🎧 Recomendado ver el videoclip con auriculares.
💫 Animación e historia creadas para el canal de YouTube de El Parque de los Dibujos, pulsa aquí para visitarlo.

El Círculo de Bellas Artes vuelve a transformarse en un palacio embrujado para su ya tradicional Noche de Muertos y Brujas. En la antesala de su centenario, el edificio convoca a brujas, catrinas y criaturas esotéricas en una velada que rinde tributo a la cultura mexicana y a las fuerzas ocultas que visitan nuestro mundo en esta fecha.

31 de octubre · 22:30 · Círculo de Bellas Artes (Madrid)
Salas activadas: Sala de las Columnas y Salón de Baile.

Los seres fantásticos serán las figuras centrales de la ceremonia de este año, junto a los inolvidables espíritus que hacen su visita a nuestro mundo en esta fecha. Homenajeando la cultura mexicana, la presencia de brujas, bestias demonios y demás seres esotéricos desfilarán por este icónico palacio, en la antesala de su centenario. Esta reunión de lo tradicional con lo oculto y lo espiritual conseguirá recrear un ambiente único con la diversión como punto de partida.

La música estará a cargo de varios djs que harán mover el esqueleto a los asistentes que transiten por la Sala de las Columnas o por el Salón de Baile. El dúo afincado en Barcelona, Tambor digital y la DJ Mila Moon, argentina con residencia en la Ciudad Condal, darán el pistoletazo de salida. Los primeros, con notas entre la electrónica, el afrobeat y una unión entre la mesa de DJ y el uso de percusión en vivo; por su parte, Mila Moon traerá una intensa sesión de cumbia y neo perreo. Más tarde, su compatriota Piti Vaccari y la ya conocida madrileña EME DJ tomarán el control de los platos con un par de horas de dembow y ritmos afrolatinos, junto a hits de disco e indie pop.

Llegando al final, la madrugada estará amenizada por nombres familiares como Sonido Tupinamba, nacida en Los Andes, y sus inconfundibles sesiones con aroma tropical, o Andy Grey, una de las apuestas nacionales que mezcla lo urbano y la vanguardia latina. La guinda final la pondrán el guatemalteco Meneo y el dúo madrileño La Gatería con sesiones enérgicas para cerrar esta velada. La curaduría de todos estos grandes artistas ha sido gracias a las ya mencionadas Piti Vaccari y Mila Moon.

Además del baile, la noche despliega un programa de lecturas de tarot en directo, juegos de luces inmersivos, performances y otras sorpresas que potenciarán el ambiente místico del evento.

La imagen de esta edición es obra de la ilustradora mexicana Ana Chávez, cuyo estilo combina lo siniestro y lo amable con una minuciosidad encantadora. Entre sus piezas destacadas se encuentra su propio Tarot del Zodiaco.

Ana Chávez (@ana_fer_cha) es ilustradora y creadora de art toys. Su imaginario cruza tarot, brujería amable y juguetes retro “raros” para construir criaturas dulces con un punto inquietante. Hablamos con ella sobre orígenes, referentes y su “Tarot del Zodiaco”.

Empecé dibujando para mí, sin pensar en el destino de esas imágenes. Estudiar Artes me ayudó a construir un mundo propio y a compartirlo en digital; después lo llevé a lo tangible —bolsas, pines, art toys— y ahí entendí que podía convertirlo en oficio sin perder la parte lúdica.

Una mezcla. Estudié en la Facultad de Artes de la UAEM, donde organicé ideas y narrativa gráfica; pero mucho lo aprendí por mi cuenta, dibujando con lo que tenía y dejando que el estilo se formara solo.

El extraño mundo de Jack me acompaña desde niña; me atrae Halloween y el cine de terror clásico. También me influyen Remedios Varo, Leonora Carrington, Pamela Colman Smith, El Bosco y Gustave Doré.

Quiero personajes inquietantes y cercanos a la vez. Lo tierno también puede ser juguetón y pícaro; esa chispa rompe la inocencia y mantiene viva la personalidad de cada criatura.

El Tarot del Zodiaco. Fue un proceso simbólico e introspectivo que reforzó mi conexión con lo esotérico y la intuición, y redefinió mi forma de narrar con imágenes. Me invitaron a ilustrarlo durante la pandemia junto a los textos de Cecilia Lattari. Dibujé las 78 cartas en cuatro meses y medio: me volvió más ágil e intuitiva y me hizo consciente de mi lenguaje visual. El tarot siempre estuvo en mi familia; coleccionaba mazos antes de imaginar que ilustraría el mío.

Amo los juguetes retro que algunos consideran “feos” o inquietantes: Rushton, Kewpies, bootlegs. Su mezcla de ternura, rareza y nostalgia me llevó a crear mis propios art toys y personajes. Empezó como algo personal en Instagram y terminó conectando con gente de todo el mundo.

El símbolo, el ritual y también el humor. Crecí entre limpias con huevo, amuletos y remedios familiares; esas costumbres me acompañan y filtran en mis dibujos.

Crear desde la emoción y el disfrute, aun con las complejidades del trabajo freelance. Valorar el proceso y lo artesanal: en mis piezas todo pasa por mis manos; en esa imperfección hecha a pulso también está mi identidad.

El stop motion: su rareza y su artesanía total. Admiro a Henry Selick, Jan Švankmajer y proyectos mexicanos como Cinema Fantasma con Soy Frankelda. Demuestran que se puede hacer stop motion en México con identidad potente.

Que mis imágenes los transporten a espacios y recuerdos propios. Con el Tarot del Zodiaco muchas personas me dicen que nunca conectaron tanto con otro tarot. Ahí está la magia: cuando mi universo se encuentra con el de alguien más.

Entre música, luces y tarot, la Noche de Muertos y Brujas del Círculo de Bellas Artes promete una velada inolvidable. Y tras el baile, queda el hechizo de las imágenes: el mundo de Ana Chávez, donde lo tierno y lo oscuro conviven con una sonrisa traviesa. Ponte tu mejor disfraz, cruza el umbral y… que empiece el akelarre.

¿De qué va?
Olivia tiene 12 años y, de la noche a la mañana, su vida se da la vuelta: su madre, su hermano pequeño Tim y ella son desalojados y deben empezar de cero en otro barrio. Para amortiguar el golpe, Olivia inventa una idea luminosa: “todo es una película”. Si cada día es un rodaje, cada problema tiene “tomas” y “repeticiones”; cada tropiezo puede reescribirse; y, sobre todo, Tim puede sentirse a salvo dentro de esa ficción protectora. La llegada de vecinos acogedores y vivarachos convierte las pruebas cotidianas en pequeñas aventuras donde el juego y la solidaridad hacen de puente.

Una historia real envuelta en plastilina
La película adapta la novela La película de la vida, de Maite Carranza, y utiliza la animación stop motion no para endulzar la realidad, sino para hacerla abordable: la textura de los materiales, la luz que respira fotograma a fotograma y el gesto mínimo de cada personaje crean una cercanía que no resta verdad, solo añade empatía. Es una obra familiar (≈70 min), pensada para dialogar con niñas, niños y adultos desde un mismo lugar de emoción compartida.

Quién está detrás
La dirección es de Irene Iborra Rizo, con guion de la propia Iborra junto a Júlia Prats y Maite Carranza. El diseño de personajes es de Morgan Navarro; la dirección de fotografía, de Isabel de la Torre; y la producción reúne equipos de España, Francia, Bélgica, Chile y Suiza, una cooperación internacional que se siente en la riqueza visual y sonora del film. Distribuye internacionalmente Pyramide; en España figura Filmax.

Annecy 2025 y más allá
Seleccionada en la competencia de largometrajes de Annecy 2025, la película recibió excelentes críticas y se alzó con el premio de la Fundación GAN; además, ha continuado su recorrido en otros festivales como Ottawa (OIAF), confirmando que su mezcla de ternura y realidad social conecta dentro y fuera del circuito infantil.

Por qué importa
Hablar de pobreza, inseguridad habitacional o depresión a través de la animación exige un equilibrio delicado. Aquí, el stop motion no banaliza el dolor: lo acompaña. La “película” que Olivia se inventa no niega el problema, pero le pone nombre, ritmo y pausas, creando un lugar simbólico desde el que pedir ayuda, cuidar y ser cuidada. Es, en el fondo, una historia sobre redes: las que sostenemos para no caer y las que aprendemos a tejer cuando todo tiembla.

Ficha y datos rápidos

• Título: Olivia y el terremoto invisible (2025)

• Duración: ~70 min · Género: familiar · Técnica: stop motion

• Dirección: Irene Iborra Rizo · Guion: Irene Iborra, Maite Carranza, Júlia Prats

• Selección: Annecy 2025 (competencia oficial) · Premio: Fundación GAN en Annecy

• Sinopsis breve: tras un desahucio, Olivia convierte el día a día en un “rodaje” para proteger a su hermano y hallar comunidad.

Para seguir la pista

• Ficha oficial de Annecy con sinopsis.

• Productoras y ficha técnica ampliada (Cornelius / Filmax).

• Entrevista y cobertura en Animation Magazine.

Se espera el estreno de la película para el  21 de noviembre de 2025. Mientras, podéis ver el tráiler a continuación.

Lost es una una historia de duelo y promesas en clave de aventura fantástica: una chica japonesa viaja a Bali para cumplir un compromiso con su amiga fallecida, pero se pierde en el bosque y es acechada por una misteriosa criatura. Corto realizado en CGI por estudiantes de The One Academy, centro de formación de arte, diseño, ilustración, animación digital  y tecnologías de la información y comunicación de Malasia: www.toa.edu.my

Datos clave

• Formato: cortometraje CGI (3D)

• Duración: ~6:25 min.

• Producción: proyecto estudiantil de The One Academy (colectivo Ayam Betutu Production; batches DG2108 & IL2105).

• Sinopsis breve: viaje a Bali para cumplir una promesa; pérdida en la selva; tensión y fantasía.

• Año/estreno: 2025 (difusión en el canal oficial de la escuela).

Este cortometraje en CGI es una producción estudiantil de The One Academy, creada por los grupos DG2108 e IL2105 bajo el sello Ayam Betutu Production. Estrenado en 2025, representa el trabajo conjunto de jóvenes talentos especializados en animación 3D, ilustración y diseño digital.

La obra destaca por la cuidada dirección artística, el modelado detallado de personajes y escenarios, y la integración de música y sonido para potenciar la atmósfera narrativa. Más allá de su historia sobre la amistad, la pérdida y el cumplimiento de promesas, LOST es también un ejercicio académico que muestra cómo la colaboración entre diferentes especialidades puede dar lugar a un resultado de gran calidad técnica y expresiva.

Este proyecto refleja el compromiso de The One Academy con la formación en cine de animación, dando a sus estudiantes la oportunidad de experimentar un pipeline completo: concept art, storyboard, modelado, texturizado, rigging, animación, iluminación, composición y postproducción.

Si hay un videoclip que captura a la perfección la energía del hip hop australiano a través de la animación 2D y el diseño gráfico, ese es «Rapunzel» de Drapht. Este tema, que sirvió como carta de presentación para su aclamado álbum The Life of Riley, no solo destaca por su lírica afilada sobre las relaciones modernas, sino por una pieza visual vibrante que merece ser diseccionada.

El videoclip fue realizado por el estudio de diseño y animación con sede en Melbourne, We Are Synapse. Lejos de ser un video musical convencional, la pieza es un ejercicio brillante de motion graphics y narrativa visual. Bajo la dirección de creativos como Glenn Thomas y la dirección de arte de Dave May, el estudio logró traducir el ritmo frenético y la historia de «amor-odio» de la canción en una secuencia ininterrumpida de metáforas visuales.

La realización del video destaca por su estilo de ilustración vectorial plana, utilizando una paleta de colores que combina tonos terrosos y urbanos con estallidos de color que marcan los «golpes» del beat producido por Trials. La animación no se limita a acompañar la letra; la interpreta, transformando al propio Drapht y a la figura de Rapunzel en personajes dinámicos que se mueven en un entorno que cambia constantemente al ritmo de la rima. Es un ejemplo perfecto de cómo la animación digital puede elevar la narrativa de una canción, convirtiendo la letra en elementos gráficos tangibles que interactúan con los personajes.

Si te gusta la ilustración que coquetea con el diseño gráfico y la tipografía cinética, este trabajo de We Are Synapse es una referencia obligada de la escena creativa australiana de principios de la década.

Notas sobre el videoclip:

Sobre el estudio: We Are Synapse (a veces acreditados con nombres individuales como Dave May o Glenn Thomas en la dirección) fue un estudio clave en esa época en Melbourne, conocido por mezclar diseño gráfico puro con producción de video.

Estilo:  «Motion Graphics» e «Ilustración vectorial» serían técnicamente lo que define el estilo «plano» y limpio del video, lo cual encaja muy bien con un acabado de Animación 2D.

Animación realizada por la agencia chilena Smog para la campaña «Santander Verde».

Esta pieza audiovisual no es un mero ejercicio estético, sino que responde a la ambiciosa hoja de ruta de Banco Santander hacia la transición ecológica. La entidad se ha comprometido a ser Net Zero (cero emisiones netas) en 2050, no solo en su propia actividad, sino en todas las emisiones de sus clientes derivadas de su financiación.

La animación ilustra conceptos clave de su estrategia, como el objetivo de movilizar 220.000 millones de euros en financiación verde entre 2019 y 2030, o iniciativas como el Santander X Environmental Challenge, que apoya a emprendedores con soluciones sostenibles. A través del uso de metáforas visuales y una narrativa fluida, la campaña busca traducir el complejo lenguaje de las finanzas sostenibles (bonos verdes, criterios ESG, descarbonización) en un mensaje cercano, optimista y visualmente impactante.

Kerbside Collection es un conjunto instrumental de jazz-funk de los suburbios de la tercera ciudad más grande de Australia, en la costa norte media: Sunny Brisbane QLD. La banda toca jazz, funk y groove raro tradicional para escuchar o bailar.

El sonido de la banda se remonta a la música de la costa oeste californiana de los años 60 y 70 de artistas como Wes Montgomery, George Benson, Chico Hamilton, Joe Sample y The Crusaders, mientras también admiran a artistas contemporáneos como Soulive, Bobby Hughes, James Taylor, Eddie Roberts & The New Mastersounds, Stance Brothers, Frootful, The Matson 2, etc.

Trabajos anteriores de Kerbside Collection han contado con variedad de remixes y reinterpretaciones, incluidas las de Renegades Of Jazz (Agogo Records), Ennio Styles (RRR / Worldwide fm), Blunted Stylus, Sampology, Street Rat, Renegades Of Jazz, JNBO, Two Dee, Paprika, Grant Phabao (DJ de París), Chikashi Nishiwaki, Horatio Luna y Sabrosa.

Así mismo Kerbside Collection han contado con el reconocimiento de personas como Gilles Peterson, Danny Krivit, Dom Servini, Diesler, Lance Ferguson, Mike Gurrieri, Jazzanova, Bradley Zero y Ennio Style.

Su cuarto álbum de estudio, Round The Corner se lanzará en febrero de 2022 y este es adelanto del álbum que cuenta con un vídeo animado realizado por la artista residente en Bristol, Gina Tratt https://ginatratt.com

DoorDash es una de las nuevas empresas de entrega de pedidos de restaurantes a domicilio. Tiene su sede en San Francisco y acaba de lanzar este anuncio consistente en una estupenda pieza de técnica mixta en la que predomina la técnica de stop-motion que os presentamos a continuación.

La animación ha sido realizada por Stevie Gee y Essy May, directores del estudio británico Blink https://blinkink.co.uk/.

En el Making Of podéis apreciar el laborioso y artesano proceso de construcción de personajes, decorados y de grabación que se ha seguido para obtener el resultado final.