Entre las más recientes confirmaciones destacan los Premios Pritzker Smiljan Radić (2026) y el estudio Lacaton & Vassal (2021). Además de Junya Ishigami, famoso por su enfoque experimental y poético de la arquitectura y el renombrado experto en espacio público Jan Gehl.

Después de tres décadas, Barcelona volverá a convertirse en el epicentro del debate arquitectónico global. Del 28 de junio al 2 de julio 2026, la ciudad acogerá el Congreso Mundial de Arquitectos de la UIA 2026 Barcelona (UIA2026BCN), que reunirá a 10.000 profesionales, estudiantes y representantes institucionales de más de 130 países bajo el lema “Becoming. Architectures for a planet in transition”.

Más de 250 ponentes internacionales distribuidos en más de 100 sesiones en múltiples escenarios organizados con sesiones plenarias, debates, foros abiertos, talleres, presentaciones de investigaciones inéditas y celebraciones públicas activarán Barcelona como un espacio concentrado de intercambio.

Situado a lo largo del frente marítimo mediterráneo —desde la nave de turbinas de las Tres Chimeneas hasta espacios arquitectónicos de referencia — el Congreso va más allá del formato convencional de conferencia para invitar a experimentar una ciudad que apuesta por la capacidad de transformación de la arquitectura. Las entradas ya están disponibles y cuentan con una política de precio muy accesible que permitirá a todos los profesionales del sector participar a esta cita histórica.

El programa de UIA2026BCN se organiza en torno a las seis líneas de Becoming, cada uno abordando un ámbito específico: Becoming More-than-human explora la ecología, los ecosistemas y clima; Becoming Circular se centra en la reutilización y los ciclos de vida de los edificios; Becoming Embodied analiza tecnologías de materiales; Becoming Interdependent reflexiona sobre políticas espaciales, vivienda y espacio público; Becoming Hyper-Conscious examina datos, geopolítica y legislación, y Becoming Attuned se enfoca en la poética, la estética y la cultura.Cada temática se desarrollará durante media jornada de conferencias (durante tres días: del 29 de junio al 1 de julio).

Lunes 29 de junio: Becoming More-than-human y Becoming Circular

El lunes 29 de junio, el Congreso iniciará su programa de ponencias con las sesiones matutinas bajo el eje Becoming More-than-human, dedicado a la ecología en la arquitectura entendiendo a la naturaleza no solamente como un medio de extracción de recursos. Las sesiones explorarán cómo el diseño puede incorporar nuevas formas de convivencia entre especies, territorios y procesos ecológicos, así como el papel político de la arquitectura frente a la crisis ambiental. Entre las ponencias destacadas se encuentran la de Junya Ishigami, Kate Orff y Dirk Sijmons.

Por la tarde del mismo día (29/06), las ponencias se centrarán en Becoming Circular. En esta línea temática se dedica especial atención a las estrategias de rehabilitación del patrimonio construido, al reciclaje, la proximidad, la eficiencia energética y la economía de recursos como herramientas para reducir la huella de carbono. Entre las ponencias destacan las de Lacaton & Vassal, H Arquitectes, Jo Taillieu, Flores i Prats, Baukunst, Søren Pihlmann y Parabase.

Martes 30 de junio: Becoming Embodied y Becoming Interdependent

La siguiente jornada, la mañana del martes 30 de junio estará dedicada a Becoming Embodied, la línea que se centra en la investigación de materiales y en los procesos de construcción y tecnologías de fabricación. Las ponencias analizarán cómo los materiales—especialmente aquellos de origen local o con bajo impacto ambiental— integran valores medioambientales y sociales, explorando su potencial estructural, los sistemas de ensamblaje y la adaptabilidad de estos a lo largo del tiempo. Entre las ponencias destacadas se encuentran la de Marina Tabassum, Palinda Kannangara, Bruther, BC architects & studies & materials, Hive Earth, Lehm Ton Erde, Arquitectura G y Go Hasegawa.

La programación de la tarde del segundo día se centra en las dimensiones sociales, políticas y económicas del entorno construido con Becoming Interdependent, el eje que propone repensar las formas de convivencia basadas en el cuidado, la cooperación y la solidaridad como motores del empoderamiento social. Las sesiones abordarán temas como las políticas espaciales que promueven el derecho a la vivienda, la perspectiva de género y el espacio público. La vivienda se analizará desde diversos enfoques por Lacol, Erika Nakagawa y Clauss Kahl Merz y Mariana Mazzucato. El diseño urbano y el espacio público serán abordados, entre otros, por Jan Gehl, Rural Urban Framework y Rahul Mehrotra.

Miércoles 1 de julio: Becoming Hyper-Conscious y Becoming Attuned

La mañana del miércoles 1 de julio estará dedicada a “Becoming Hyper-Conscious”, un eje que examina cómo las dinámicas a escala planetaria —incluyendo las relaciones geopolíticas, los marcos legislativos, la digitalización y la inteligencia artificial— influyen directamente en las realidades locales y en la vida cotidiana. Las sesiones invitarán a desarrollar una conciencia crítica sobre estos fenómenos y a explorar sus implicaciones y potencial para la práctica arquitectónica contemporánea. Entre las ponencias destacadas están la de Mario Carpo, Forensic Architecture y Center for Spatial Technologies.

Por la tarde, Becoming Attuned se adentrará en la dimensión poética de la arquitectura, atenta a los contextos materiales, culturales y afectivos. Reclama una mirada más sensible, abierta, guiada por el deseo y la curiosidad, que celebre la incertidumbre, lo cotidiano y la accidentalidad, así los fenómenos físicos y digitales. Este “Becoming” funciona como punto de cierre de los otros cinco encuentros y condensa cómo la confluencia de todos ellos permite percibir las sutilezas y bellezas presentes en objetos y espacios. En esta jornada destacan las ponencias de Smiljan Radić, Matilde Cassani, Tatiana Bilbao Estudio, Bêka & Lemoine, Enrique Walker, Philip Ursprung, y Alexander Brodsky.

El Congreso es convocado por la Unión Internacional de Arquitectos (UIA) y está organizado por el Consejo Superior de los Colegios de Arquitectos de España (CSCAE) y el Col·legi d’Arquitectes de Catalunya (COAC). Además, cuenta con el apoyo del Ministerio de Vivienda y Agenda Urbana de España, la Generalitat de Catalunya y el Ayuntamiento de Barcelona, que lo han reconocido como un evento de excepcional interés público.

El congreso se propone como referente para el debate sobre la arquitectura del futuro, respaldado por los acuerdos con Roca, HP y Holcim como main partners; y Velux como partner.

Podéis obtener más información sobre el congreso en su página web oficial www.uia2026bcn.org

Y en su canal de YouTube en el que se añadirán contenidos y ponencias muy interesantes @uia2026bcn

Todos amamos la energía solar y eólica, pero tienen un problema obvio: el sol no brilla de noche y el viento no siempre sopla. Necesitamos almacenar esa energía para cuando la demanda sube. Hasta ahora, la respuesta han sido las baterías de litio (caras y con huella ecológica) o las centrales hidroeléctricas de bombeo (que requieren montañas y agua).

Aquí es donde entra el concepto de almacenamiento de energía por gravedad. La idea es brillantemente simple: utilizas el exceso de energía eléctrica para levantar un peso. Cuando necesitas recuperar esa energía, dejas caer el peso, y ese movimiento hace girar una turbina que genera electricidad. Es física pura: energía potencial convertida en energía cinética.

Energy Vault y SOM: Una alianza de altura

La empresa suiza Energy Vault lleva años perfeccionando esta tecnología, pero necesitaban llevarla a una escala masiva. Para ello, se han asociado con Skidmore, Owings & Merrill (SOM), uno de los estudios de arquitectura más prestigiosos del mundo, responsables de diseñar el edificio Burj Khalifa en Dubái o el One World Trade Center en Nueva York.

El resultado de esta colaboración son las Torres EVx™. No son simples máquinas; son superestructuras arquitectónicas diseñadas para integrarse en el paisaje o funcionar como edificios híbridos.

A continuación, podéis ver el vídeo explicativo de cómo Energy Vault concibe este uso de la gravedad para almacenar energía de forma masiva en los edificios:

¿Cómo funciona el sistema paso a paso?

El sistema se basa en gigantescas grúas y miles de bloques móviles compuestos de materiales reciclados. El proceso es un ciclo continuo de carga y descarga:

1. Carga (Almacenamiento): Cuando hay un exceso de energía en la red (por ejemplo, un día muy soleado en una planta fotovoltaica), el sistema utiliza esa electricidad para activar unos motores gigantes. Estos motores levantan bloques de composite de 35 toneladas desde el suelo hasta la parte superior de la torre. Ahí se quedan, «guardando» esa energía en forma de altura (energía potencial).

2. Descarga (Generación): Cuando la ciudad enciende las luces y se necesita electricidad, el sistema invierte el proceso. La gravedad hace su trabajo y los bloques se bajan controladamente. La fuerza de esa caída hace girar los motores (que ahora actúan como generadores), inyectando electricidad de nuevo a la red.

Arquitectura cinética: El diseño de las torres

Lo revolucionario de la propuesta de SOM es que transforma esta maquinaria industrial en una arquitectura flexible. Las estructuras, que pueden alcanzar alturas de entre 300 y 1.000 metros, están diseñadas para maximizar la eficiencia y la sostenibilidad.

Estas son algunas claves de su diseño:

• Materiales sostenibles: Los «ladrillos» que se mueven no son de hormigón tradicional (que tiene una huella de carbono alta). Están hechos de tierra local compactada, residuos mineros o incluso fibra de vidrio reciclada de aspas de aerogeneradores viejos.

• Diseño modular: Al igual que un juego de construcción, la capacidad de almacenamiento se puede ampliar simplemente haciendo la torre más grande o añadiendo más módulos.

• Estructuras de carbono compensado: SOM ha diseñado estas estructuras para que puedan capturar carbono durante su vida útil, acelerando la recuperación de la inversión energética.

Aquí podéis ver el vídeo del proyecto conjunto donde se aprecia la magnitud y la estética de estas «baterías rascacielos»:

Ventajas frente a las baterías convencionales

¿Por qué construir torres gigantes en lugar de usar baterías Tesla? La respuesta está en la durabilidad y el coste:

• Sin degradación: Una batería química pierde capacidad con cada carga. Un bloque de 35 toneladas pesa lo mismo hoy que dentro de 50 años. La gravedad no se desgasta.

• Coste nivelado: Aunque la construcción inicial es grande, el coste operativo es muy bajo y la vida útil es mucho mayor que la de cualquier batería química.

• Eficiencia: La empresa asegura una eficiencia de ida y vuelta superior al 80%, rivalizando con las baterías de litio.

Almacenamiento de energía por gravedad en los edificios, el futuro del almacenamiento

La colaboración entre la ingeniería de Energy Vault y la visión arquitectónica de SOM nos muestra un futuro donde nuestros edificios no son solo estáticos, sino máquinas activas que participan en la red eléctrica. Y cuanto más alto, mejor, los rascacielos se convertirían en catedrales de la energía cinética y podrían ser la pieza clave para que, por fin, podamos depender al 100% de las energías renovables, independientemente de si hace sol o si sopla el viento.

Explicación del sistema de almacenamiento de energía por gravedad.

1. Fase de Carga: Almacenando la energía

Cuando hay un excedente de energía renovable (por ejemplo, un día muy soleado o ventoso), esa electricidad se utiliza para alimentar los motores de la torre. Estos motores levantan grandes bloques de peso, convirtiendo la energía eléctrica en energía potencial almacenada en la altura.

2. El proceso inverso, la fase de descarga: Generando electricidad

Cuando la red eléctrica necesita energía (por ejemplo, por la noche), el sistema deja que los bloques bajen de forma controlada. La fuerza de la gravedad hace girar los motores, que ahora actúan como generadores, convirtiendo la energía cinética de nuevo en electricidad limpia que se inyecta a la red.

3. Resumen del ciclo y ventajas clave

Entre las principales ventajas de esta tecnología destaca la sostenibilidad, su alta eficiencia, su larga vida útil sin degradación (a diferencia de las baterías químicas) y el uso de materiales sostenibles y locales, evitando la dependencia de minerales críticos como el litio.

Podéis obtener más información en:

https://www.som.com/ (Skidmore, Owings & Merrill (SOM) is a collective of architects, designers, engineers, and planners working together to build a better future.)

https://www.energyvault.com/ (Revolutionizing energy storage solutions with an innovative approach. Energy Vault partners globally to deliver unmatched hardware, software, and service solutions.)

Nacido en Osaka (1941), Ando se formó fuera de la academia. Antes de abrir su estudio en 1969, viajó compulsivamente, dibujando y midiendo espacios, del Racionalismo europeo a los templos tradicionales japoneses. En 1995 recibió el Premio Pritzker, reconocimiento a una obra que había encontrado una voz personalísima: geometrías puras, hormigón visto impecable, y una escritura espacial basada en la secuencia y el vacío. Su práctica, aunque internacional, permanece anclada a un ethos japonés: ma (el intervalo), contención, wabi-sabi depurado (no rústico) y un respeto escrupuloso por el paisaje.

Hormigón visto como “papel de arroz”

El hormigón de Ando está pulido, afinado, preciso. Las juntas de encofrado y las huellas cónicas de los tirantes aparecen moduladas como notación musical. No es decorativismo: ese control otorga al plano una escala humana y le permite captar la luz con una suavidad casi textil.

La luz como material

Ando no “ilumina” espacios: esculpe la luz con cortes, ranuras y cruces que introducen haces direccionales, penumbras, resplandores. En la Church of the Light (1989), el vacío en forma de cruz abre el muro y convierte la liturgia en pura luminiscencia.

Vacío y recorrido

El vacío (ma) no es ausencia, sino tensión expectante. Los accesos suelen desorientar para desacelerar al visitante: muros pantalla, patios interpuestos, rampas que giran. La arquitectura se entiende en movimiento; cada giro revela una nueva relación entre muro, cielo y horizonte.

Naturaleza enmarcada

Agua, patios, vegetación, viento: la naturaleza entra como co-protagonista. En la Church on the Water (1988), el espejo de agua no adorna: es el altar extendido hacia el paisaje. En Naoshima, la topografía dicta el gesto; el arte se posa en el entre.

Geometría esencial

Círculos, cuadrados, triángulos: formas primarias que, al desplazarse y tensionarse, producen situaciones espaciales de gran riqueza. La austeridad formal no limita; potencia el acontecimiento de la luz y el aire.

Azuma House / Row House, Osaka (1976)

Una vivienda en hilera que se parte y deja entrar el cielo como corazón del proyecto. El patio central, expuesto a la lluvia, obliga a habitar el clima. Aquí ya está todo: vacío, luz, hormigón y una vida coreografiada por umbrales.

Rokko Housing I–III, Kobe (1983–1998)

Viviendas aterrazadas en ladera, una malla que encadena vistas y recorridos. La forma resuelve pendiente y densidad sin perder intimidad. La repetición de módulos y la serie de rampas demuestran que el sistema Ando puede escalar.

Church on the Water, Tomamu (1988)

Dos cajas y un paisaje-altar. La sala se abre hacia el agua; una cruz flota sobre el espejo, a veces bajo la nieve. La imagen icónica no deriva del gesto formal, sino de la alineación exacta entre arquitectura y territorio.

Church of the Light, Ibaraki (1989)

Una nave mínima con un muro abierto en cruz. El contraste entre oscuridad y haz luminoso convierte la materia en inmaterialidad. Es la síntesis más extrema de su credo: menos forma, más luz.

Benesse House, Naoshima (1992–) y el ecosistema de la isla

Naoshima es un laboratorio de arte, paisaje y arquitectura. En Benesse House, hotel y museo conviven con patios, muros y vistas que recortan trozos de mar. La obra se expande en el tiempo con el Chichu Art Museum y otros dispositivos, siempre en diálogo con la topografía.

Modern Art Museum of Fort Worth (2002)

Planos de hormigón y láminas de agua componen un paisaje reflexivo. A escala urbana, Ando demuestra que su lenguaje no es solo íntimo o sacro; puede ser institucional sin perder serenidad.

Chichu Art Museum, Naoshima (2004)

Semienterrado para no perturbar la isla, alberga instalaciones de Monet, Turrell y De Maria. La luz cenital, modulada por patios geométricos, transforma la visita en ritual. Chichu condensa el ideario de Ando: arte, tierra y cielo en una secuencia de silencios.

Langen Foundation, Neuss (2004)

Transparencias, patios y una calma casi monástica para una colección de arte oriental y contemporáneo. Un pabellón que parece levitar entre planos de vidrio y hormigón.

21_21 Design Sight, Tokio (2007)

Pliegues de acero y suelo que emergen de la tierra. Un gesto rasa el terreno y demuestra que Ando también sabe flexionar su gramática cuando el programa lo pide, manteniendo su ética de la contención.

Punta della Dogana, Venecia (2009)

Intervenir en lo histórico sin estridencia: Ando vacía, limpia y tensa la ruina con planos de hormigón que no compiten con la materia original. Una lección de restauración contemporánea.

Habitar un edificio de Ando es recorrer una secuencia dramática. Nada se da de golpe. El acceso suele ser indirecto; un muro ciego desvía, una rampa baja, un patio filtra. Esa coreografía sirve para desacoplar nuestro ritmo del de la ciudad y afinar la percepción. Al llegar a la sala principal —templo, museo o vivienda—, el cuerpo ya está en otra frecuencia: listo para leer la luz, escuchar el silencio, oler la humedad del agua. Si el modernismo confiaba en la planta libre, Ando confía en el tiempo: su arquitectura no se entiende en planta, se revela caminando.

El hormigón de Ando no es un fin; es un medio para lograr silencio y calidad de luz. Por eso exige una ejecución obsesiva: encofrados impecables, juntas alineadas, superficies sin imperfecciones que puedan romper la penumbra. Pero esa severidad no es fría: los patios introducen vegetación, el agua templa el aire, la madera aparece puntualmente como contrapunto cálido. El resultado es una atmósfera táctil donde el visitante nota la temperatura, la brisa, el eco.

Lejos de la arquitectura que imita la naturaleza o la domestica, Ando la enmarca. El recurso del muro pantalla —que corta vistas para dirigir la mirada— demuestra que el paisaje no es un fondo, es un plano activo. El agua no es decorativa: duplica el cielo, amplifica la luz, silencia el ruido urbano. Y, sobre todo, impone una temporalidad: estaciones, lluvias, nieve. La arquitectura se completa con el clima, como en la Row House donde cruzar el patio bajo la lluvia es parte de la vida.

En Ando conviven el rigor moderno de Le Corbusier o Kahn y la sensibilidad japonesa por el entre. El “ma” —ese intervalo que da sentido a las cosas— estructura sus vacíos; el engawa (umbral exterior-interior) se reinterpreta como patio; la penumbra (Tanizaki) se convierte en materia de proyecto. La modernidad aporta claridad geométrica; la tradición, medida y contención. El resultado no es síntesis ecléctica, sino un nuevo lenguaje.

La potencia de Ando no radica en el exceso formal, sino en su capacidad de condensar. Un par de muros, un patio, una lámina de agua, un corte de luz… y, sin embargo, la experiencia es intensa. Su arquitectura no se apoya en iconografías evidentes ni discursos saturados; propone un ritmo para que el visitante se encuentre con algo inaprensible: su propio tiempo, su propia respiración. Por eso sus iglesias conmueven a laicos y creyentes; por eso sus museos disponen al espectador ante el arte.

El legado de Ando es doble. Por un lado, demuestra que el minimalismo no es una estética de carencia, sino abundancia de atención: a la luz, al aire, al tiempo. Por otro, abre un camino para intervenir en contextos históricos y paisajes frágiles con una ética de la presencia discreta. Generaciones de arquitectos han aprendido de su precisión material, de su idea de recorrido y, sobre todo, de su entendimiento del edificio como instrumento de percepción.

Hoy, cuando la arquitectura oscila entre la estridencia icónica y la sostenibilidad cuantificada, la lección de Ando sigue siendo vigente: menos es más solo si menos está milimétricamente afinado para dejar pasar la luz y escuchar el lugar.

Volvamos al punto de partida. En Ando, el hormigón no aplasta; suspende. Una pared puede abrirse en cruz y volverse luz; un patio puede exponer la lluvia y volverla costumbre; un muro puede silenciar el paisaje para que una franja de cielo hable. Ahí reside su magia: economía formal al servicio de una riqueza sensorial. Su obra —de Osaka a Naoshima, de Fort Worth a Venecia— nos recuerda que la arquitectura puede ser, todavía hoy, un arte de mirar mejor.

Podéis obtener más información sobre este genial artista en su web oficial: https://www.tadao-ando.com

Jòdul inaugura un espectacular showroom de 1.500m2 donde se muestran las últimas tendencias en diseño y arquitectura. El nuevo espacio expositivo cuenta con once ambientes diseñados por interioristas y arquitectos.

Jòdul, empresa familiar referente en la distribución de materiales para la construcción, la arquitectura y el interiorismo, ha renovado su espacio expositivo de 1.500 m2 en la localidad barcelonesa de Taradell, en el marco de la celebración de su 30º aniversario.

El showroom, diseñado por el estudio Nualart y el equipo de Jòdul, presenta una impresionante zona de aguas rodeada por once ambientes diseñados por interioristas de la zona en los que se exponen firmas como Mutina, Sira Concrete, Dica, Florim, Marazzi, Duravit y Dornbracht. El resultado es un espacio inspirador donde descubrir las últimas tendencias y con el que Jòdul reafirma su compromiso con la calidad y la excelencia en el sector.

Jòdul apuesta por convertirse en una prolongación del estudio de arquitectura e interiorismo en cuanto a materiales se refiere, mostrando en su espacio una amplia variedad de posibilidades y firmas que ofrecer a sus clientes: pavimentos y revestimientos, parquets y maderas, cocinas, baños y materiales de construcción. El diseño del centro, que destaca por la combinación de líneas depuradas con una paleta de colores neutros, consigue un ambiente visualmente armónico donde los materiales son los protagonistas.

Explicación del sistema de almacenamiento de energía por gravedad.

Después de cerrar el ejercicio del año pasado con una facturación de 17 millones de euros, la previsión de Jòdul para 2023 es alcanzar los 18 millones. Con un equipo formado por 35 profesionales, la compañía, en constante crecimiento y actualización, está centrada el plan de consolidación con sus diferentes líneas de negocio: cocinas, baños, obra, retail y contract.

A través del recorrido del renovado espacio y sus distintos ambientes, descubrimos cómo la armonía y el equilibrio, la sencillez y la elegancia, la experimentación y la creatividad se presentan como elementos clave en el nuevo centro, inspirando e invitando a vivir experiencias únicas en un entorno acogedor.

El nuevo centro se ha convertido en un punto de encuentro para los amantes de la decoración gracias a la colaboración con destacados interioristas y arquitectos de la Catalunya Central, donde cada uno de ellos ha mostrado su personalidad conformando una visión sorprendente y diversa: Alda Studio con su espacio “Oasis Cromàtic”, Estudi Nualart con “Nuansa”, Albert Nebot con “Zenit”, RS Arquitectura y Sandra Soler han trabajado de forma conjunta en los espacios “Pigment” y “Aura”, mientras que Mireia Torruella ha presentado “Oasis”, Colomer Rifà “D’Orígens”, Marta Mir “Grid”, Dizaynct “Sensi”, y 4 Ratlles y Abel Monmany “APlom” y “Terra” respectivamente.

«Desde Jòdul hemos querido dar un paso más y consolidar nuestro posicionamiento como referentes en el sector. La reforma del showroom, el centro neurálgico de la empresa, que fusiona diseño, creatividad y funcionalidad, nos permitirá seguir afrontando grandes proyectos. A través de la optimización del espacio, un diseño cálido, líneas depuradas y una estética armoniosa, hemos conseguido el lugar ideal para inspirar y dar a conocer las últimas tendencias de diseño.” Explica Aman Cabanas, portavoz de Jòdul.

Jòdul apuesta por convertirse en una prolongación del estudio de arquitectura e interiorismo en cuanto a materiales se refiere, mostrando en su espacio una amplia variedad de posibilidades y firmas que ofrecer a sus clientes: pavimentos y revestimientos, parqués y maderas, cocinas, baños y materiales de construcción. El diseño del centro, que destaca por la combinación de líneas limpias con una paleta de colores neutros, logra un ambiente visualmente armónico donde los materiales son los protagonistas. La luz natural no solo resalta los detalles y colores de los productos, sino que también transmite una sensación de serenidad.

Entre los clientes de Jòdul, tanto a nivel nacional como internacional, destacan algunas de las principales cadenas hoteleras y de supermercados, así como promotores de viviendas y proyectos en el ámbito hospitalario. Además, una de las áreas clave de la empresa son las viviendas privadas. Jòdul, en constante crecimiento y actualización, ha presentado una nueva web corporativa que permite personalizar listas de materiales para proyectos y buscar inspiración a través de ambientes conceptuales, con el objetivo de convertirse en una extensión de sus dos espacios físicos: el central de Taradell y Jòdul Lab, inaugurado en 2017 y, que ubicado en la calle Numancia 205 de Barcelona, cuenta con una superficie de 400 m².

Sobre Jòdul

Desde 1992, Jòdul ofrece pavimentos y revestimientos cerámicos, parquets, baños y cocinas que combinan calidad, funcionalidad y estética. Fundada como Aman en 1962 por la primera generación de los actuales propietarios, la empresa se convirtió en Jòdul hace 30 años. Actualmente, con la tercera generación, ha crecido y evolucionado, y cuenta con un equipo de 35 profesionales, dos espacios de referencia en Taradell y Barcelona, y trabaja en proyectos a nivel nacional e internacional sin perder de vista sus orígenes. De la mano de firmas como Mutina, Sira Concrete, Dica, Florim, Marazzi, Duravit y Dornbracht, Jòdul se ha convertido en un referente en la distribución de materiales para la construcción, arquitectura y diseño de interiores.

Más info en www.jodul.com

Fotos © Judith Casas

Passivhaus es un tipo de construcción en la que se utilizan los recursos de la arquitectura bioclimática para conseguir una mayor eficiencia energética que en la construcción tradicional.

La Casa Pasiva es por tanto un tipo de construcción con un consumo energético muy bajo que ofrece una temperatura ambiente estable y confortable, sin hacer uso de los sistemas de calefacción convencional.

El concepto de casa pasiva se popularizó en las escuelas de arquitectura de Estados Unidos a principios de la década de los 80 (Passive House), tras la publicación del libro La casa pasiva: Clima y ahorro energético del Instituto de Arquitectura de Estados Unidos (The American Institute of Architects).

Este concepto de PassivHaus se desarrolló posteriormente en Alemania durante la década de los 80, siendo el físico alemán Wolfgang Feist, del Institut für Wohnen und Umwelt (Instituto de Vivienda y Medio Ambiente​) y el sueco Bo Adamson, profesor de la Universidad de Lund University de Suecia los promotores de esta tendencia. Una Casa Pasiva es aquella que nos ayuda a mantener unas condiciones interiores de confort y bienestar, temperatura, humedad, etc. en unas condiciones óptimas, con el máximo aprovechamiento de recursos, que contribuirán sin duda a mejorar nuestro nivel de salud y la de nuestro planeta.

Debido al modo en que se construyen estas casas y a la excelente calidad térmica de los materiales de cerramiento (paredes, ventanas y puertas), la vivienda pasiva no necesita los mecanismos de refrigeración ni calefacción convencionales.

Al hacer uso de fuentes de calor internas procedentes por ejemplo de dispositivos eléctricos de uso en hogar y a la minimización de pérdidas de ventilación, con sistemas controlados de recuperación de calor, este tipo de casas son mucho más eficientes.

Una de las principales ventajas que tienen las Casas Pasivas es que el consumo de energía es mucho menor o prácticamente nulo gracias a que se construyen con excelentes materiales y elementos aislantes y a la incorporación de energías renovables.

La forma en la que vivimos tiene una relación directa con nuestra huella ecológica, de este modo, las emisiones de CO2 de la energía que consumimos por el funcionamiento de nuestras viviendas representa el 60% del total de emisiones de CO2 del planeta. De ahí la enorme importancia de cuidar el modo de construir nuestras viviendas y hacerlo de una manera eficiente y sostenible.

Cuando hablamos de una Casa Pasiva “Passivhaus” estamos haciendo referencia a una certificación alemana creada en el año 1988 que acredita si un edificio cumple los niveles técnicos necesarios para ser considerada como Casa Pasiva.

Los cinco aspectos que recoge la certificación son: – Tener un excelente aislamiento térmico. – Carpinterías de altas prestaciones (triple acristalamiento, baja transmitancia y correcta instalación). – Ausencia de puentes térmicos. – Hermeticidad del aire. – Ventilación mecánica con recuperación de calor.

Cualquier nueva construcción, con independencia de su tamaño y uso, puede edificarse según los estándares Passivhaus. El sello Passivhaus certifica un consumo de los edificios casi nulo (menor a 15 kWh por metro cuadrado por año en calefacción) y además fomenta la construcción de edificios energéticamente eficientes y económicamente asequibles.

El sello Passivhaus es un concepto constructivo que se ha extendido a nivel internacional habiendo sido ya aplicado en más de 25.000 edificios en todo el mundo. Una casa puede funcionar de forma pasiva sin estar certificada igual que puede concebirse como pasiva y utilizar gran parte de los aspectos pasivos, sin alcanzar las condiciones necesarias que establece el sello Passivhaus.

Una casa certificada con el sello Passivhaus siempre entrará dentro de la categoría de Casa Pasiva, sin excepciones, puesto que el certificado sirve para validar los conceptos básicos del diseño bioclimático.

Pueden existir muchos niveles de Casa Pasiva ya que su eficiencia depende del presupuesto disponible, el clima local y las características del terreno.

Hoy en día, el concepto de la Casa Pasiva o PASSIVHAUS cobra más fuerza e importancia que nunca y en muy poco tiempo se espera que se convierta en un estándar de construcción que nos acercará más a la eficiencia energética y de consumo en nuestros hogares, tan beneficiosa para nosotros mismos y para nuestro entorno.

No te pierdas estos vídeos para obtener más información sobre las casas pasivas o passivhaus.

En esta entrevista el arquitecto y diseñador japonés Oki Sato nos habla sobre su enfoque lúdico del diseño y nos muestra algunos de sus proyectos.

En este otro vídeo, Oki Sato nos deja pensamientos y reflexiones sobre el trabajo, el éxito y los valores como el siguiente: «Hay como una Diosa… que te sonríe. Y existen personas que están esperando a la Diosa, entonces la Diosa nunca te mirará. Pero si te estás enfocando en otra cosa, estás trabajando muy duro en lo que realmente te gusta, sin esperar nada más a cambio, entonces esta Diosa se pone celosa y viene hacia ti, te lleva al éxito de alguna manera. Así que las personas que buscan el éxito, nunca lo logran. Pero las personas que se concentran en lo que hacen y disfrutan de lo que que están haciendo, al final, creo que están muy cerca del éxito».

Oki Sato es reconocible por su manera de vestir, camisa blanca, pantalón negro y chaqueta negra, un vestuario minimalista y acromático reflejo de su estilo sosegado. En el vídeo Sato nos explica que este vestuario es consecuente con su idea de repetición, de repetir en su vida tanto como sea posible, de esta manera él cree que la repetición le permite percibir mejor los cambios, por mínimos que sean, que se producen a su alrededor y, por lo tanto, encontrar inspiración en los pequeños momentos de la vida.

«My football kit» es uno de los últimos proyectos terminados por Oki Sato y su estudio Nendo. Ha sido realizado para la empresa japonesa de equipamientos deportivos Molten, que fabrica desde hace tiempo balones de fútbol, baloncesto, voleibol y balonmano usados en competiciones oficiales. Consistió en desarrollar un balón de fútbol simplificado para que los niños tengan la oportunidad de jugar y disfrutar del fútbol, con la esperanza de popularizar el deporte y aumentar el número de jugadores en comunidades empobrecidas. Además de las dificultades para obtener un balón de fútbol en muchos lugares del planeta, su mantenimiento presenta una gran barrera, unas veces por la falta de bombas de aire y otras por el grado de deterioro del mismo.

Como respuesta a este problema, se ideó una pelota de fútbol no inflable que da la misma sensación al patear que la que obtenemos con una pelota estándar. Su desarrollo está inspirado en la estructura de la pelota de bambú tejida, tradicional japonesa.

El ensamblaje de tres tipos de componentes para un total de 54 piezas da como resultado un balón de fútbol que, en lugar de depender de la presión del aire interno, se basa en la elasticidad de su material de superficie. Los componentes blandos de polipropileno reciclado y resina sintética elastomérica no dañan los pies descalzos y es poco probable que, incluso si se rompen puedan causar lesiones.

Si un componente se desprende durante el juego, la estructura entrelazada asegura que la pelota no se desarme. Proporciona una alta capacidad de mantenimiento y por tanto, eficiencia económica, ya que se puede restaurar reemplazando solo los componentes rotos, logrando así una larga duración de uso.

Los componentes pueden enviarse desmontados en paquetes compactos, lo que reduce los costos de envío. La disponibilidad de componentes en varios colores, ayuda a los niños a fortalecer su apego a la pelota a través del trabajo de ensamblaje formando su propia combinación de colores. Las instrucciones de montaje están diseñadas como si fuera un libro de imágenes e ilustraciones, fáciles de entender, sin apenas texto para que los niños de todo el mundo puedan montar una pelota. También se diseñó un saco de embalaje para llevar la pelota como una mochila.

A continuación se muestran imágenes del proyecto de diseño «My football kit» en las que podemos ver las piezas con las que se monta el balón de fútbol y el resultado final en sus distintas variantes.

En esta vídeo animación «50 sillas manga diseñadas por Nendo para la galería Friedman Benda», podéis ver de una manera muy «lúdida y amena» como la enorme creatividad del estudio Nendo genera 50 formas de sillas diferentes.

Oki Sato es un artista completo que se mueve perfectamente por diferentes territorios, como podéis ver en este vídeo en el que el fundador de Nendo nos explica cómo su estudio de diseño japonés tomó prestada la obra de M. C. Escher para crear la instalación «Escher X Nendo | Entre dos mundos». Nendo generó unos diseños inspirados en el enfoque matemático de Escher que los visitantes de la exposición podían seguir a través de los diferentes espacios de la galería. La exposición «Escher X Nendo | Between Two Worlds» tuvo lugar entre 2018 y 2019 en NGV International, Melbourne, Australia.

Como muestra de trabajo arquitectónico realizado por Nendo, a continuación os mostramos unas imágenes y un vídeo del proyecto «Plaza Estación de Tenri CoFuFun» en el que se interviene en un área de 6.000 metros cuadrados que incluye alquiler de bicicletas, cafetería, tiendas, quiosco de información, zona de juegos, escenario al aire libre y espacio para reuniones y eventos para los residentes en Tenri, en la prefectura de Nara, situada en el sudoeste de Japón. Los límites urbanos de Tenri incluyen un número de tumbas japonesas antiguas, conocidas como «cofun». Los cofun son hermosos e inconfundibles y se mezclan en los espacios de la vida cotidiana en la ciudad. El paisaje de la plaza está inspirado por los cofun y es una representación de la geografía característica de la zona: la cuenca de Nara, rodeada por montañas. En el proyecto podemos apreciar de nuevo el enfoque lúdico que tienen las obras de Oki Sato.

Podéis obtener más información sobre el diseñador Oki Sato en la página web de su estudio de diseño, Nendo: www.nendo.jp

De acuerdo con el autor Alan Hess en su libro Googie: Fifties Cofee Shop Architecture, el origen del nombre Googie se sitúa en 1949 cuando el arquitecto John Lautner diseñó una cafetería con el nombre de «Googie’s» que tenía las características arquitectónicas de las que hemos hablado. Esta cafetería estaba en la esquina de Sunset Boulevard y Crescent Heights en Los Ángeles y fue demolida en la década de los 80. En el libro de Alan Hess, el autor expone que el profesor Douglas Haskell de la Universidad de Yale y el fotógrafo arquitectónico Julius Shulman conducían por Los Ángeles cuando se detuvieron delante de Googie’s y Haskell proclamó «esto es la arquitectura Googie». Posteriormente, el profesor escribió un artículo en 1952 en la revista House and Home y se refirió al tipo de arquitectura como Googie, pasando a estandarizar la denominación.

El Theme Building es un ejemplo de edificio de diseño futurista influenciado por el estilo de arquitectura Googie. Está situado en el Aeropuerto Internacional de Los Ángeles. Se inauguró en 1961.

La torre The Space Needle (la Aguja Espacial) de Seatle es un excelente exponente de la arquitectura de estilo futurista llamada Googie. Fue construida en 1962 en el centro de la ciudad y es un proyecto de Edward E. Carlson.

Uno de los primeros restaurantes McDonalds abierto en Chicago Illinois en 1955, ejemplo de arquitectura Googie.

La influencia del estilo Googie ha sido muy grande y constante, alimentándose de distintas fuentes y generando numerosos iconos tanto en forma de objetos como arquitectura o audiovisuales dando lugar a lo que conocemos hoy en día como estilo retro-futurista al cuál se recurre una y otra vez como fuente de inspiración. De la influencia Googie han nacido por ejemplo, los dibujos animados de The Jetsons (Los Supersónicos) y la zona Tomorrowland del parque de atracciones Disneyland de Anaheim en California, el único construido bajo la supervisión del mítico Walt Disney. También podemos citar la lámpara lava inventada en 1963 por Edward Craven-Walker, fundador de la empresa de iluminación Mathmos, que fue comercializada en 1965 con el nombre de «Astro Lamp».

La película «Los Increíbles» de Pixar es otro ejemplo de la influencia del estilo de diseño Googie, que podemos apreciar de manera clara, tanto en la arquitectura como en diferentes objetos y mobiliario que aparecen en esta obra maestra de la empresa que lo cambió todo 😉.

En este vídeo se puede apreciar la gran influencia que el estilo de arquitectura Googie ha tenido en la realización de la película de Pixar «Los Increíbles».

La Salesforce Tower es un rascacielos de oficinas situado en el barrio South of Market del distrito financiero de San Francisco. Es la pieza central del proyecto San Francisco Transbay y fue diseñado por el arquitecto argentino César Pelli. Se trata del edificio más alto de San Francisco con una altura total de 326 m y 61 pisos.

En el edificio (https://www.salesforcetower.com/) se han asentado algunas compañías muy importantes como por ejemplo la que da nombre al mismo, Salesforce, empresa estadounidense de software conocida por producir el CRM (plataforma de gestión de relaciones con los clientes) Sales Cloud y otros productos con enfoque en la atención al cliente, marketing, inteligencia artificial y gestión de comunidades, sus soluciones están dirigidas tanto a Pymes como a grandes corporaciones.

Podéis obtener más información sobre estas herramientas con gran aceptación por parte de las empresas en los últimos tiempos en su página web: https://www.salesforce.com

El arquitecto del edificio ha sido César Pelli a través del estudio Pelli Clarke Pelli Archichets https://pcparch.com/. El estudio de arquitectura ha realizado a lo largo de los años numerosas obras repartidas por todo el mundo, entre ellas, Torre Sevilla, Torre Iberdrola en Bilbao, Torre de Cristal en Madrid, La Torre Unicredit en Milán, La Gran Torre Santiago en la ciudad de Santiago en Chile, Wells Fargo Center en Minneapolis y muchísimas más.

En los siguientes vídeos se puede observar la belleza y elegancia de esta esbelta torre, la Salesforce Tower.