Quién es
Nacido en Fiesole (Florencia) en 1979, Villoresi es director, animador y artista visual con una trayectoria que cruza publicidad, videoclips y cine de arte. Su trabajo se reconoce por una sensibilidad onírica y un gusto por el truco “ante la cámara”, sin depender en exceso de la postproducción.

Rasgos del estilo

Efectos in-camera y miniaturas: mecanismos, dioramas y sets construidos a mano que crean una textura táctil. Dispositivos precinematográficos: zootropos y fenacistiscopios reimaginados, que dan ritmo y una cualidad hipnótica a la imagen. Fantasmagoría contemporánea: mezcla de técnicas analógicas con recursos actuales para producir una estética surreal entre la vigilia y el sueño.

Obra y proyectos destacados

Exposiciones recientes: Animagia (solo show, 2023) y Le avventure della visione en IULM / Fuorisalone 2024, centradas en su “teatro mágico” de aparatos ópticos y efectos realizados durante el rodaje.

Marcas y colaboraciones: piezas artesanales para casas como Louis Vuitton, Fornasetti o Kartell, que integran escultura, stop-motion y miniaturas.

Publicidad reciente: film de marca para Pellini Caffè, donde la puesta en escena y los trucajes ópticos realzan lo sensorial.

Villoresi ha fundado la productora Fantasmagoria y desarrolla Orfeo, adaptación de Poema a fumetti de Dino Buzzati. El proyecto se ha mostrado en exposiciones y ha estado presente en el circuito de Venecia 2025 con entrevistas y cobertura reciente.

En tiempos dominados por el 3D y el VFX, su obra reivindica la magia de los artificios físicos: la mano del artesano, el truco visible y la emoción rítmica (herencia de su formación artística), convirtiendo cada plano en un pequeño acto de ilusionismo contemporáneo.

Podéis obtener más información sobre la obra de Virgilio Villoresi en su página web www.virgiliovilloresi.com y a continuación puedes ver algunas muestras representativas de su trabajo y estilo.

Pieza breve de marca realizada por el cineasta y animador italiano Virgilio Villoresi para Pellini Caffè. Concebida como un micro-film publicitario, combina artesanía visual y trucajes analógicos con un acabado contemporáneo, fiel al lenguaje onírico y de miniaturas que caracteriza al director. Vimeo+2Vimeo+2

Producción y equipo
Proyecto creado para Pellini con Next14 (agencia) y Black Mamba Productions (producción). Dirección de arte de Paolo Casti y food styling de Alexandra Olenina, lo que refuerza la dimensión sensorial del café en escena.

Proceso y técnicas
Villoresi recurre a efectos ópticos in-camera, escenografías en miniatura y mecánicas precinematográficas para generar transiciones “mágicas” sin depender del 3D, priorizando la artesanía del set y la sincronía con el sonido. Este enfoque, habitual en su obra, busca un aura táctil y poética que dialoga muy bien con el universo de marca de una torrefazione italiana.

Datos clave

Formato: brand film / spot de corta duración (≈1 min).
Vimeo

Director: Virgilio Villoresi.
Vimeo

Cliente: Pellini Caffè.
virgiliovilloresi.com

Agencia / Producción: Next14 / Black Mamba Productions.
virgiliovilloresi.com

Dirección de arte: Paolo Casti.
Facebook

Año: 2023 (publicado el 17 de mayo)

Pellini BlendAbility – Intervista Casti-Villoresi

Acqua di Parma by Virgilio Villoresi

Valentino Garavani – OZ by Virgilio Villoresi

Fornasetti’s Home — miniaturas, trampantojos y atmósfera onírica en la casa Fornasetti.

Fornasetti — Trumeau — stop-motion con objetos y dispositivos ópticos.

Fine (2012) — relato “pintado en la mano”; pieza icónica y Staff Pick.

Louis Vuitton – Holiday — micro-film navideño con sets artesanales.

Making-of Louis Vuitton: Enchanted World of Gifts — proceso y trucajes del spot.

Etro — Magic Tailoring (2024) — taller que cobra vida en stop-motion

Dsquared2 Eyewear — stop-motion de producto con humor mecánic

Bulgari — Viper — coreografías de objetos y joyería

Moncler — Ocean Green — escenografías miniatura y control de cámara.

Zootrope — Alessi Moka — demostración de zootropo aplicado a marca.

Zara Home — Blooming Dining Room — dioramas florales y metamorfosis de mesa.

IA: El futuro se adelanta» combina la tecnología de Inteligencia Artificial con el arte digital para crear una experiencia inmersiva única. Este evento presenta obras impactantes y originales que destacan la capacidad de la IA para generar imágenes sorprendentes. Ubicado en el Palacio Neptuno de Madrid, en el corazón del Triángulo del Arte, este espectáculo desafía las convenciones establecidas y redefine la forma en que entendemos la creatividad. Sumérgete en un viaje innovador que celebra la unión entre tecnología, arte y emoción. No te pierdas esta experiencia fascinante que marcará un antes y un después en el arte digital. unido a un Tardeo con copas y en un espacio único.

Desde Enero de 1990, el Festival de Cultura y Creatividad Digital «ArtFutura» explora los proyectos y las ideas más importantes surgidas en el panorama internacional del New Media, la Inteligencia Artificial, la Realidad Virtual, el Diseño de Interacción y la Animación Digital en ciudades como Barcelona, Buenos Aires, Ibiza, Londres, Madrid, Montevideo, Paris, Roma y muchas otras.

Sus actividades incluyen, exposiciones, conferencias, workshops, iInstalaciones interactivas u performances.

Entre los participantes de anteriores ediciones podemso encontrar a William Gibson, Theo Jansen, Toshio Iwai, Laurie Anderson, Hiroshi Ishii, Paul Friedlander, Moebius, David Byrne, Masaya Matsuura, Howard Rheingold, Timothy Leary, Tomato, Tetsuya Mizuguchi, Rebecca Allen, Ryota Kuwakubo, Mariscal, Orlan, Yoichiro Kawaguchi, Brian Eno, Karl Sims, Marcel.lí Antúnez, Arthur Kroker, Xeni Jardin…

También han participado organizaciones y compañías como Ars Electronica, Industrial Light & Magic, Weta Digital, Pixar, Sony Pictures Imageworks, Digital Domain, SAT Montreal, Blast Theory, UVA, Amorphic Robot Works, Improv Everywhere, Creators Project, Liberatum, Universal Everything y el MIT Media Lab.

GaleriaFutura La división GaleriaFutura promociona los aspectos más expositivos de esta nueva creatividad digital. Desde el New Media a la Realidad Virtual pasando por la Inteligencia Artificial.

A lo largo de estos años ArtFutura ha tratado de mostrar que, a comienzos del nuevo milenio, arte y ciencia discurren por caminos paralelos. Y que la creatividad encuentra en la tecnología digital, un aliado extraordinario.

ArtFutura siempre ha destacando los aspectos más humanos de las nuevas tecnologías. No solo mostrando las capacidades de estas nuevas herramientas, sino también cuestionando su propia naturaleza y a donde nos llevan.

Más info en https://www.artfutura.org/

Dieter ha pasado a la historia por formular los 10 principios del buen diseño de Dieter Rams y contribuir al renacimiento del diseño Funcionalista alemán (la Gute Form) de finales de la década de los 50 y los años 60. En el año 1955, Rams es nombrado jefe del equipo de diseño de la compañía alemana de productos de consumo Braun, fundada en el año 1921 en la ciudad de Frankfurt por el ingeniero Max Braun. La marca fabricaba en sus inicios componentes para radios y a partir de 1929 amplificadores y receptores de radio. Dieter Rams influyó enormemente en la dirección artística de Braun, llevando a la marca a un racionalismo que pronto caracterizaría los productos de la compañía y que hoy en día son signo de su identidad. Braun es hoy una marca conocida globalmente por sus productos de diseño funcional y estética apreciada.

Rams explica su visión del diseño mediante la frase «Weniger, aber besser», «Menos, pero con mejor ejecución». Rams y su equipo de diseño diseñaron muchos productos para Braun, incluyendo el famoso grabador-reproductor SK-4 y el proyector de diapositivas 35mm de alta calidad D45, D46. Rams también es célebre por el diseño del Sistema de Estanterías Universal 606, para Vitsœ creado en 1960. Muchos de los diseños de Rams, desde elegantes cafeteras, calculadoras, radios, equipamiento audiovisual, electrodomésticos de consumo y productos de oficina, se encuentran en museos de diseño y arte de todo el mundo.

Los 10 principios de diseño establecidos por Dieter Rams han tenido una gran influencia en el mundo del diseño y en los diseñadores en particular, aunque son muy pocos los que realmente respetan todos y cada uno de ellos, que pasamos a enumerar a continuación:

1. El buen diseño es innovador.

Rams establece claramente que es improbable agotar las posibilidades de innovación en el diseño debido a que el desarrollo tecnológico continuamente ofrece nuevas oportunidades para innovar cada diseño. Otra característica del diseño innovador es que continuamente se desarrolla a la par con nuevas tecnologías por lo tanto carece de limitaciones inherentes.

2. El buen diseño provee de utilidad a cada producto.

El objetivo primordial de un producto es su utilidad. Su diseño es primordialmente práctico y de manera secundaria tiene que satisfacer ciertos criterios de carácter psicológico y estético. Un buen diseño le da prioridad a la utilidad de un producto tomando en cuenta de manera estrictamente secundaria sus aspectos psicológicos y estéticos pero evita todas aquellas características que podrían disminuir la utilidad del producto.

3. El buen diseño es estético.

El diseño bien ejecutado no carece de belleza. La calidad estética de un producto forma parte integral de su utilidad ya que los productos utilizados cotidianamente tienden a tener un efecto indirecto en las personas y su bienestar.

4. El buen diseño hace un producto comprensible.

Un buen diseño simplifica la estructura del producto y lo predispone a expresar claramente su función mediante la intuición del usuario. Idealmente su propósito será intuitivo para todo usuario.

5. El buen diseño es discreto.

Todo producto y su diseño debe de ser simultáneamente neutro y sobrio. Su sobriedad y neutralidad tienen como objetivo el proveer un espacio de expresión para el usuario. Todo producto bien diseñado cumple un propósito semejante a aquel de toda herramienta y por lo tanto un buen diseño no confunde la identidad de sus productos con objetos de decoración ni con obras de arte. Un producto correctamente ejecutado es una herramienta estéticamente atractiva que carece de una identidad ilógicamente indefinida.

6. El buen diseño es honesto.

Un diseño honesto nunca intenta falsificar el auténtico valor e innovación del producto dado. Asimismo, un diseño verdaderamente honesto nunca trata de manipular al consumidor mediante promesas de una utilidad apócrifa, inexistente o más allá de la realidad física del producto.

7. El buen diseño tiene un valor anacrónicamente duradero.

Toda moda es inherentemente pasajera y subjetiva. La correcta ejecución del buen diseño da como resultado productos inherentemente objetivos y anacrónicamente útiles. Estas cualidades se ven reflejadas cuando los usuarios tienen la tendencia de atesorar y favorecer aquellos productos bien diseñados incluso en aquellas sociedades cuyas tendencias de consumo claramente favorecen productos desechables.

8. El buen diseño concibe exhaustivamente hasta el último detalle.

Dieter Rams establece esta regla de manera absoluta: Un buen diseño nunca deja nada al azar dado que el cuidado y la exhaustiva precisión de cada detalle expresa el respeto de los diseñadores para con sus consumidores. Cada error es una falta de respeto.

9. El buen diseño respeta el medio ambiente.

Un buen diseño debe de contribuir significativamente a la preservación del medio ambiente mediante la conservación de los recursos y la minimización de la contaminación física y visual durante el ciclo de vida del producto.

10. El buen diseño es diseño en su absoluta mínima expresión.

Dieter Rams subraya la distinción entre el coloquialmente regurgitado paradigma en diseño: «Menos es más» y en su lugar recomienda su propio paradigma: «Menos, pero con mejor ejecución», destacando el hecho de que este enfoque fomenta los aspectos fundamentales de cada producto y por lo tanto evita lastrarlos torpemente con todo aquello que no es esencial. El resultado ideal es productos de mayor pureza y simplicidad.

En este vídeo varios diseñadores comentan los 10 principios del buen diseño de Dieter Rams que hoy en día siguen plenamente vigentes.

Vídeo sobre el diseñador alemán Dieter Rams y los productos de uso cotidiano que pueden ser hermosos y duraderos.

Tráiler del documental de Gary Hustwit «Rams».

A continuación podéis ver una galería con algunos diseños realizados por Dieter Rams.

Video con explicaciones sobre el trabajo del diseñador Dieter Rams.

Combinación de estantería Vitsoe y varios diseños de productos Braun realizados por Dieter-Rams, incluido el sillón, pues el diseñador alemán no sólo diseñó productos de consumo sino que se adentró también en el mundo de diseño de mobiliario.

Los NFT o tokens no fungibles son un tipo de token que son únicos y su carácter único se puede probar, son indivisibles, son transferibles y nunca se terminan. Contrastan con criptomonedas como el bitcoin y otros tokens que son fungibles por naturaleza, es decir, se pueden usar y cuando se usan, se terminan y se sustituyen por otros.

Los tokens no fungibles se utilizan para certificar algo que tiene una escasez digital verificable y para otorgar una propiedad digital que se podrá traspasar de unos propietarios a otros, pero no podrá tener varios propietarios.

Los NFT son perfectos para utilizar en aquellas situaciones en las que se requieren artículos digitales únicos como por ejemplo, el criptoarte o arte digital, los contenidos digitales de todo tipo que necesitan verificación de propiedad intelectual o los juegos en línea.

El blockchain es una plataforma que inicialmente fue creada para realizar transacciones con criptomonedas y algunos juegos online como CryptoKitties (https://www.cryptokitties.co) alcanzaron el éxito usando NFTs en Ethereum, un tipo de blockchain que es una plataforma de código abierto descentralizada y de acceso equitativo que sirve para programar contratos inteligentes y en la que se pueden crear nuevos tipos de aplicaciones pues los programadores pueden programar sobre ella. Esta plataforma de Ethereum está viva y nadie puede hackearla debido a que está “repartida” por toda la red y entonces es muy segura y sirve para otorgar títulos de propiedad, con lo que, en el caso del juego, este se puede desarrollar sin que nadie haga trampas, con certificado de propiedad de tus herramientas o armas, etc.

La tecnología blockchain organiza la información en una cadena de bloques descentralizada, cada uno vinculado al anterior criptográficamente, todos están inter-relacionados como en una tela de araña. Para cambiar los datos contenidos en uno de los bloques es necesario romper todos que se colocaron detrás de él, por lo que, en la práctica, las redes blockchain no se pueden hackear. No se pueden modificar los datos escritos en la cadena porque todos los miembros de la red se enterarían.

Los NFT o tokens no fungibles se utilizan también para representar elementos de videojuegos que son controlados por el usuario en lugar del desarrollador del juego. Esto permite que dichos activos pasen a ser propiedad del jugador y que se negocien en mercados digitales sin el permiso del desarrollador del juego.

EL MERCADO DEL ARTE Y LOS NFTs

El arte ha sido y será siempre un campo muy propicio para usar la tecnología NFT y blockchain en general, debido a su funcionalidad para proporcionar pruebas de autenticidad y propiedad de una obra de arte digital que queda de esta manera cubierta ante cualquier posibilidad de reproducción masiva o de distribución no autorizada a través del internet o de cualquier otro medio. Sólo hay una obra original y auténtica, sólo hay una obra que tiene valor (o más valor), las demás obras que puedan surgir serán copias y no están autorizadas.

Existen plataformas como Superrare https://superrare.co/ Nifty Gateway (https://niftygateway.com/) Rarible https://rarible.com/ o Fumigene https://fumigene.agency/ que se han especializado en las transacciones mercantiles de arte digital y desde las cuales se puede comprar, vender o subastar obras de arte haciendo uso de moneda virtual o lo que es lo mismo, a través de herramientas de pagos basadas en blockchain como Ethereum, herramientas tales como https://metamask.io/ o https://www.myetherwallet.com/

Y no podemos olvidar a OpenSea https://opensea.io/ uno de los mayores marketplace de NFTs.

En febrero de 2021, el artista digital estadounidense Beeple fue el primero en colocar una obra de arte NFT en la mítica casa de subastas Christie’s, la obra “Everydays. The first 5000 days» fue subastada por una gran suma de dinero. Sin embargo, todavía hoy las casas de subastas negocian las piezas a la manera tradicional, con dinero contante y sonante pero, lo que están subastando, sí es una pieza digital certificada como única por medio de los tokens no fungibles o NFT.

Las posibilidades de uso de los NFT en el arte digital son inmensas, a partir de ahora se podrá certificar una obra original que nadie, salvo un único propietario, podrá poseer. Esa obra será la auténtica y aunque se pueda hacer una reproducción, será solamente una copia y no la original. Esto sin duda implica un cambio de mentalidad en el público que deberá producirse de manera pararela al desarrollo de esta nueva tecnología.

¿Por qué me voy a preocupar de si mi obra no es la original si es exactamente igual que ella?

El primer componente que entra en juego es la propiedad o autoría de la obra, sólo el autor puede dar fe de una obra como original o la primera, después este autor la puede vender o traspasar pero a otra única persona. Debemos aprender a dar valor a esta circunstancia, el trabajo intrínseco, físico e intelectual del artista, se ve recompensado de alguna manera, puede sentirse a partir de ahora satisfecho, aunque sea solamente por el hecho de poseer este certificado, este reconocimiento de que su obra es original. Obtiene en este momento al menos un valor moral y un valor superior en todos los sentidos, aunque hasta este momento, no precisamente tenga que ser económico. El valor que puede alcanzar esta obra única es superior al que podría obtener si pone en el mercado todas las obras o copias que el mismo haya hecho o que se hayan hecho sin su aprobación por parte de terceras personas. El artista controla su obra y le otorga valor.

El público debe comprender este nuevo paradigma y no conformarse con una copia. Podemos tener una copia del Guernica de Picasso en nuestra casa, pero la propiedad del Guernica es del estado español en este caso y esto lo tenemos que asimilar de igual manera que tenemos que asimilar que la pirateria es delito, que hacer copias sin autorización está prohibido. ¿Quién nos va a prohibir hacer una copia del Guernica? ¿Por qué no puedo tener una copia del Guernica en mi casa?

Los mismos dilemas siempre presentes en el mundo del arte se plantean ahora con las obras certificadas como únicas por los token no fungibles o NFTs. Algo intrínseco a la historia del arte, pero por lo menos ahora sí que podremos dar fe y tener claro cuál es la obra original y la que por supuesto más valor debería tener. Debemos empezar a asimilar también el valor de las cosas virtuales.

El arte y el diseño ya no serán lo mismo a partir de ahora, así mismo, el impacto que tendrán los tokens no fungibles o NFT en la industria de los contenidos será trascendental pues se podrá dar valor legal a las piezas originales e identificar de una manera más clara las que no lo son que quedarán expuestas con las consecuencias que se puedan derivar.

Los NFT nacieron en 2013 y poco a poco cada vez más artistas se van animando a certificar y comerciar con sus obras digitales por este medio, alcanzando cotizaciones que nunca hubieran llegado a pensar.

Estamos acostumbrados desde siempre a ver como en el mercado del arte, unas veces por capricho, por esnobismo o por especulación, algunas piezas han alcanzado valores desorbitados y ahora, en este nuevo mercado que surge de los token no fungibles o del criptoarte está sucediendo igual, ya sea por esas mismas actitudes o por la propia novedad de la tecnología y tendencia. Se ha despertado un interés inusitado y día a día asistimos a una carrera de compras y ventas que no deja de sorprendernos y de batir records.

Otra famosa casa de subastas, Sotheby’s ha vendido recientemente por 1,36 millones de dólares una obra NFT consistente en un píxel de 1×1 de color gris de la artista Pak (una obra de 1 pixel de anchura x 1 píxel de altura de color gris). ¿Es esto un capricho? ¿Es esto esnobismo? ¿Es especulación? ¿Es postureo? ¿Qué es?

El artista granadino Javier Arres es uno de los artistas españoles pioneros en el uso de los NFT o tokens no fungibles para comercializr su obra.

Arres sacó recientemente a subasta una colección de piezas (visual toys) por las que ha obtenido una cantidad de dinero que no hubiera podido imaginar. Sus visual toys consistentes en gifs animados se habían expuesto anteriormente en museos y galerías pero, aunque al público le gustaban mucho, no era capaz de venderlos. Hasta que incorporó el componente de «sello de autenticidad» que otorgan los NFTs. La tecnología echando una mano a los artistas, ha nacido el criptoarte.

Colección de Gifs animados de Javier Arres «Visual toys».

Si queréis ampliar información sobre qué son los NFT o qué son los tokens no fungibles, os invitamos a ver estos vídeos:

De acuerdo con el autor Alan Hess en su libro Googie: Fifties Cofee Shop Architecture, el origen del nombre Googie se sitúa en 1949 cuando el arquitecto John Lautner diseñó una cafetería con el nombre de «Googie’s» que tenía las características arquitectónicas de las que hemos hablado. Esta cafetería estaba en la esquina de Sunset Boulevard y Crescent Heights en Los Ángeles y fue demolida en la década de los 80. En el libro de Alan Hess, el autor expone que el profesor Douglas Haskell de la Universidad de Yale y el fotógrafo arquitectónico Julius Shulman conducían por Los Ángeles cuando se detuvieron delante de Googie’s y Haskell proclamó «esto es la arquitectura Googie». Posteriormente, el profesor escribió un artículo en 1952 en la revista House and Home y se refirió al tipo de arquitectura como Googie, pasando a estandarizar la denominación.

El Theme Building es un ejemplo de edificio de diseño futurista influenciado por el estilo de arquitectura Googie. Está situado en el Aeropuerto Internacional de Los Ángeles. Se inauguró en 1961.

La torre The Space Needle (la Aguja Espacial) de Seatle es un excelente exponente de la arquitectura de estilo futurista llamada Googie. Fue construida en 1962 en el centro de la ciudad y es un proyecto de Edward E. Carlson.

Uno de los primeros restaurantes McDonalds abierto en Chicago Illinois en 1955, ejemplo de arquitectura Googie.

La influencia del estilo Googie ha sido muy grande y constante, alimentándose de distintas fuentes y generando numerosos iconos tanto en forma de objetos como arquitectura o audiovisuales dando lugar a lo que conocemos hoy en día como estilo retro-futurista al cuál se recurre una y otra vez como fuente de inspiración. De la influencia Googie han nacido por ejemplo, los dibujos animados de The Jetsons (Los Supersónicos) y la zona Tomorrowland del parque de atracciones Disneyland de Anaheim en California, el único construido bajo la supervisión del mítico Walt Disney. También podemos citar la lámpara lava inventada en 1963 por Edward Craven-Walker, fundador de la empresa de iluminación Mathmos, que fue comercializada en 1965 con el nombre de «Astro Lamp».

La película «Los Increíbles» de Pixar es otro ejemplo de la influencia del estilo de diseño Googie, que podemos apreciar de manera clara, tanto en la arquitectura como en diferentes objetos y mobiliario que aparecen en esta obra maestra de la empresa que lo cambió todo 😉.

En este vídeo se puede apreciar la gran influencia que el estilo de arquitectura Googie ha tenido en la realización de la película de Pixar «Los Increíbles».

Anton Corbijn es un fotógrafo, director de cine y vídeos musicales que nació en la ciudad de Strijen en Países Bajos el 20 de mayo de 1955. Muchas de sus obras son hoy iconos de la cultura contemporánea.

Anton Corbijn acudía frecuentemente a conciertos en los que se ejercitaba como fotógrafo. En 1979 se mudó a Londres y pronto empezó a trabajar con grupos como Joy Division y Public Image Ltd (PIL), la banda de post-punk encabezada por John Lydon (Johnny Rotten), ex-miembro de los míticos Sex Pistols. Al mismo tiempo Corbijn hacía también trabajos para revistas como Vogue y Rolling Stone.

Corbijn continuó su evolución profesional y comenzó a realizar vídeos musicales para grupos diversos, entre ellos, ha sido el responsable de «Personal Jesus» de Depeche Mode, «One» de U2 y «Heart-Shaped Box» de Nirvana.

El abanico artístico de Corbijn fue poco a poco desplegandose y desarrollandose, como muestra, desde el año 1993 se encargó de diseñar las escenografías de las giras mundiales de Depeche Mode.

«Control» del año 2007 supone su primera incursión en la dirección cinematográfica. La película que se estrenó en 2009 está basada en el libro «Touching From A Distance», que escribió Deborah Curtis, la mujer de Ian sobre la vida del líder del mítico grupo Joy Division.

Escena de la interpretación de la canción «Disorder» de Joy Division en la película «Control» de Anton Corbijn.

En el año 2010 se estrenó otra película suya, «El Americano» protagonizada por George Clooney.

En el 2014 el estreno fue de “A Most Wanted Man”, un thriller de espionaje.

En 2015 fue el turno de “Life”, un film que trata sobre la amistad entre el actor James Dean y el fotógrafo Dennis Stock.

En el año 2013 se estrenó el documental sobre su vida, dirigido por el director Klaartje Quirijns, «Anton Corbijn Inside Out», en él se recogen testimonios de Corbijn mientras viaja por todo el mundo y expone las dificultades por las que tiene que pasar para desarrollar su carrera profesional frente a la vida solitaria que tiene.

El trabajo de Corbijn se adentra también en terrenos como la moda, recientemente se ha publicado el libro MOOD / MODE en el que se recogen fotografías que exploran el mundo de la moda desde diferentes vertientes y demostrando que esta, está en todas partes. En el libro aparecen retratos de Alexander McQueen, Tom Waits, Kate Moss, Naomi Campbell, Donatella Versace, James Brown, Björk y Clint Eastwood entre otros. Muchos de estos retratos se han convertido hoy en día en iconos de la cultura pop.

El particular estilo de Anton Corbijn y el uso principalmente del blanco y negro en sus fotografías y trabajos se ha convertido en un estándar de la industria musical y una parte fundamental del lenguaje visual de los años 80 y 90, que continúa también evolucionando en el siglo XXI. En los trabajos que realiza se ve influenciado directamente por las personas a las que retrata o con las que trabaja, incorporando en ellas el aspecto de la amistad y cercanía que siente por muchos de ellos como Bono de U2, Michael Stipe de REM, Dave Gahan de Depeche Mode que lo considera una parte esencial y miembro fundamental de su grupo.

Y en nuestro particular homenaje al gran fotógrafo y artista holandés, no podían faltar fotografías tomadas por la cámara de Corbijn de artistas como Nick Cave, Keith Richards y los Rolling Stones, Patti Smith, Siouxie and the Banshees, Morrissey, Neil Young, David Bowie, Patti Smith y Luciano Pavarotti… por poner tan sólo algunos ejemplos.

El libro «Anton Corbijn 1. 2. 3. 4» recoje algunos de sus más importantes trabajos en más de 4 décadas de trayectoria, incluyendo fotos inéditas como por ejemplo del fallecido Joe Cocker.

Fotografías de David Bowie de Anton Corbijn.

No te pierdas los siguientes vídeos con entrevistas y comentarios de Anton Corbijn para conocer más de cerca al artista y su obra:

«Cómo me convertí en fotógrafo».

En el siguiente vídeo, el propio Anton Corbijn nos presenta el libro de Taschen «Depeche Mode by Anton Corbijn» con más de 500 fotografías de los archivos personales del artista, algunas nunca antes publicadas, así como diseños de escenografías, bocetos, portadas de álbumes y observaciones personales de Corbijn. En este volumen de coleccionista firmado por Corbijn y la banda se puede apreciar visualmente el gran impacto que ha tenido su obra en la trayectoria del grupo.

En esta playlist de YouTube encontraréis por orden cronológico, prácticamente todos los vídeos (80) realizados por Anton Corbijn.

Recientemente se ha lanzado, con motivo del 20 aniversario del álbum de U2 «All That You Can’t Leave Behind», una edición especial de lujo, «Super Deluxe Vinyl Box set», diseñada por Anton Corbijn que incluye «Walk On: A Travelogue by Anton Corbijn».

Podéis profundizar en la obra del gran fotógrafo y artista Anton Corbijn en su página web: www.antoncorbijn.com

Algarabía Animación es uno de los principales estudios de Animación Stop Motion de España. Desde A Coruña, donde tienen su sede, los fundadores del estudio Virginia Curiá y Tomás Conde juegan con sus personajes y materiales dando rienda suelta a su gran creatividad. En sus más de 25 años de experiencia han realizado 14 cortometrajes, cabeceras de programas, anuncios, cortinillas de continuidad, identidad corporativa, branded content y la dirección de un largometraje CGI. El estudio Algarabía Animación ha recibido premios internacionales como el Premio del Público al Mejor Largometraje en el Festival Internacional de Río de Janeiro. Su principal forma de expresión es el modelado y la animación de personajes de plastilina aunque también trabajan con animación de objetos realizados con otros materiales, frame a frame, con mucha paciencia y mucho arte, combinando la artesenía y la tecnología. Sus piezas son siempre divertidas, educativas, con valores y nos trasladan a un universo en el que lo que importa es la narración, haciéndonos olvidar que sus actores son de plastilina, ahí es donde nace su magia.

Algarabía Animación se han incorporado recientemente al grupo de artistas de June Illustation, podéis ver su portfolio en la dirección: https://www.june-illustration.com/estudio-algarabia-animacion-stop-motion-animation/

Okuda cuenta en su haber con intervenciones murales y escultóricas, exposiciones en galerías y museos que han podido ser disfrutadas en los cuatro continentes. Destacan logros como el de ser el primer artista contemporáneo requerido para la creación de la Falla Municipal de Valencia; su espectacular itinerario de esculturas por el paseo marítimo de Boston; o su participación en Titanes, proyecto de inclusión social a través del arte.

Okuda San Miguel trabaja sobre lienzo a los que añade elementos como bordado, collage o esmaltes. No obstante, su insaciable sed de creación le ha llevado a experimentar con otros formatos como la escultura, la fotografía o el vídeo.

El uso del color es fundamental en todas las obras de Okuda, elemento que sin duda lo convierte en un artista muy particular. Las formas geométricas es también un recurso muy utilizado en todas las creaciones de Okuda que entremezcla con formas orgánicas, dando lugar a una simbología que anima a la reflexión a través de piezas que podrían clasificarse como Surrealismo Pop, pero con una clara esencia de la cultura urbana. Las obras del artista Okuda San Miguel buscan inspirar al espectador, planteando cuestiones universales y dejan en manos del público la interpretación final de las mismas.

Según el artista declara, «Lo más especial de trabajar en la calle es conocer nuevos lugares, transformarlos con una pintura o una escultura, e inspirar a la gente que vive allí. Es decir, lo que viene siendo el poder transformador del arte y su capacidad para mejorar el entorno. Por tanto, mi mayor motivación procede de la ilusión por seguir conociendo nuevos países, nuevas culturas y nuevas gentes, lo que a su vez se traduce en un profundo interés por propiciar la retroalimentación cultural.»

Okuda es una persona tremendamente hiperactiva, «Necesito crear para ser feliz. De ahí la exigencia auto-impuesta de hacer crecer y madurar mi obra de estudio a través de la seriedad y el compromiso con la misma, independientemente de que se venda o no. Trabajo en nuevas cosas todo el tiempo ya que no quiero dejar de evolucionar. Por ejemplo, mi trabajo escultórico nace de mi necesidad de ver mis pinturas cobrar vida en 3 dimensiones y poder así plantear un espacio expositivo que no se basara únicamente en la pintura.»

Okuda nos explica que «El trabajo en la calle conlleva una comunicación directa con todo tipo de gente; mientras, el trabajo en estudio es más íntimo. No obstante, tanto en el espacio público como entre cuatro paredes, disfruto al máximo juntando mundos dispares entre sí. Me inspira todo lo que me rodea: amigos, viajes, música, la calle, la noche, el cine… A modo de resumen, pienso en mí mismo como un artista inconformista, autor de obras, de gran formato en el espacio público y en un formato más asequible en el estudio, fragmentadas en formas geométricas y con una fuerte policromía.»

Vídeo en el que se puede ver el proceso de realización de Animal Magical, una de las piezas de la intervención de Okuda en colaboración con Goldman Global Arts (GGA) en el puerto de Boston. Okuda participó creando un fondo de arcoíris como atmósfera de diversidad donde encontramos animales en diferentes estados de transformación en seres mágicos, una referencia a las culturas antiguas que tenían una mayor conexión con la naturaleza al adquirir la identidad de los animales en sus rituales. La composición pretende resaltar la necesidad de encontrar hoy en día una relación más equilibrada entre los animales y los humanos.

Según Okuda sigue explicándonos, «Mi estilo procede de una larga y sustancial evolución, desde el lettering que practicaba cuando comencé a crear en la calle y su consiguiente evolución hacia las posteriores formas geométricas trabajadas en el estudio. Una vez comencé a estudiar historia del arte, el surrealismo se convirtió en mi primer amor; me siento identificado con artistas como Dalí o Magritte y soy también admirador de artistas japoneses como Keiichi Tanaami o Tomokazu Matsuyama, quienes exploran una moderna versión del mismo; no obstante, por encima de ellos siempre sitúo a El Bosco, y su obra “El Jardín de las Delicias”, como principal referencia. Estas influencias hacen que mi obra pueda definirse como composiciones surrealistas con una fuerte inspiración procedente de culturas antiguas mezclada con iconos contemporáneos y mi pasado en el graffiti.»

Otra vertiente en la trayectoria del artista es la que se ha dejado seducir por la intrínseca relación entre arte y paisaje urbano. Desde su punto de vista, lo interesante es jugar con la arquitectura y ver cómo puedes hacer de sus ventanas, ojos, y de sus muros, historias. En su caso, esto se traduce en la combinación de arquitectura clásica y pintura contemporánea en muchos de sus trabajos en el espacio público. Uno de sus objetivos principales es hacer de esa unión, no solo un elemento artístico sino también uno habitacional/vivencial, en el cual las personas puedan convivir.

A Okuda le gusta trabajar sobre variadas formas humanas y animales y con el significado de cada una de ellas, así como también con las posibles mutaciones entre animales y humanos, jugar con sus escalas y dar lugar a imposibles criaturas digitales; al mismo tiempo, tiende a colocar en un mismo nivel al hombre y a la naturaleza y de esta forma, lograr una suerte de equilibrio universal… En el fondo, esta es una manera metafórica de definir a Dios. Algunos de sus iconos favoritos son, la calavera como símbolo de vida y la paloma como símbolo de libertad.

Desde los comienzos de Okuda en el mundo del graffiti, ha colaborado con otros artistas, esta clase de colaboraciones, de hermandad, como el mismo define, son habituales en artistas de este ámbito y es algo que quiere conservar: «Trabajar junto a otros artistas es como llevar mi arte a otros mundos».

Para Okuda, «El caos es la libertad de elegir nuestro propio camino y disfrutar del viaje. Hagámoslo a nuestra manera». Así resumió el artista la idea de Kaos Garden, la fiesta que debutó en Amnesia Ibiza en 2019 con motivo del lanzamiento de elrow’art y continuó en Miami y Nueva York. El público juega un papel activo en esta fiesta única, interactuando con el mundo de fantasía surrealista de Okuda inspirado en el cuadro de El Bosco «El Jardín de las Delicias». El espectáculo se acompañó de un set de cinco horas especialmente elaborado para la ocasión por el Dj. Paco Osuna. Elrow’art es una iniciativa de Ink and Movement y Elrow que busca unir a artistas y público a través de experiencias únicas.

En el aspecto conceptual de sus obras, Okuda hace una declaración en la que expone que «Mi obra invita a la reflexión sobre temas que nos afectan a todos, con un mensaje optimista que invita a adentrarse en un mundo mágico. Por otro lado, me considero un artista que ha trasladado la estética del pensamiento de nuestros días al espacio público. A través de mi arte hablo acerca del pasado y del futuro, de la modernidad y de nuestras raíces, y la capacidad del ser humano para transformar la naturaleza. El color representa para mí la multiculturalidad, el multi-género, la pluralidad… Todas las banderas, todas las razas, todos los géneros están ahí representados. El color es mi psicología de andar por casa y, a través del uso de todos ellos, hablo acerca de que no dejamos de ser, en realidad, uno. Por otro lado, con la geometría hago referencia a la modernidad, a lo digital. De esta manera, a lo largo de mi trayectoria la comunicación entre lo orgánico/natural y lo futuro/artificial es constante, en contraposición a la sociedad moderna, que ha cortado toda comunicación con su espiritualidad y le falta al respeto a la naturaleza, lo que bien puede traducirse en su propio fin.»

Finalmente, Okuda afirma que «Tanto en el estudio como en la calle, no me gusta dar mensajes cerrados pero sí hablo de temas universales. Yo intento abrir caminos en lugar de tratar de dar respuestas cerradas. Desde mi punto de vista, lo importante no es la solución sino el camino hacia la misma. Por ello, el mío no es un mensaje cerrado sino abierto a interpretaciones, tanto del que ve mi obra paseando por la calle como del que la observa expuesta.»

Como hemos podido apreciar, Okuda San Miguel es un artista con un gran transfondo interior en todas sus obras, que no son realizadas de un manera simple y banal sino fruto de una reflexión profunda, de tener en cuenta sus convicciones y raices y los diversos aspectos que le rodean y le preocupan.

Os invitamos a seguir a este gran artista y conocer sus últimos trabajos visitando su página web: https://okudasanmiguel.com/

Lita Cabellut es una de las artistas españolas más reconocidas a nivel internacional, aunque para el gran público es todavía en gran medida una desconocida. Lita Cabellut nació en Sariñena (Huesca) en 1961 y no tuvo una infancia normal, su madre la abandonó cuando era tan sólo una niña y se fue a Barcelona con su abuela a vivir en la zona más dura y conflictiva de la ciudad. Entre bares de alterne y vida en la calle su vida transcurría alejada de lo que podemos llamar la cultura hasta que cuando tenía 12 años fue adoptada por un familia de Barcelona con la que pudo tener acceso a la cultura a partir de ese momento. Haciendo una visita en el Museo de Prado con sus padres adoptivos se enamoró del cuadro de Las Tres Gracias de Rubens y decidió que quería ser pintora recibiendo clases de pintura en Barcelona con quien le enseñó a trabajar con los colores y a los 19 años se fue a Amsterdam a estudiar en la reconocida academia Gerrit Rietveld donde cultivó el gusto por los retratos. Goya y su técnica del claroscuro y los contrastes es otra de sus grandes fuentes de inspiración al igual que Francis Bacon y Camarón de la Isla al que se refiere como su ídolo.

Lita Cabellut trabaja principlamente con óleo sobre lienzo en obras de gran formato, también realiza dibujos en papel, escultura, fotografía, poesía, poemas visuales y vídeos. Estamos por tanto ante una artista versátil y multidisciplinar que ya ha alcanzado el reconocimiento internacional circulando su obra por las colecciones y mercados de arte de las ciudaddes más importantes del mundo.

En 2015 entró en el ranking de los 500 artistas más cotizados del mundo de la revista especializada Artprice, situándola en el puesto 333. En cuanto a artistas españoles solo estaba por detrás de Miquel Barceló y En 2015 entró en el ranking de los 500 artistas más cotizados del mundo de la revista especializada Artprice, situándola en el puesto 333. En cuanto a artistas españoles solo estaba por detrás de Miquel Barceló y Juan Muñoz (desaparecido a los 48 años en 2001).

Lita dice que sólo puede pintar aquello que conoce, lo que entiende. la artista reside en La Haya (Ámsterdam) desde hace años, en su casa taller con sus cuatro hijos que se dedican también como su madre al arte y la música.

Lita Cabellut es de raza gitana y en el año 2011 recibió el Premio de Cultura Gitana de Pintura y Artes Plásticas del Instituto de Cultura Gitana en reconocimiento al trabajo realizado en beneficio de la cultura gitana en el mundo.

Podéis conocer mejor a Lita y la obra de esta genial artista en los siguientes vídeos y documentales y en su página web: https://www.litacabellut.com/