australia.

Como muestra de trabajo arquitectónico realizado por Nendo, a continuación os mostramos unas imágenes y un vídeo del proyecto «Plaza Estación de Tenri CoFuFun» en el que se interviene en un área de 6.000 metros cuadrados que incluye alquiler de bicicletas, cafetería, tiendas, quiosco de información, zona de juegos, escenario al aire libre y espacio para reuniones y eventos para los residentes en Tenri, en la prefectura de Nara, situada en el sudoeste de Japón. Los límites urbanos de Tenri incluyen un número de tumbas japonesas antiguas, conocidas como «cofun». Los cofun son hermosos e inconfundibles y se mezclan en los espacios de la vida cotidiana en la ciudad. El paisaje de la plaza está inspirado por los cofun y es una representación de la geografía característica de la zona: la cuenca de Nara, rodeada por montañas. En el proyecto podemos apreciar de nuevo el enfoque lúdico que tienen las obras de Oki Sato.

Podéis obtener más información sobre el diseñador Oki Sato en la página web de su estudio de diseño, Nendo: www.nendo.jp

Jacquemus es una marca de moda francesa fundada por Simon Porte Jacquemus.

Simon Porte Jacquemus empezó a estudiar en la Escuela Superior de Artes y Técnicas de la Moda (ESMOD) de París a los 18 años, pero a los pocos meses lo dejó y comenzó a trabajar en la sección de estilismo de la revista de moda Citizen K. La repentina muerte de su madre en accidente de tráfico supuso un punto de inflexión en su vida y le motivó a emprender su propia carrera como diseñador de moda en homenaje a ella.

A los 20 años Simon creó la marca de moda Jacquemus, el apellido de soltera de su madre, quien estará para siempre muy presente en la vida y obra de Simon. Jacquemus ha tenido un rápido crecimiento fruto del gran impulso emprendedor y motivación de Simon por sacar adelante su marca. Para ello, no dudó por ejemplo en promover sus diseños entre sus propios amigos para dar a conocer la marca e hizo que estos vistieran sus creaciones durante la Vogue’s Fashion Night Out del año 2010 en París obteniendo una gran repercusión. Tan solo 2 años después, en 2012 fue invitado a presentar su colección durante la Semana de la Moda de París.

La mayoría de los tejidos utilizados en las colecciones de Jacquemus provienen de un proveedor de ropa de trabajo. El corte es simple, con pocos detalles, pero original. Las impresiones a veces recuerdan el mundo de las películas de Jacques Tati o Louis Malle. Jacquemus ha descrito sus creaciones como una moda «ingenua» que sin embargo han alcanzado gran notoriedad, estando a la venta en tiendas como Opening Ceremony en Nueva York, Broken Arm en París, Gago en Aix-en-Provence, Dover Street Market en Londres y Ekseption en Madrid. En 2014, diseñó una colección para La Redoute. En 2015 recibió el Premio Especial del Jurado en el «Premio LVMH» un concurso internacional creado por Delphine Arnault para jóvenes diseñadores de moda.

En 2017, Jacquemus añadió una línea de calzado a sus colecciones y en 2018 anunció que diseñaría ropa de hombre, creando la primera colección en 2019. Además de los zapatos, actualmente Jacquemus también diseña bolsos y sombreros.

Simon Porte Jacquemus es una persona muy apegada a sus orígenes en la Provenza, estando presentes en muchas de sus colecciones que evocan los paisajes y el modo de vida de la región francesa, la sencillez, la calma, lo natural. Al mismo tiempo, las referencias a su familia y a su círculo cercano son también constantes en su obra y están siempre muy presentes en sus colecciones, incluso su abuela Liline ha ejercido como modelo en alguna de ellas.

En el siguiente vídeo podéis ver el desfile de la colección «L’Amour Spring – Summer 2021» de la firma de moda francesa Jacquemus.

Imágenes promocionales de la colección L’Amour de la marca de moda francesa Jacquemus.

Para presentar la colección L’Amour, Jacquemus preparó una espectacular pasarela de 600 metros de tablones de madera en medio de un campo de trigo que, según el diseñador, estaba destinada a evocar la autenticidad, así como el lado más romántico de la marca. Simon quería que su colección hablara de amor y de celebración «como una simple boda en el campo o una fiesta de la cosecha».

El bolso «Le Grand Bambino» de Jacquemus.

Presentación de la colección otoño invierno 2020/2021.

En la colección primavera verano de 2020 pudimos de nuevo apreciar el gran apego del diseñador a la tierra que le vió nacer, la Provenza y en general a los campos y paisajes del sur de Francia.

En este vídeo Simon Porte Jacquemus nos cuenta el mismo la gran inspiración que ha supuesto para él el sur de Francia y vuelve a Brame-Jean, el pequeño pueblo donde se crió y pasó una idílica infancia junto a sus padres, a los que recuerda constantemente.

La consagración global: De la Avenue Montaigne a Capri (2021-2025)

En los últimos años, Jacquemus ha trascendido su etiqueta de «joven promesa» para convertirse en una potencia establecida del lujo, sin perder su alma lúdica y provenzal.

Un hito fundamental en esta nueva era fue la apertura en septiembre de 2022 de su primera boutique en la Avenue Montaigne de París. Lejos de ser una tienda convencional, Simon concibió este espacio como una experiencia inmersiva y artística, mezclando sus diseños con obras de arte, máquinas de palomitas gigantes y una estética surrealista que redefinió el retail de lujo.

Desfiles cinematográficos y aniversarios

La marca ha continuado su tradición de elegir localizaciones de ensueño que se vuelven virales instantáneamente:

• «Le Chouchou» (Versalles, 2023): Jacquemus tomó los jardines del Palacio de Versalles, con invitados viendo el desfile desde barcas en el Gran Canal, en una colección inspirada en María Antonieta y Lady Di.

• «Les Sculptures» (2024): Presentada en la Fondation Maeght en el sur de Francia, esta colección dialogó directamente con las obras de Giacometti, mostrando una faceta más arquitectónica y sobria de la firma.

• «La Casa» (Capri, 2024): Para celebrar el 15º aniversario de la marca, Simon cumplió su sueño de desfilar en la icónica Casa Malaparte en Capri. Una colección crucero que rindió homenaje al cine de Godard (El Desprecio) y a la pura Dolce Vita.

Reconocimiento oficial y el fenómeno Nike

En marzo de 2024, Simon Porte Jacquemus fue nombrado Chevalier de l’Ordre des Arts et des Lettres, recibiendo la medalla de manos de la mismísima Anna Wintour. Con solo 34 años, se convirtió en el diseñador más joven en recibir esta distinción, consolidando su impacto cultural.

Paralelamente, su colaboración continuada con Nike ha sido un éxito rotundo. Tras su primera unión en 2022, la alianza se fortaleció en el verano de 2024, justo antes de los Juegos Olímpicos de París, con una colección que mezcló estilo de vida y deporte, acompañada de una campaña viral protagonizada por iconos como Serena Williams y Central Cee. Esta colaboración nos ha dejado piezas de culto instantáneo como el bolso con forma de «Swoosh».

Hoy, Jacquemus ya no es solo el chico del sur que soñaba con París; es el visionario que ha obligado a París a mirar hacia el sur.

Como siempre, os invitamos a visitar la página web de la marca Jacquemus para estar informados de sus últimas colecciones y novedades: https://www.jacquemus.com/

Anton Corbijn es un fotógrafo, director de cine y vídeos musicales que nació en la ciudad de Strijen en Países Bajos el 20 de mayo de 1955. Muchas de sus obras son hoy iconos de la cultura contemporánea.

Anton Corbijn acudía frecuentemente a conciertos en los que se ejercitaba como fotógrafo. En 1979 se mudó a Londres y pronto empezó a trabajar con grupos como Joy Division y Public Image Ltd (PIL), la banda de post-punk encabezada por John Lydon (Johnny Rotten), ex-miembro de los míticos Sex Pistols. Al mismo tiempo Corbijn hacía también trabajos para revistas como Vogue y Rolling Stone.

Corbijn continuó su evolución profesional y comenzó a realizar vídeos musicales para grupos diversos, entre ellos, ha sido el responsable de «Personal Jesus» de Depeche Mode, «One» de U2 y «Heart-Shaped Box» de Nirvana.

El abanico artístico de Corbijn fue poco a poco desplegandose y desarrollandose, como muestra, desde el año 1993 se encargó de diseñar las escenografías de las giras mundiales de Depeche Mode.

«Control» del año 2007 supone su primera incursión en la dirección cinematográfica. La película que se estrenó en 2009 está basada en el libro «Touching From A Distance», que escribió Deborah Curtis, la mujer de Ian sobre la vida del líder del mítico grupo Joy Division.

Escena de la interpretación de la canción «Disorder» de Joy Division en la película «Control» de Anton Corbijn.

En el año 2010 se estrenó otra película suya, «El Americano» protagonizada por George Clooney.

En el 2014 el estreno fue de “A Most Wanted Man”, un thriller de espionaje.

En 2015 fue el turno de “Life”, un film que trata sobre la amistad entre el actor James Dean y el fotógrafo Dennis Stock.

En el año 2013 se estrenó el documental sobre su vida, dirigido por el director Klaartje Quirijns, «Anton Corbijn Inside Out», en él se recogen testimonios de Corbijn mientras viaja por todo el mundo y expone las dificultades por las que tiene que pasar para desarrollar su carrera profesional frente a la vida solitaria que tiene.

El trabajo de Corbijn se adentra también en terrenos como la moda, recientemente se ha publicado el libro MOOD / MODE en el que se recogen fotografías que exploran el mundo de la moda desde diferentes vertientes y demostrando que esta, está en todas partes. En el libro aparecen retratos de Alexander McQueen, Tom Waits, Kate Moss, Naomi Campbell, Donatella Versace, James Brown, Björk y Clint Eastwood entre otros. Muchos de estos retratos se han convertido hoy en día en iconos de la cultura pop.

El particular estilo de Anton Corbijn y el uso principalmente del blanco y negro en sus fotografías y trabajos se ha convertido en un estándar de la industria musical y una parte fundamental del lenguaje visual de los años 80 y 90, que continúa también evolucionando en el siglo XXI. En los trabajos que realiza se ve influenciado directamente por las personas a las que retrata o con las que trabaja, incorporando en ellas el aspecto de la amistad y cercanía que siente por muchos de ellos como Bono de U2, Michael Stipe de REM, Dave Gahan de Depeche Mode que lo considera una parte esencial y miembro fundamental de su grupo.

Y en nuestro particular homenaje al gran fotógrafo y artista holandés, no podían faltar fotografías tomadas por la cámara de Corbijn de artistas como Nick Cave, Keith Richards y los Rolling Stones, Patti Smith, Siouxie and the Banshees, Morrissey, Neil Young, David Bowie, Patti Smith y Luciano Pavarotti… por poner tan sólo algunos ejemplos.

El libro «Anton Corbijn 1. 2. 3. 4» recoje algunos de sus más importantes trabajos en más de 4 décadas de trayectoria, incluyendo fotos inéditas como por ejemplo del fallecido Joe Cocker.

Fotografías de David Bowie de Anton Corbijn.

No te pierdas los siguientes vídeos con entrevistas y comentarios de Anton Corbijn para conocer más de cerca al artista y su obra:

«Cómo me convertí en fotógrafo».

En el siguiente vídeo, el propio Anton Corbijn nos presenta el libro de Taschen «Depeche Mode by Anton Corbijn» con más de 500 fotografías de los archivos personales del artista, algunas nunca antes publicadas, así como diseños de escenografías, bocetos, portadas de álbumes y observaciones personales de Corbijn. En este volumen de coleccionista firmado por Corbijn y la banda se puede apreciar visualmente el gran impacto que ha tenido su obra en la trayectoria del grupo.

En esta playlist de YouTube encontraréis por orden cronológico, prácticamente todos los vídeos (80) realizados por Anton Corbijn.

Recientemente se ha lanzado, con motivo del 20 aniversario del álbum de U2 «All That You Can’t Leave Behind», una edición especial de lujo, «Super Deluxe Vinyl Box set», diseñada por Anton Corbijn que incluye «Walk On: A Travelogue by Anton Corbijn».

Podéis profundizar en la obra del gran fotógrafo y artista Anton Corbijn en su página web: www.antoncorbijn.com

Okuda cuenta en su haber con intervenciones murales y escultóricas, exposiciones en galerías y museos que han podido ser disfrutadas en los cuatro continentes. Destacan logros como el de ser el primer artista contemporáneo requerido para la creación de la Falla Municipal de Valencia; su espectacular itinerario de esculturas por el paseo marítimo de Boston; o su participación en Titanes, proyecto de inclusión social a través del arte.

Okuda San Miguel trabaja sobre lienzo a los que añade elementos como bordado, collage o esmaltes. No obstante, su insaciable sed de creación le ha llevado a experimentar con otros formatos como la escultura, la fotografía o el vídeo.

El uso del color es fundamental en todas las obras de Okuda, elemento que sin duda lo convierte en un artista muy particular. Las formas geométricas es también un recurso muy utilizado en todas las creaciones de Okuda que entremezcla con formas orgánicas, dando lugar a una simbología que anima a la reflexión a través de piezas que podrían clasificarse como Surrealismo Pop, pero con una clara esencia de la cultura urbana. Las obras del artista Okuda San Miguel buscan inspirar al espectador, planteando cuestiones universales y dejan en manos del público la interpretación final de las mismas.

Según el artista declara, «Lo más especial de trabajar en la calle es conocer nuevos lugares, transformarlos con una pintura o una escultura, e inspirar a la gente que vive allí. Es decir, lo que viene siendo el poder transformador del arte y su capacidad para mejorar el entorno. Por tanto, mi mayor motivación procede de la ilusión por seguir conociendo nuevos países, nuevas culturas y nuevas gentes, lo que a su vez se traduce en un profundo interés por propiciar la retroalimentación cultural.»

Okuda es una persona tremendamente hiperactiva, «Necesito crear para ser feliz. De ahí la exigencia auto-impuesta de hacer crecer y madurar mi obra de estudio a través de la seriedad y el compromiso con la misma, independientemente de que se venda o no. Trabajo en nuevas cosas todo el tiempo ya que no quiero dejar de evolucionar. Por ejemplo, mi trabajo escultórico nace de mi necesidad de ver mis pinturas cobrar vida en 3 dimensiones y poder así plantear un espacio expositivo que no se basara únicamente en la pintura.»

Okuda nos explica que «El trabajo en la calle conlleva una comunicación directa con todo tipo de gente; mientras, el trabajo en estudio es más íntimo. No obstante, tanto en el espacio público como entre cuatro paredes, disfruto al máximo juntando mundos dispares entre sí. Me inspira todo lo que me rodea: amigos, viajes, música, la calle, la noche, el cine… A modo de resumen, pienso en mí mismo como un artista inconformista, autor de obras, de gran formato en el espacio público y en un formato más asequible en el estudio, fragmentadas en formas geométricas y con una fuerte policromía.»

Vídeo en el que se puede ver el proceso de realización de Animal Magical, una de las piezas de la intervención de Okuda en colaboración con Goldman Global Arts (GGA) en el puerto de Boston. Okuda participó creando un fondo de arcoíris como atmósfera de diversidad donde encontramos animales en diferentes estados de transformación en seres mágicos, una referencia a las culturas antiguas que tenían una mayor conexión con la naturaleza al adquirir la identidad de los animales en sus rituales. La composición pretende resaltar la necesidad de encontrar hoy en día una relación más equilibrada entre los animales y los humanos.

Según Okuda sigue explicándonos, «Mi estilo procede de una larga y sustancial evolución, desde el lettering que practicaba cuando comencé a crear en la calle y su consiguiente evolución hacia las posteriores formas geométricas trabajadas en el estudio. Una vez comencé a estudiar historia del arte, el surrealismo se convirtió en mi primer amor; me siento identificado con artistas como Dalí o Magritte y soy también admirador de artistas japoneses como Keiichi Tanaami o Tomokazu Matsuyama, quienes exploran una moderna versión del mismo; no obstante, por encima de ellos siempre sitúo a El Bosco, y su obra “El Jardín de las Delicias”, como principal referencia. Estas influencias hacen que mi obra pueda definirse como composiciones surrealistas con una fuerte inspiración procedente de culturas antiguas mezclada con iconos contemporáneos y mi pasado en el graffiti.»

Otra vertiente en la trayectoria del artista es la que se ha dejado seducir por la intrínseca relación entre arte y paisaje urbano. Desde su punto de vista, lo interesante es jugar con la arquitectura y ver cómo puedes hacer de sus ventanas, ojos, y de sus muros, historias. En su caso, esto se traduce en la combinación de arquitectura clásica y pintura contemporánea en muchos de sus trabajos en el espacio público. Uno de sus objetivos principales es hacer de esa unión, no solo un elemento artístico sino también uno habitacional/vivencial, en el cual las personas puedan convivir.

A Okuda le gusta trabajar sobre variadas formas humanas y animales y con el significado de cada una de ellas, así como también con las posibles mutaciones entre animales y humanos, jugar con sus escalas y dar lugar a imposibles criaturas digitales; al mismo tiempo, tiende a colocar en un mismo nivel al hombre y a la naturaleza y de esta forma, lograr una suerte de equilibrio universal… En el fondo, esta es una manera metafórica de definir a Dios. Algunos de sus iconos favoritos son, la calavera como símbolo de vida y la paloma como símbolo de libertad.

Desde los comienzos de Okuda en el mundo del graffiti, ha colaborado con otros artistas, esta clase de colaboraciones, de hermandad, como el mismo define, son habituales en artistas de este ámbito y es algo que quiere conservar: «Trabajar junto a otros artistas es como llevar mi arte a otros mundos».

Para Okuda, «El caos es la libertad de elegir nuestro propio camino y disfrutar del viaje. Hagámoslo a nuestra manera». Así resumió el artista la idea de Kaos Garden, la fiesta que debutó en Amnesia Ibiza en 2019 con motivo del lanzamiento de elrow’art y continuó en Miami y Nueva York. El público juega un papel activo en esta fiesta única, interactuando con el mundo de fantasía surrealista de Okuda inspirado en el cuadro de El Bosco «El Jardín de las Delicias». El espectáculo se acompañó de un set de cinco horas especialmente elaborado para la ocasión por el Dj. Paco Osuna. Elrow’art es una iniciativa de Ink and Movement y Elrow que busca unir a artistas y público a través de experiencias únicas.

En el aspecto conceptual de sus obras, Okuda hace una declaración en la que expone que «Mi obra invita a la reflexión sobre temas que nos afectan a todos, con un mensaje optimista que invita a adentrarse en un mundo mágico. Por otro lado, me considero un artista que ha trasladado la estética del pensamiento de nuestros días al espacio público. A través de mi arte hablo acerca del pasado y del futuro, de la modernidad y de nuestras raíces, y la capacidad del ser humano para transformar la naturaleza. El color representa para mí la multiculturalidad, el multi-género, la pluralidad… Todas las banderas, todas las razas, todos los géneros están ahí representados. El color es mi psicología de andar por casa y, a través del uso de todos ellos, hablo acerca de que no dejamos de ser, en realidad, uno. Por otro lado, con la geometría hago referencia a la modernidad, a lo digital. De esta manera, a lo largo de mi trayectoria la comunicación entre lo orgánico/natural y lo futuro/artificial es constante, en contraposición a la sociedad moderna, que ha cortado toda comunicación con su espiritualidad y le falta al respeto a la naturaleza, lo que bien puede traducirse en su propio fin.»

Finalmente, Okuda afirma que «Tanto en el estudio como en la calle, no me gusta dar mensajes cerrados pero sí hablo de temas universales. Yo intento abrir caminos en lugar de tratar de dar respuestas cerradas. Desde mi punto de vista, lo importante no es la solución sino el camino hacia la misma. Por ello, el mío no es un mensaje cerrado sino abierto a interpretaciones, tanto del que ve mi obra paseando por la calle como del que la observa expuesta.»

Como hemos podido apreciar, Okuda San Miguel es un artista con un gran transfondo interior en todas sus obras, que no son realizadas de un manera simple y banal sino fruto de una reflexión profunda, de tener en cuenta sus convicciones y raices y los diversos aspectos que le rodean y le preocupan.

Os invitamos a seguir a este gran artista y conocer sus últimos trabajos visitando su página web: https://okudasanmiguel.com/