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James Dyson: Más allá del ciclón. El caballero inconformista que rediseñó el mundo

Bloom Magazine — Thu, 04 Jun 2026 11:34:12 +0000

¿Sabías que hicieron falta 5.127 prototipos fallidos para que naciera la primera aspiradora Dyson? Te contamos cómo su creador convirtió la frustración doméstica en el imperio de diseño e ingeniería más sexy y codiciado del planeta.

James Dyson: Más allá del ciclón. El caballero inconformista que rediseñó el mundo

Para muchas personas, el nombre de James Dyson evoca imágenes de elegancia futurista: aspiradoras sin bolsa que parecen sacadas de una nave espacial, secadores de pelo que desafían la gravedad y purificadores de aire sin aspas que rozan la magia. Sin embargo, reducir a Sir James Dyson a la etiqueta de «el rey de las aspiradoras» sería cometer una profunda injusticia con una de las mentes más fascinantes, obstinadas y polifacéticas de nuestro tiempo.

Detrás del imperio multimillonario y de los diseños expuestos en el MoMA, se esconde un hombre que se define a sí mismo no como un brillante hombre de negocios, sino como un inadaptado, un agricultor, un educador y, sobre todo, una «mula» testaruda que ha hecho del fracaso su mayor obra de arte.

En este artículo, nos adentramos en la vida personal, las rarezas y la filosofía de un genio que nos enseña que el diseño no es solo estética, sino una forma de enfrentarse al mundo.

James Dyson en 2015

El niño que corría en las dunas y el valor del dolor

Para entender la resiliencia casi sobrehumana de James Dyson, hay que viajar a la costa de Norfolk, Inglaterra, en la década de los cincuenta. La infancia de James estuvo marcada por una tragedia temprana: su padre, un profesor de lenguas clásicas que amaba dirigir obras de teatro y enseñar deportes, falleció de cáncer de garganta y pulmón a los 40 años, cuando James tenía apenas nueve.

Criado por su madre viuda y con la bondad del director de su internado, el Gresham’s School, que le permitió estudiar gratis durante diez años tras la muerte de su padre, Dyson desarrolló un agudo sentimiento de ser «diferente» al resto de los niños. Esta pérdida no lo hundió, sino que forjó en él un espíritu ferozmente competitivo y una necesidad vital de vivir al límite de sus capacidades.

Fue en esos años cuando descubrió su primera gran obsesión: correr largas distancias. Inspirado por el legendario corredor Herb Elliott, el joven James se levantaba a las 6:00 a.m. para correr diez kilómetros, iba a clases, y volvía a correr otros diez kilómetros a las 10:00 p.m., a menudo subiendo y bajando por las dunas de arena para fortalecer sus piernas.

Esta experiencia física le enseñó la lección más importante de su vida, una que aplicaría a cada uno de sus futuros diseños: el concepto de la «barrera del dolor». Según Dyson, en toda carrera llega un punto en el que el agotamiento es insoportable y el cuerpo te pide parar. «Ese es el momento en el que todos los demás se detienen o reducen la velocidad. Así que, en ese preciso instante en el que quieres rendirte, debes acelerar», afirma. Ese principio de no rendirse jamás cuando todo parece perdido se convertiría en el motor de su existencia.

De pintor a ingeniero: El nacimiento de un terco

Sorprendentemente, el hombre que revolucionaría la ingeniería moderna no estudió ingeniería en su juventud. Educado en los clásicos (latín, griego e historia antigua), Dyson quería ser pintor. Asistió a la Byam Shaw School of Art de Londres, donde un astuto director, al ver sus dibujos, le sugirió que el mundo quizás no lo necesitaba como pintor, sino como diseñador.

Dyson se trasladó al Royal College of Art, donde pasó del diseño de muebles al diseño de interiores, y finalmente a la arquitectura y la ingeniería. Su mente hizo «clic» al descubrir la obra de Buckminster Fuller, el creador de las cúpulas geodésicas. Dyson quedó maravillado al comprender que la verdadera belleza no provenía del estilo superficial, sino de la funcionalidad y la ingeniería misma.

Poco después, conoció a quien sería su gran mentor, el excéntrico inventor Jeremy Fry, quien lo contrató para diseñar y vender el Sea Truck, una lancha de desembarco de alta velocidad. Fry le enseñó a despreciar la burocracia y a adorar la experimentación pura. Si tenían una idea para probar la hidrodinámica de un casco, no consultaban a teóricos; simplemente ataban un trozo de madera a un Land Rover, lo arrastraban por un lago y observaban qué ocurría. Fry le enseñó que, con entusiasmo, inteligencia y desprecio por los formalismos, todo era posible.

James Dyson haciendo una presentación

Un caballero de peculiaridades: Cinturones reales y fobia a los expertos

Dyson es un hombre de contrastes fascinantes. A pesar de amasar una fortuna que lo sitúa entre los hombres más ricos del Reino Unido (superando los 16.000 millones de libras en su punto álgido), rechaza frontalmente la etiqueta de «hombre de negocios». Se considera un ingeniero manchado de polvo, un creador.

Físicamente, su estilo llama la atención. Suele vestir de manera moderna y artística, a menudo con prendas diseñadas por su yerno y su hija (que son diseñadores de moda). Como él mismo señala: «No tengo que vestir de forma aburrida con colores tristes solo porque sea ingeniero». Pero si hay un detalle estético que lo define, es un cinturón de cuero rojo que lleva usando durante años. No es un rojo cualquiera; es el tono exacto que, en la Francia del siglo XVIII, solo la realeza tenía permitido usar. Aunque bromea diciendo que no se cree de la realeza, la elección refleja su amor por la historia y su gusto por lo inusual. De hecho, fue nombrado Caballero del Imperio Británico en 2006 por el Príncipe Carlos (hoy Rey Carlos III), una ceremonia que recuerda con humor por el miedo que pasó al tener una pesada espada medieval rozando sus hombros.

Pero su mayor peculiaridad profesional es su absoluto desprecio por la «experiencia» y los «expertos». En su empresa, rara vez valora la experiencia previa. Prefiere contratar a jóvenes recién graduados o estudiantes sin ningún tipo de bagaje en la industria. Dyson sostiene una teoría radical: la experiencia te enseña por qué no hacer las cosas, inhibe la creatividad y fomenta las malas costumbres corporativas. La ingenuidad, en cambio, permite a los jóvenes hacer «preguntas estúpidas» y explorar caminos que los expertos considerarían imposibles. Su lema es claro: si quieres innovar, los expertos son peligrosos porque matan las nuevas ideas basándose en el pasado.

La filosofía del fracaso: 5.127 intentos y la obsesión por el control

Para entender la dimensión de James Dyson en la cultura popular, debemos hablar del producto que lo cambió todo y del calvario que supuso crearlo. A finales de los años 70, Dyson estaba frustrado. Su aspiradora Hoover Junior se atascaba constantemente y perdía succión. Al vaciar la bolsa, se dio cuenta de que el problema no era que estuviera llena, sino que los poros de la bolsa se taponaban con el polvo fino desde el primer segundo.

La inspiración le llegó de un aserradero local, donde vio un gigantesco cono ciclónico de 10 metros de altura que separaba el serrín del aire usando fuerza centrífuga. Rápidamente, corrió a casa e hizo un prototipo en miniatura con cartón y cinta adhesiva. Funcionó. Pero llevar esa idea al mercado se convertiría en una odisea épica de resiliencia.

Dyson se encerró en la antigua cochera de su casa (Coach House), un lugar helado y sin comodidades, dispuesto a perfeccionar la tecnología ciclónica. Durante los siguientes cuatro o cinco años, fabricó a mano nada menos que 5.127 prototipos.

Piensen en ello: 5.126 fracasos absolutos. Días enteros en los que regresaba a casa cubierto de polvo, exhausto y deprimido, pensando que moriría haciendo ciclones sin avanzar jamás. Sin ingresos, acumuló deudas asfixiantes con tasas de interés del 22%, obligando a su esposa, Deirdre, profesora de arte, a firmar repetidamente los documentos del banco poniendo su hogar como garantía.

¿Por qué no se rindió? Porque Dyson practica lo que él llama el «enfoque edisoniano»: hacer un solo cambio a la vez, probar, fallar y aprender. Para él, el éxito es aburrido, pero el fracaso es fascinante. Cada error le decía exactamente qué no hacer en el siguiente intento. Finalmente, el 2 de mayo de 1992, justo el día de su 45 cumpleaños, construyó el primer prototipo funcional perfecto.

Pero el camino no se allanó. Intentó licenciar su tecnología a las grandes multinacionales de electrodomésticos (Electrolux, Hoover), pero todas lo rechazaron. ¿El motivo? Estas empresas ganaban cientos de millones vendiendo las bolsas de recambio y no querían destruir su propio negocio lucrativo.

Esta travesía por el desierto cimentó otra de sus peculiaridades más marcadas: su obsesión patológica por el control total. Años antes, Dyson había inventado la Ballbarrow (una carretilla con una bola en lugar de rueda para no hundirse en el barro). Fue un éxito, pero cometió el error de ceder la patente a la empresa, controlada por inversores externos. Cuando hubo desacuerdos, los accionistas lo expulsaron de su propia compañía y le robaron su invento. Aquello lo destrozó, pero le enseñó una lección de oro. Con la aspiradora, decidió no depender de nadie: pidió un préstamo de 600.000 libras poniendo su casa en juego por enésima vez, fabricó él mismo la máquina y fundó su propia empresa. Hoy en día, Dyson Ltd. es una empresa privada al 100% sin accionistas externos, lo que le permite tomar decisiones radicales a largo plazo sin dar explicaciones a Wall Street.

La revolución del diseño: La belleza de la ingeniería y el desprecio por los «Focus Groups»

«La diferencia por el simple hecho de ser diferente». Este es el credo bajo el cual James Dyson crea cada objeto. Su impacto en la cultura del diseño industrial es incalculable porque demostró que un electrodoméstico prosaico, algo que se esconde en un armario, podía transformarse en un objeto de deseo, casi en una obra de arte contemporáneo.

Dyson rechaza la idea de que el diseño sea solo «la carcasa» que se le pone a una máquina al final. Para él, el diseño es la ingeniería. Cuando lanzó su primera aspiradora (la DC01), decidió que el depósito de polvo fuera transparente. Los minoristas se horrorizaron: «Nadie quiere ver la suciedad, es asqueroso». Pero Dyson, en contra de todas las convenciones, sabía que a los usuarios les fascinaría ver visualmente cómo la máquina trabajaba y extraía la suciedad de sus alfombras. La transparencia se convirtió en un sello de honestidad y rendimiento.

Por esta razón, Dyson odia profundamente los estudios de mercado y los focus groups. Su razonamiento es brillante: los consumidores solo pueden opinar sobre lo que ya existe. Como dijo Henry Ford, si le hubieran preguntado a la gente qué querían, habrían pedido caballos más rápidos. Los creadores deben «inventar el futuro», algo que el público aún no sabe que necesita.

Esta filosofía de lateralidad y pensamiento cruzado (lo que él compara con la mentalidad de una abeja que poliniza de diversas fuentes en contraposición a la araña que teje desde sí misma) lo ha llevado a reimaginar objetos maduros. Vio que los secadores de manos eran lentos e ineficientes y creó el Airblade, que «raspa» el agua de las manos con una lámina de aire a más de 600 km/h. Vio que los ventiladores de aspas eran peligrosos y ruidosos, y creó el Air Multiplier, un aro futurista que amplifica el flujo de aire basándose en principios de aerodinámica de fluidos. Vio que los secadores de pelo dañaban el cuero cabelludo y eran pesados, así que invirtió millones en miniaturizar un motor digital capaz de girar a 110.000 revoluciones por minuto para esconderlo en el mango del dispositivo, naciendo el icónico secador Supersonic y el moldeador Airwrap.

En todos estos casos, Dyson tomó un mercado aburrido y lo sacudió hasta los cimientos, elevando el acto de secarse el pelo o limpiar el suelo a una experiencia de lujo tecnológico.

Secador de pelo Dyson Supersonic Fuchsia

Más allá del taller: El agricultor, el educador y el soñador de imposibles

Sin embargo, este homenaje a James Dyson quedaría incompleto si no mostráramos las otras caras del poliedro que es Sir James Dyson. Su incansable curiosidad lo ha llevado mucho más allá de los motores y los filtros HEPA.

1. El granjero tecnificado

Pocos saben que James Dyson es uno de los mayores terratenientes y agricultores de todo el Reino Unido. Pero, fiel a su estilo, no practica una agricultura tradicional. A través de Dyson Farming, cultiva fresas en pleno invierno británico utilizando el calor residual de biodigestores anaeróbicos (que a su vez generan electricidad verde). Utiliza flotas de drones para monitorizar los cultivos, invierte en robótica para arrancar malas hierbas sin usar químicos y, como toque más hedonista, posee viñedos en la Provenza francesa donde elabora su propio vino y aceite de oliva. Para él, la agricultura es otro gran desafío de la ingeniería para hacer un mundo más sostenible y eficiente.

2. El educador revolucionario

Cansado de quejarse a los ministros del gobierno por la alarmante falta de ingenieros en el país, Dyson decidió tomar el asunto en sus propias manos. En 2017, fundó el Dyson Institute of Engineering and Technology. Esta universidad es una rareza mundial: los estudiantes no pagan un solo céntimo de matrícula. Al contrario, Dyson los contrata, les paga un sueldo de 45.000 dólares al año, les da vacaciones e incluso coche. Estudian teoría dos días a la semana y los otros tres trabajan codo con codo con científicos en proyectos reales. Salen de la universidad sin deudas y con cinco años de experiencia práctica real.

A través de su fundación, también promueve el James Dyson Award, un certamen internacional que busca jóvenes capaces de «diseñar algo que resuelva un problema». Gracias a este premio, jóvenes inventores han desarrollado desde plásticos biodegradables a partir de restos orgánicos, hasta cascos de enfriamiento portátiles para evitar la caída del cabello en pacientes con quimioterapia. Dyson cree ciegamente que la juventud y la tecnología, y no los discursos apocalípticos, salvarán al mundo.

Conoce la fundación James Dyson en el siguiente enlace: www.jamesdysonfoundation.com

3. El amante de los fracasos épicos (El coche de los 750 millones)

Quizás la faceta más admirable de Dyson es su capacidad para encajar fracasos monumentales con una sonrisa. A principios de los años 2000, lanzó la Contrarotator, una lavadora de dos tambores que giraban en direcciones opuestas. Lavaba excepcionalmente bien, pero sus costes de producción eran altísimos y fue un desastre comercial. Dyson aún tiene una en su casa y la usa a diario, recordando con cariño que fue un intento valiente.

Pero su mayor salto al vacío ocurrió recientemente. En 2014, años antes de que la industria del automóvil abrazara masivamente lo eléctrico, Dyson y su equipo decidieron diseñar un coche eléctrico desde cero (el proyecto N526). Tenía ruedas inmensas para mejorar el agarre, autonomía de casi 1.000 kilómetros e innovaciones aerodinámicas. Dyson invirtió más de 750 millones de dólares de su propio bolsillo. Contrató a 500 personas. Finalmente, en 2019, canceló el proyecto de manera abrupta. Se dio cuenta de que, al no tener la cadena de suministro global de gigantes como Volkswagen o Tesla, tendría que vender cada coche a 150.000 libras solo para no perder dinero, haciéndolo comercialmente inviable.

¿Se arrepiente? En absoluto. Cuando se le pregunta qué aprendió del coche, su respuesta descoloca: «Nada. No aprendimos absolutamente nada. Pero fue muy divertido hacerlo». Más allá de la ironía, esa aventura empujó a su equipo a perfeccionar baterías de estado sólido y tecnologías de filtrado que hoy usan en otros productos domésticos.

El Campus de Malmesbury: Un parque de atracciones para mentes brillantes

Si pensabas que los cuarteles generales de Silicon Valley eran el culmen de la excentricidad arquitectónica, es porque aún no has echado un vistazo al epicentro creativo de la firma en Wiltshire, Reino Unido. El Campus de Investigación y Desarrollo de Dyson en Malmesbury no es una sede de oficinas al uso; es un búnker de alta tecnología camuflado en la campiña inglesa que funciona como un templo de la innovación y el diseño industrial.

En este campus, diseñado por el estudio de arquitectura Wilkinson Eyre, es donde se cuece el futuro. Lejos de la estética gris e industrial de las fábricas tradicionales, James Dyson concibió este espacio como un entorno universitario abierto, rodeado de naturaleza, diseñado para que sus ingenieros rompan las reglas del juego. Aquí se albergan laboratorios ultrasecretos de acústica, robótica, bioquímica y dinámica de fluidos, donde cientos de prototipos se prueban (y se destruyen) diariamente bajo un secretismo digno de la mismísima NASA.

Conoce el estudio de arquitectura Wilkinson Eyre www.wilkinsoneyre.com

Inspiración supersónica: El misterio del Hangar y el caza de combate

Pero si hay un rincón que define a la perfección la obsesión de Dyson por la ingeniería extrema, ese es El Hangar. Dyson siempre ha sentido una profunda fascinación por el diseño aeronáutico, viendo en los aviones la máxima expresión de la filosofía «la forma sigue a la función».

Esta obsesión cobró vida de una manera espectacular dentro del campus de Malmesbury, en una zona de restauración y descanso conocida popularmente por los empleados como el espacio del hangar. ¿La razón? James Dyson compró un auténtico caza de combate English Electric Lightning de la época de la Guerra Fría y lo suspendió directamente del techo.

Ingeniería a la vista: El avión no está ahí solo por estética; está completamente desprovisto de sus paneles exteriores en un ala, dejando al descubierto todo el intrincado cableado, los tubos y los sistemas mecánicos.
Un recordatorio diario: Dyson colocó esta mole supersónica sobre las cabezas de sus ingenieros mientras toman café con un propósito muy claro: recordarles cada día la belleza de la ingeniería honesta, donde ningún componente sobra y cada pieza de diseño está ahí porque tiene una misión que cumplir.

Incorporar este ecosistema de hangares y naves industriales recuperadas —un concepto que Dyson amplió posteriormente con la restauración de los hangares históricos de la RAF en el cercano aeródromo de Hullavington— demuestra que, para la marca, el espacio de trabajo debe ser tan disruptivo y audaz como los propios productos que metemos en nuestras casas.

El Hangar en el Campus Dyson con el caza de combate English Electric Lightning

Campus de investigación y desarrollo de Dyson en Malmesbury, Reino Unido.

El Hangar en el Campus Dyson diseñado por el estudio de arquitectura Wilkinson Eyre

Vista exterior del Campus Dyson

James Dyson, el arte de la insatisfacción permanente

Como conclusión, podemos afirmar que la figura de Sir James Dyson trasciende los productos que llevan su nombre. Se erige como un titán en la cultura del diseño precisamente porque se niega a aceptar el statu quo. Él cree que un ingeniero o un diseñador debe vivir en un estado de «insatisfacción permanente».

Esa obsesión por ver defectos en las cosas cotidianas y creer que siempre hay una manera más eficiente, limpia y hermosa de hacerlas, es lo que ha convertido a este amante de la historia antigua y los cinturones rojos en un icono global. En un mundo saturado de productos desechables y copias corporativas de bajo riesgo, la filosofía de Dyson resuena con fuerza: confía en tu propio instinto, ignora a los expertos que dicen que es imposible, no tengas miedo a mancharte las manos de polvo en el cobertizo de tu casa y, sobre todo, no tengas miedo a fallar miles de veces.

Porque, como el propio James Dyson nos ha enseñado con el persistente sonido de sus motores digitales, cuando te niegas a conformarte, no solo rediseñas una aspiradora o un ventilador; logras rediseñar el futuro.

El arquitecto Jordi Queralt diseña una fuente de aceite de oliva

Bloom Magazine — Fri, 15 May 2026 12:07:51 +0000

¿Y si el aceite de oliva no solo se vertiera, sino que fluyera como en una fuente sagrada? Jordi Queralt ha logrado convertir el gesto más cotidiano de nuestra dieta mediterránea en una pieza de arte cinético que querrás tener en el centro de tu mesa.

Jordi Queralt diseña una fuente de aceite de oliva que cautiva en la Milan Design Week

“Inspired in Barcelona: Materia prima” transformó el proceso creativo en un viaje sensorial durante la Milan Design Week. La instalación presentada retrata las figuras más destacadas del ecosistema del diseño catalán, explorando el delicado e impredecible equilibrio del proceso creativo a través de dos ingredientes esenciales y compartidos de la cultura mediterránea: «el pan» y el «aceite de oliva».

Mientras las grandes tecnológicas corren a vendernos asistentes, este proyecto se ha convertido en el símbolo de una nueva era: la de la IA que menos habla y más actúa. Pero, ¿Qué es exactamente y por qué todo el mundo habla de este fenómeno?

Inspired in Barcelona, Materia Prima Photo by ©YOSUKE KOJIMA

2026, un viaje sensorial que explora el origen de la creatividad a partir de dos ingredientes esenciales de la cultura mediterránea: el pan y el aceite de oliva. La muestra utiliza estos elementos fundamentales de la gastronomía como metáforas del proceso creativo y de la búsqueda de equilibrio que caracteriza la práctica del diseño.

“Inspired in Barcelona: Materia prima” ha sido comisariada por el estudio de arquitectura Queralt Suau, con la participación del fotógrafo Txema Salvans y del diseñador Andreu Carulla, está organizada por la Barcelona Creativity & Design Foundation e impulsada por la Concejalía de Cultura e Industrias Creativas del Ayuntamiento de Barcelona a través del Disseny Hub Barcelona (DHub) y la Generalitat de Catalunyaa través de ACCIÓ-Catalonia Trade & Investment, y cuenta con la colaboración de las marcas Baluard, Brava Arts, L’Olivera, Roca y Simon.

Interpretando el tema propuesto por el Fuorisalone de la Milan Design Week 2026, Essere Progetto (una invitación a redescubrir el diseño como un proceso dinámico y responsable, en el que el ser humano retoma su papel central como artífice del cambio), la instalación se inspira en la idea de que no es la forma acabada la que define el valor del diseño, sino el proceso que la genera.

Inspired in Barcelona, Materia Prima Photo by ©YOSUKE KOJIMA

Photo by ©YOSUKE KOJIMA

En palabras de Jordi Queralt, responsable del estudio Queralt Suau: “Históricamente, Barcelona y Cataluña han sido un espacio de creatividad e innovación donde la cultura gastronómica ha tenido un papel destacado. La tradición culinaria mediterránea, basada en el respeto por la materia prima, también ha sido un motor de experimentación reconocido internacionalmente. Con Materia prima hemos querido trasladar esa lógica al diseño: entender que las ideas, como los ingredientes, se combinan, se transforman y encuentran su equilibrio a través del juego, la investigación y el proceso creativo.”

La instalación parte de una idea central: las ideas son la materia prima del diseño, que evolucionan y se transforman a través del proceso creativo. A partir de esta premisa el recorrido expositivo guía al visitante a través de una secuencia de tres escenas que
invitan al visitante a experimentar esta metáfora:

1. Introducción: El recorrido inicia con una transición desde el bullicio de la feria hacia un espacio más calmado, donde el visitante descubre una instalación
centrada en la tierra, el pan y sus procesos, acompañada por un sonido crujiente que refuerza su dimensión sensorial. El pan, como elemento autocontenido, define paisaje y contexto, mientras que el aceite de oliva, en flujo constante sobre una mesa en movimiento, genera reflejos “auroras” que actúan como metáfora del equilibrio y la energía de las ideas.

2. Ideas en equilibrio: A continuación, una gran fotografía colectiva formada por los retratos de Txema Salvans a diversos representantes del ecosistema del
diseño catalán evoca la búsqueda del equilibrio creativo que subyace a cualquier proceso de diseño. Entre ellos se encuentran profesionales de ámbitos muy diversos, desde cocineros y pasteleros hasta diseñadores de producto, moda o interiores, así como food designers.

3. Taste experience: El recorrido concluye con una experiencia participativa concebida por Andreu Carulla: un espacio en el que los visitantes pueden jugar con el aceite, crear sus propias auroras y cerrar el recorrido de manera sensorial, degustando un pan especialmente concebido para mojar en aceite de
oliva.

Inspired in Barcelona, Materia Prima Photo by ©YOSUKE KOJIMA

En la exposición también se incluye una luminaria que se han diseñado especialmente para Barcelona: el gran rótulo luminoso con la palabra «Barcelona», diseñado por Antoni Arola, originalmente pensada para la iluminación navideña de la ciudad, encuentra una nueva función y significado, sacadas a la luz en un momento distinto del año.

En “Inspired in Barcelona: Materia prima”, la materia se convierte en narrativa: un hilo conductor que conecta tradición, innovación y cultura del diseño, y que refleja la singularidad del ecosistema creativo de Barcelona. La instalación se presenta así como una expresión colectiva de este sector, diverso, transversal y en constante evolución, capaz de integrar disciplinas, experimentar con nuevos lenguajes y proyectar internacionalmente una manera propia de entender el diseño, arraigada en el proceso, la materia y el equilibrio como motores de futuro.

Los responsables del proyecto Inspired in Barcelona Materia Prima

Referencias:

Queralt Suau

Queralt Suau es un estudio que trabaja en la intersección entre narrativa y espacio, con proyectos vinculados al arte, la cultura y el espacio público. Fundado por Jordi Queralt (1979), arquitecto y máster en Bellas Artes, el estudio emplea el espacio como herramienta para estructurar relatos y activar contenidos. A partir de la investigación y la experimentación, tanto conceptual como material, su obra combina proyectos expositivos, escénicos y de espacio público vinculados al juego. Esta construcción transversal permite convertir la práctica profesional en una herramienta
radicalmente cultural.

Más información en: www.queraltsuau.com

RUN Design

RUN Design es un estudio de diseño gráfico con base en Barcelona que desarrolla proyectos de identidad visual, dirección de arte y comunicación cultural. Su trabajo se caracteriza por una aproximación experimental al diseño, donde la investigación formal, el juego visual y la exploración tipográfica tienen un papel central. A través de una mirada contemporánea e inquieta, el estudio crea sistemas gráficos que buscan ir más allá de la función comunicativa para generar lenguajes visuales propios. Sus proyectos combinan rigor conceptual con una actitud abierta al ensayo y la prueba, entendiendo el diseño como un espacio de experimentación y pensamiento visual. Esta manera de trabajar sitúa a RUN dentro de una escena gráfica que explora
nuevas formas de narrar y representar la cultura.

Más información en: www.rundesign.net

Txema Salvans

Txema Salvans (Barcelona, 1971) es un fotógrafo documental reconocido por su mirada irónica y observadora sobre la sociedad contemporánea. Formado inicialmente en Biología, orientó pronto su trayectoria hacia la fotografía, desarrollando proyectos de largo recorrido basados en la observación paciente de los
espacios cotidianos y periféricos. Su obra combina una gran precisión formal con un humor sutil y lúdico que transforma escenas aparentemente ordinarias en imágenes llenas de significado. En trabajos como Perfect Day o The Waiting Game, Salvans construye relatos visuales que invitan a reflexionar sobre la relación entre las personas y el paisaje. Esta combinación de mirada crítica y sensibilidad visual ha consolidado su obra dentro de la fotografía documental contemporánea.

Más información en: www.txemasalvans.com

Andreu Carulla

Andreu Carulla (Banyoles, 1979) es un diseñador industrial catalán reconocido por una aproximación al diseño que combina experimentación, artesanía y sensibilidad por el material. Desde su estudio en Banyoles, fundado en 2006, desarrolla proyectos que van del mobiliario y la iluminación a la vajilla, los espacios y la dirección creativa.

Su manera de trabajar se basa en la exploración constante de materiales y procesos, a menudo combinando técnicas tradicionales con soluciones contemporáneas. Con una mirada curiosa e inventiva, sus objetos buscan un equilibrio entre funcionalidad, sostenibilidad y expresividad formal. Carulla entiende el diseño como una herramienta para repensar nuestro entorno cotidiano, creando piezas atemporales que dialogan
con el paisaje, el oficio y la cultura mediterránea.

Más información en: www.andreucarulla.com

Barcelona Creativity & Design Foundation

La Barcelona Creativity & Design Foundation tiene la visión de posicionar Barcelona como referente global en creatividad empresarial y economía creativa. Su misión es impulsar la economía creativa de Barcelona, colaborando con la comunidad profesional y empresarial para desarrollar su ecosistema y demostrar el valor que la creatividad aporta a cualquier negocio. A través de Inspired in Barcelona®, la fundación promueve la proyección internacional de la creatividad barcelonesa, propiciando las oportunidades de negocio en eventos clave de la escena global.

Más información en: www.bcd.es

Ayuntamiento de Barcelona (Concejalía de Cultura e Industrias Creativas – DHub, Disseny Hub Barcelona)

El Disseny Hub Barcelona es el espacio que integra e interactúa con las diferentes expresiones de diseño e industrias creativas de la ciudad. Desde el Disseny Hub Barcelona, el Ayuntamiento promueve el debate, la investigación y la presentación de nuevos proyectos y contenidos producidos por el sector de las industrias creativas a nivel local e internacional.

Más información en: www.dissenyhub.barcelona

Congreso Mundial de Arquitectos de la UIA 2026 en Barcelona

Bloom Magazine — Mon, 30 Mar 2026 22:03:47 +0000

En una cita histórica para la arquitectura, el Congreso Mundial de Arquitectos de la UIA reunirá en Barcelona a más de 250 expertos en ecología, vivienda, espacio público y patrimonio, materiales y tecnologías.

Entre las más recientes confirmaciones destacan los Premios Pritzker Smiljan Radić (2026) y el estudio Lacaton & Vassal (2021). Además de Junya Ishigami, famoso por su enfoque experimental y poético de la arquitectura y el renombrado experto en espacio público Jan Gehl.

Después de tres décadas, Barcelona volverá a convertirse en el epicentro del debate arquitectónico global. Del 28 de junio al 2 de julio 2026, la ciudad acogerá el Congreso Mundial de Arquitectos de la UIA 2026 Barcelona (UIA2026BCN), que reunirá a 10.000 profesionales, estudiantes y representantes institucionales de más de 130 países bajo el lema “Becoming. Architectures for a planet in transition”.

Más de 250 ponentes internacionales distribuidos en más de 100 sesiones en múltiples escenarios organizados con sesiones plenarias, debates, foros abiertos, talleres, presentaciones de investigaciones inéditas y celebraciones públicas activarán Barcelona como un espacio concentrado de intercambio.

Situado a lo largo del frente marítimo mediterráneo —desde la nave de turbinas de las Tres Chimeneas hasta espacios arquitectónicos de referencia — el Congreso va más allá del formato convencional de conferencia para invitar a experimentar una ciudad que apuesta por la capacidad de transformación de la arquitectura. Las entradas ya están disponibles y cuentan con una política de precio muy accesible que permitirá a todos los profesionales del sector participar a esta cita histórica.

El programa de UIA2026BCN se organiza en torno a las seis líneas de Becoming, cada uno abordando un ámbito específico: Becoming More-than-human explora la ecología, los ecosistemas y clima; Becoming Circular se centra en la reutilización y los ciclos de vida de los edificios; Becoming Embodied analiza tecnologías de materiales; Becoming Interdependent reflexiona sobre políticas espaciales, vivienda y espacio público; Becoming Hyper-Conscious examina datos, geopolítica y legislación, y Becoming Attuned se enfoca en la poética, la estética y la cultura.Cada temática se desarrollará durante media jornada de conferencias (durante tres días: del 29 de junio al 1 de julio).

Three Chimneys (Barcelona). Arnau Rovira.

Avance de programa

Lunes 29 de junio: Becoming More-than-human y Becoming Circular

El lunes 29 de junio, el Congreso iniciará su programa de ponencias con las sesiones matutinas bajo el eje Becoming More-than-human, dedicado a la ecología en la arquitectura entendiendo a la naturaleza no solamente como un medio de extracción de recursos. Las sesiones explorarán cómo el diseño puede incorporar nuevas formas de convivencia entre especies, territorios y procesos ecológicos, así como el papel político de la arquitectura frente a la crisis ambiental. Entre las ponencias destacadas se encuentran la de Junya Ishigami, Kate Orff y Dirk Sijmons.

Por la tarde del mismo día (29/06), las ponencias se centrarán en Becoming Circular. En esta línea temática se dedica especial atención a las estrategias de rehabilitación del patrimonio construido, al reciclaje, la proximidad, la eficiencia energética y la economía de recursos como herramientas para reducir la huella de carbono. Entre las ponencias destacan las de Lacaton & Vassal, H Arquitectes, Jo Taillieu, Flores i Prats, Baukunst, Søren Pihlmann y Parabase.

Ceramic House

Martes 30 de junio: Becoming Embodied y Becoming Interdependent

La siguiente jornada, la mañana del martes 30 de junio estará dedicada a Becoming Embodied, la línea que se centra en la investigación de materiales y en los procesos de construcción y tecnologías de fabricación. Las ponencias analizarán cómo los materiales—especialmente aquellos de origen local o con bajo impacto ambiental— integran valores medioambientales y sociales, explorando su potencial estructural, los sistemas de ensamblaje y la adaptabilidad de estos a lo largo del tiempo. Entre las ponencias destacadas se encuentran la de Marina Tabassum, Palinda Kannangara, Bruther, BC architects & studies & materials, Hive Earth, Lehm Ton Erde, Arquitectura G y Go Hasegawa.

La programación de la tarde del segundo día se centra en las dimensiones sociales, políticas y económicas del entorno construido con Becoming Interdependent, el eje que propone repensar las formas de convivencia basadas en el cuidado, la cooperación y la solidaridad como motores del empoderamiento social. Las sesiones abordarán temas como las políticas espaciales que promueven el derecho a la vivienda, la perspectiva de género y el espacio público. La vivienda se analizará desde diversos enfoques por Lacol, Erika Nakagawa y Clauss Kahl Merz y Mariana Mazzucato. El diseño urbano y el espacio público serán abordados, entre otros, por Jan Gehl, Rural Urban Framework y Rahul Mehrotra.

Trosten Sauna. Estudio Herreros.© Einar Aslaksen, Oslo, 2024

Miércoles 1 de julio: Becoming Hyper-Conscious y Becoming Attuned

La mañana del miércoles 1 de julio estará dedicada a “Becoming Hyper-Conscious”, un eje que examina cómo las dinámicas a escala planetaria —incluyendo las relaciones geopolíticas, los marcos legislativos, la digitalización y la inteligencia artificial— influyen directamente en las realidades locales y en la vida cotidiana. Las sesiones invitarán a desarrollar una conciencia crítica sobre estos fenómenos y a explorar sus implicaciones y potencial para la práctica arquitectónica contemporánea. Entre las ponencias destacadas están la de Mario Carpo, Forensic Architecture y Center for Spatial Technologies.

Por la tarde, Becoming Attuned se adentrará en la dimensión poética de la arquitectura, atenta a los contextos materiales, culturales y afectivos. Reclama una mirada más sensible, abierta, guiada por el deseo y la curiosidad, que celebre la incertidumbre, lo cotidiano y la accidentalidad, así los fenómenos físicos y digitales. Este “Becoming” funciona como punto de cierre de los otros cinco encuentros y condensa cómo la confluencia de todos ellos permite percibir las sutilezas y bellezas presentes en objetos y espacios. En esta jornada destacan las ponencias de Smiljan Radić, Matilde Cassani, Tatiana Bilbao Estudio, Bêka & Lemoine, Enrique Walker, Philip Ursprung, y Alexander Brodsky.

Sea of Cortez Research Center. Tatiana Bilbao Estudio. © Juan Manuel McGrath. Mazatlan, Mexico, 2023

Haikou Meishe River Greenway and Fengxiang Park Turenscape. Courtesy of the studio China Haikou, Hainan, 2016

Central Park Philippe Rahm Architectes © haixing0527 Taichung, Taiwan, 2020

El Congreso es convocado por la Unión Internacional de Arquitectos (UIA) y está organizado por el Consejo Superior de los Colegios de Arquitectos de España (CSCAE) y el Col·legi d’Arquitectes de Catalunya (COAC). Además, cuenta con el apoyo del Ministerio de Vivienda y Agenda Urbana de España, la Generalitat de Catalunya y el Ayuntamiento de Barcelona, que lo han reconocido como un evento de excepcional interés público.

El congreso se propone como referente para el debate sobre la arquitectura del futuro, respaldado por los acuerdos con Roca, HP y Holcim como main partners; y Velux como partner.

Podéis obtener más información sobre el congreso en su página web oficial www.uia2026bcn.org

Y en su canal de YouTube en el que se añadirán contenidos y ponencias muy interesantes @uia2026bcn

OFFF Barcelona 2026

Bloom Magazine — Sat, 21 Mar 2026 13:53:59 +0000

OFFF Barcelona calienta motores a un mes de su 26ª edición anunciando lineup completo y nuevos formatos. El festival de arte, diseño y creatividad más importante del mundo se celebrará del 16 al 18 de abril en Disseny Hub. OFFF Barcelona reivindica su objetivo de apertura al público general con propuestas como The Screen o La Plaça Design Market.

Solo queda un mes para que OFFF Barcelona, el festival internacional más vanguardista en creatividad, arte y diseño digital, vuelva a reunir a los talentos más innovadores y destacados del sector en el Disseny Hub. Del 16 al 18 de abril el festival celebra su 26ª edición con un lineup de 45 speakers que nos descubrirán su proceso creativo en primera persona, más otros tantos workshops y masterclasses que suman un total de 95 creativos.

Este año la campaña visual “Cultured” ha sido creada por Uncommon Creative Studio. El hero film completo se desvelará el primer día del festival, presentado por Nils Leonard, fundador del estudio.

Las diversas disciplinas, experiencias y contextos creativos que convergerán este año en OFFF se unen a nuevos formatos y actividades paralelas que convertirán Barcelona en la capital de la creatividad. Esta edición contará con workshops impartidos por creativos, así como masterclasses de los líderes de industria: Adobe, Maxon, Houdini y Framer. Además, este año OFFF introduce un nuevo formato, TIPS & TRICKS, sesiones con público reducido donde 6 speakers de renombre compartirán su experiencia. Charlas cercanas en las que expertos conversarán sobre diversos temas, como dudas sobre carrera, liderazgo, reinvención profesional, etc.

Ya están disponibles en la web del festival el Full Pass, que da acceso a los tres días del festival, y los Day Tickets. Además, pronto también se podrá adquirir entrada para la jornada de clausura del día 18 de abril, que incluye la última charla de Silent Partners Studio, show audiovisual de Hamill Industries y el mapping en la fachada de Disseny Hub. Para los más fiesteros, ya está disponible la entrada para el Afterparty del 18 en La Paloma, con Dj sets de San Jones, Nahoomie y Drea.

NUEVAS CONFIRMACIONES EN EL FESTIVAL

A un mes de la celebración del festival, OFFF Barcelona ha anunciado nuevos ponentes que participarán en Disseny Hub. Entre las nuevas confirmaciones destacan referentes globales de la creatividad y la innovación visual como teamLab, colectivo japonés reconocido por sus instalaciones digitales inmersivas, y Moment Factory, estudio pionero en la creación de experiencias multimedia y entornos audiovisuales a gran escala con el Real Madrid o Madonna entre sus clientes. A ellos se suma Wieden+Kennedy Amsterdam, considerada la Agencia Global del Año 2025 por Adweek. El cartel se completa con estudios y agencias de referencia en diseño, branding y motion como FutureDeluxe, Uncommon, Hamill Industries y Base Design, que aportarán su visión sobre los procesos y tendencias que están definiendo la creatividad contemporánea.

El festival también incorpora perfiles que expanden los límites entre disciplinas, como James Beacham, físico y artista que explora la relación entre ciencia, tecnología y arte, y Johanna Jaskowska, artista digital reconocida por su trabajo pionero en estética virtual, identidad digital y cultura online. Además, el festival contará con dos paneles especiales liderados por Creative Review y Stash, dos de los medios de comunicación internacionales más influyentes. Con estas nuevas confirmaciones, OFFF Barcelona continúa consolidando un programa que reúne a algunas de las figuras y estudios más relevantes del panorama creativo global.

OFFF Barcelona, un festival abierto a la ciudad.

OFFF continúa su compromiso con la ciudad de Barcelona y presenta diferentes propuestas para convertir la ciudad en el hogar de la creatividad para acercar a todo el mundo el talento de las mentes más inquietas y crear una experiencia cultural única y enriquecedora.

Destaca un año más en la programación del festival The Screen, una experiencia de mapping en la fachada de Disseny Hub, gratuita y abierta al público durante las tres noches del festival, con una programación distinta cada noche. La muestra nace de una convocatoria abierta en la que se recibieron más de 730 obras (frente a las 350 del año pasado) de 63 países y de 5 continentes. El jueves 19 de marzo se anunciarán los proyectos seleccionados y que serán proyectados a todo el público que acuda a Disseny Hub.

The Screen también presenta obras comisionadas por el propio festival. PJ Richardson, Burton Rast, Caserne, Somnia Lab, OnionLab, Framemov crearán piezas específicas para esta experiencia de mapping. Además, Uncommon va a crear una pieza especial para el mapping en el marco de la campaña visual.

Este año, la clausura y uno de los platos fuertes del festival, los Main Titles, saldrán por primera vez a la calle y más concretamente a la fachada de Disseny Hub. PJ Richardson, director creativo estadounidense, es el encargado de diseñar este año los Main Titles, los cuales celebran “la idea de que el festival lo hacen todas las personas que asisten a él: un colectivo de creativos que se reúne para aprender, inspirarse y celebrar el diseño”.

Otra actividad abierta al público durante estos días es La Plaça Design Market. El tradicional mercadillo ofrece un año más una selección curada de 15 proyectos de diseño locales e internacionales, ofreciendo una diversa gama de productos creativos: libros, ropa, accesorios y más. Un punto de encuentro imprescindible para los amantes del diseño que deseen descubrir piezas únicas, conectar con diseñadores y experimentar lo mejor de la creatividad local e internacional.

OFFF, un festival abierto a la ciudad

El futuro del diseño en NXT

OFFF ofrece un prisma completo del presente del arte, el diseño y la creatividad, pero también del futuro. Para ello, el festival presenta por tercer año consecutivo NXT, plataforma dedicada a mostrar la próxima generación de talentos emergentes. En esta muestra los visitantes pueden explorar proyectos innovadores y experimentar de primera mano las presentaciones dirigidas por los estudiantes de 10 de las principales escuelas de creatividad y diseño: AMD, BAU, Brother, CTIM-UPC, Elisava, IDEP, IED, Labasad, LCI y Université de Franche-Comté. Mediante presentaciones dirigidas por los propios estudiantes, NXT brinda a los jóvenes creativos la oportunidad de mostrar sus proyectos a una audiencia global y comenzar a abrirse camino en el mundo profesional del diseño.

SOBRE OFFF

Fundado en Barcelona en 2001, OFFF es una plataforma global para la industria creativa que marca las tendencias de nuevas imágenes y estéticas en los campos del diseño, el arte y la cultura post-digital. A lo largo de sus 25 años de trayectoria, OFFF se ha convertido en una red internacional, ampliándose más allá del festival principal con OFFF On Tour, OFFF Studio y otros proyectos. Al reunir a una comunidad global de profesionales del diseño y la creatividad, OFFF fomenta la colaboración y el intercambio de ideas para expandir los límites de la cultura visual contemporánea.

Podéis obtener más información y comprar las entradas en: www.offf.barcelona

La silla Curul: De símbolo de poder en Roma a icono del interiorismo moderno

Bloom Magazine — Wed, 11 Mar 2026 23:57:19 +0000

¿Alguna vez te has sentado en una silla plegable en forma de tijera y has pensado que estabas descansando sobre un diseño con miles de años de antigüedad? Lo que hoy puede parecernos una simple butaca auxiliar o un mueble de terraza, fue en su día el máximo símbolo de poder del Imperio Romano. Si creías que el diseño de mobiliario como declaración de estatus lo inventó la modernidad, acompáñanos a descubrir la fascinante historia de la «Sella Curulis».

Historia, evolución y vigencia del asiento que cambió nuestra forma de entender el estatus a través del diseño.

El origen de un asiento reservado para los elegidos

El acto de sentarse existe desde los albores de la humanidad, pero elevar ese acto a una categoría de prestigio social requirió de diseño e intención. La historia de la silla se remonta a civilizaciones antiguas como Egipto, pero fue en Roma donde el asiento adquirió una dimensión legal y política insólita a través de la silla curul (sella curulis).

Curiosamente, los historiadores señalan que este diseño, que podríamos considerar el primer modelo de silla plegable de la historia documentada, tiene sus raíces en una palabra romana antigua (curule) vinculada a los carros de guerra.

En la sociedad romana, no cualquiera podía sentarse en ella. Estaba reservada estrictamente para los magistrados con imperium; es decir, aquellos que poseían el mando supremo judicial y militar, incluyendo cónsules y pretores. Su diseño original era eminentemente práctico y simbólico: consistía en una estructura en forma de «X» o tijera, a menudo elaborada en marfil tallado o bronce, y contaba con un asiento de cuero.

El hecho de ser plegable no era casualidad: permitía a estos altos cargos transportarla fácilmente en sus desplazamientos, llevando su «trono» y su autoridad a cualquier rincón del imperio.

La silla Curul Romana, evolución de una forma perfecta: De la Edad Media al Renacimiento

Tras la caída del Imperio Romano, el diseño en forma de «X» no desapareció, sino que mutó y se adaptó a las nuevas esferas de poder.

Durante la Edad Media, la silla curul perdió parte de su carácter móvil para volverse más estática y ornamentada. Pasó a llamarse faldistorium y, aunque siguió representando el poder secular, fue adoptada rápidamente por la alta jerarquía de la Iglesia como símbolo de autoridad. El famoso trono del Rey Dagoberto en Francia (siglo VIII), fabricado en bronce, es un ejemplo temprano de esta transición.

Más tarde, en el Renacimiento, la silla curul vivió un resurgimiento espectacular. El diseño se refinó, añadiendo respaldos y brazos, y la madera (como el nogal) se convirtió en el material predilecto. En esta época nacieron dos variantes icónicas que seguro has visto en museos o anticuarios:

La silla Savonarola: De origen italiano, caracterizada por múltiples listones de madera entrelazados en curva que forman la «X», creando una estructura acanalada muy elegante.

La silla Dante (o Dantesca): Más robusta, con una «X» más sólida y a menudo tapizada en terciopelo o cuero en el asiento y el respaldo.

En España, esta evolución dio lugar a variantes como el sillón frailero o la jamuga (sillón de cadera), donde el mecanismo de pliegue a menudo se sustituía por un disco ornamental decorativo en la intersección de las patas.

La Curul en el interiorismo moderno: Una lección de atemporalidad

¿Cómo sobrevive un diseño de la antigüedad clásica en el interiorismo contemporáneo? La respuesta radica en su geometría.

La estructura cruzada de la silla curul aporta una ligereza visual y una tensión estructural que resulta inmensamente atractiva para los diseñadores modernos. Lejos de quedar relegada a los museos, la silla curul ha inspirado a los grandes maestros del siglo XX y sigue siendo un recurso invaluable en la decoración actual.

Mies van der Rohe y la Silla Barcelona

El ejemplo moderno más famoso de la influencia curul es, sin duda, la Silla Barcelona, diseñada por Ludwig Mies van der Rohe y Lilly Reich para el Pabellón Alemán de la Exposición Internacional de Barcelona de 1929.

Mies van der Rohe se inspiró directamente en las sillas curules romanas y egipcias para crear esta pieza. Sin embargo, sustituyó la madera y el marfil por acero inoxidable pulido y reemplazó el asiento de cuero simple por un lujoso acolchado compuesto por 40 paneles cortados y cosidos a mano. El resultado fue una silla concebida para que se sentaran los reyes de España durante la inauguración del pabellón; un guiño brillante a su origen como asiento de gobernantes.

Aplicación en proyectos decorativos actuales

Hoy en día, incorporar una silla curul (o una pieza inspirada en ella) en un proyecto de interiorismo es una declaración de intenciones. Los decoradores la utilizan por varias razones:

Punto focal escultural: Gracias a sus patas cruzadas, estas sillas son visualmente interesantes desde cualquier ángulo, a diferencia de las sillas de cuatro patas tradicionales. A menudo se colocan en pares a los pies de una cama, frente a una chimenea o en un vestíbulo amplio.
Contraste de estilos: Una silla curul antigua (por ejemplo, una Savonarola italiana de principios del siglo XX) introducida en un ambiente minimalista y moderno crea un contraste ecléctico y sofisticado.
Versatilidad de materiales: Los diseñadores contemporáneos han reinterpretado el diseño utilizando acrílico transparente (Lucite), metales dorados mate y tapicerías de bouclé o pieles exóticas, adaptando el asiento romano al lujo del siglo XXI.

En definitiva, la historia de la silla curul nos enseña que el buen diseño nunca muere. Aquel asiento concebido para que Julio César despachara asuntos de estado sigue vivo hoy en nuestros salones, demostrando que la elegancia de una simple «X» es, y será siempre, eterna.

Evolución de la silla curul

Silla curul en un proyecto de decoración moderno

Infografía esquema técnico de la silla curul

Silla curul, un viaje a través de la historia del diseño

Tadao Ando: hormigón, luz y silencio

Bloom Magazine — Mon, 10 Nov 2025 13:00:25 +0000

El poeta del hormigón visto

Pocas figuras han redefinido la percepción del hormigón como Tadao Ando. En sus manos, un material asociado a la brutalidad adquiere una delicadeza atmosférica que no compite con la naturaleza, sino que la enmarca. Ando parece trabajar con lo invisible: la luz que atraviesa un corte, el aire templado en un patio, el tiempo que se escucha cuando el sonido rebota en un muro desnudo. Autodidacta, formado entre viajes y obras de Le Corbusier, Louis Kahn y la tradición japonesa, ha desarrollado un alfabeto mínimo —planos de hormigón, agua, vacío— con el que compone experiencias espaciales intensas y silenciosas.

Biografía breve de Tadao Ando

Nacido en Osaka (1941), Ando se formó fuera de la academia. Antes de abrir su estudio en 1969, viajó compulsivamente, dibujando y midiendo espacios, del Racionalismo europeo a los templos tradicionales japoneses. En 1995 recibió el Premio Pritzker, reconocimiento a una obra que había encontrado una voz personalísima: geometrías puras, hormigón visto impecable, y una escritura espacial basada en la secuencia y el vacío. Su práctica, aunque internacional, permanece anclada a un ethos japonés: ma (el intervalo), contención, wabi-sabi depurado (no rústico) y un respeto escrupuloso por el paisaje.

Claves de su lenguaje

Hormigón visto como “papel de arroz”

El hormigón de Ando está pulido, afinado, preciso. Las juntas de encofrado y las huellas cónicas de los tirantes aparecen moduladas como notación musical. No es decorativismo: ese control otorga al plano una escala humana y le permite captar la luz con una suavidad casi textil.

La luz como material

Ando no “ilumina” espacios: esculpe la luz con cortes, ranuras y cruces que introducen haces direccionales, penumbras, resplandores. En la Church of the Light (1989), el vacío en forma de cruz abre el muro y convierte la liturgia en pura luminiscencia.

Vacío y recorrido

El vacío (ma) no es ausencia, sino tensión expectante. Los accesos suelen desorientar para desacelerar al visitante: muros pantalla, patios interpuestos, rampas que giran. La arquitectura se entiende en movimiento; cada giro revela una nueva relación entre muro, cielo y horizonte.

Naturaleza enmarcada

Agua, patios, vegetación, viento: la naturaleza entra como co-protagonista. En la Church on the Water (1988), el espejo de agua no adorna: es el altar extendido hacia el paisaje. En Naoshima, la topografía dicta el gesto; el arte se posa en el entre.

Geometría esencial

Círculos, cuadrados, triángulos: formas primarias que, al desplazarse y tensionarse, producen situaciones espaciales de gran riqueza. La austeridad formal no limita; potencia el acontecimiento de la luz y el aire.

Obras esenciales

Azuma House / Row House, Osaka (1976)

Una vivienda en hilera que se parte y deja entrar el cielo como corazón del proyecto. El patio central, expuesto a la lluvia, obliga a habitar el clima. Aquí ya está todo: vacío, luz, hormigón y una vida coreografiada por umbrales.

Rokko Housing I–III, Kobe (1983–1998)

Viviendas aterrazadas en ladera, una malla que encadena vistas y recorridos. La forma resuelve pendiente y densidad sin perder intimidad. La repetición de módulos y la serie de rampas demuestran que el sistema Ando puede escalar.

Church on the Water, Tomamu (1988)

Dos cajas y un paisaje-altar. La sala se abre hacia el agua; una cruz flota sobre el espejo, a veces bajo la nieve. La imagen icónica no deriva del gesto formal, sino de la alineación exacta entre arquitectura y territorio.

Church of the Light, Ibaraki (1989)

Una nave mínima con un muro abierto en cruz. El contraste entre oscuridad y haz luminoso convierte la materia en inmaterialidad. Es la síntesis más extrema de su credo: menos forma, más luz.

Benesse House, Naoshima (1992–) y el ecosistema de la isla

Naoshima es un laboratorio de arte, paisaje y arquitectura. En Benesse House, hotel y museo conviven con patios, muros y vistas que recortan trozos de mar. La obra se expande en el tiempo con el Chichu Art Museum y otros dispositivos, siempre en diálogo con la topografía.

Modern Art Museum of Fort Worth (2002)

Planos de hormigón y láminas de agua componen un paisaje reflexivo. A escala urbana, Ando demuestra que su lenguaje no es solo íntimo o sacro; puede ser institucional sin perder serenidad.

Chichu Art Museum, Naoshima (2004)

Semienterrado para no perturbar la isla, alberga instalaciones de Monet, Turrell y De Maria. La luz cenital, modulada por patios geométricos, transforma la visita en ritual. Chichu condensa el ideario de Ando: arte, tierra y cielo en una secuencia de silencios.

Langen Foundation, Neuss (2004)

Transparencias, patios y una calma casi monástica para una colección de arte oriental y contemporáneo. Un pabellón que parece levitar entre planos de vidrio y hormigón.

21_21 Design Sight, Tokio (2007)

Pliegues de acero y suelo que emergen de la tierra. Un gesto rasa el terreno y demuestra que Ando también sabe flexionar su gramática cuando el programa lo pide, manteniendo su ética de la contención.

Punta della Dogana, Venecia (2009)

Intervenir en lo histórico sin estridencia: Ando vacía, limpia y tensa la ruina con planos de hormigón que no compiten con la materia original. Una lección de restauración contemporánea.

Cómo “funciona” Ando: dramaturgia espacial

Habitar un edificio de Ando es recorrer una secuencia dramática. Nada se da de golpe. El acceso suele ser indirecto; un muro ciego desvía, una rampa baja, un patio filtra. Esa coreografía sirve para desacoplar nuestro ritmo del de la ciudad y afinar la percepción. Al llegar a la sala principal —templo, museo o vivienda—, el cuerpo ya está en otra frecuencia: listo para leer la luz, escuchar el silencio, oler la humedad del agua. Si el modernismo confiaba en la planta libre, Ando confía en el tiempo: su arquitectura no se entiende en planta, se revela caminando.

Materialidad: precisión y tacto

El hormigón de Ando no es un fin; es un medio para lograr silencio y calidad de luz. Por eso exige una ejecución obsesiva: encofrados impecables, juntas alineadas, superficies sin imperfecciones que puedan romper la penumbra. Pero esa severidad no es fría: los patios introducen vegetación, el agua templa el aire, la madera aparece puntualmente como contrapunto cálido. El resultado es una atmósfera táctil donde el visitante nota la temperatura, la brisa, el eco.

Naturaleza: enmarcar, no dominar

Lejos de la arquitectura que imita la naturaleza o la domestica, Ando la enmarca. El recurso del muro pantalla —que corta vistas para dirigir la mirada— demuestra que el paisaje no es un fondo, es un plano activo. El agua no es decorativa: duplica el cielo, amplifica la luz, silencia el ruido urbano. Y, sobre todo, impone una temporalidad: estaciones, lluvias, nieve. La arquitectura se completa con el clima, como en la Row House donde cruzar el patio bajo la lluvia es parte de la vida.

Tradición japonesa + modernidad

En Ando conviven el rigor moderno de Le Corbusier o Kahn y la sensibilidad japonesa por el entre. El “ma” —ese intervalo que da sentido a las cosas— estructura sus vacíos; el engawa (umbral exterior-interior) se reinterpreta como patio; la penumbra (Tanizaki) se convierte en materia de proyecto. La modernidad aporta claridad geométrica; la tradición, medida y contención. El resultado no es síntesis ecléctica, sino un nuevo lenguaje.

Por qué emociona

La potencia de Ando no radica en el exceso formal, sino en su capacidad de condensar. Un par de muros, un patio, una lámina de agua, un corte de luz… y, sin embargo, la experiencia es intensa. Su arquitectura no se apoya en iconografías evidentes ni discursos saturados; propone un ritmo para que el visitante se encuentre con algo inaprensible: su propio tiempo, su propia respiración. Por eso sus iglesias conmueven a laicos y creyentes; por eso sus museos disponen al espectador ante el arte.

Legado e impacto

El legado de Ando es doble. Por un lado, demuestra que el minimalismo no es una estética de carencia, sino abundancia de atención: a la luz, al aire, al tiempo. Por otro, abre un camino para intervenir en contextos históricos y paisajes frágiles con una ética de la presencia discreta. Generaciones de arquitectos han aprendido de su precisión material, de su idea de recorrido y, sobre todo, de su entendimiento del edificio como instrumento de percepción.

Hoy, cuando la arquitectura oscila entre la estridencia icónica y la sostenibilidad cuantificada, la lección de Ando sigue siendo vigente: menos es más solo si menos está milimétricamente afinado para dejar pasar la luz y escuchar el lugar.

Cuando el hormigón pesa poco

Volvamos al punto de partida. En Ando, el hormigón no aplasta; suspende. Una pared puede abrirse en cruz y volverse luz; un patio puede exponer la lluvia y volverla costumbre; un muro puede silenciar el paisaje para que una franja de cielo hable. Ahí reside su magia: economía formal al servicio de una riqueza sensorial. Su obra —de Osaka a Naoshima, de Fort Worth a Venecia— nos recuerda que la arquitectura puede ser, todavía hoy, un arte de mirar mejor.

Podéis obtener más información sobre este genial artista en su web oficial: https://www.tadao-ando.com

Showroom Jòdul con las últimas tendencias en diseño y arquitectura

Bloom Magazine — Tue, 03 Oct 2023 09:31:43 +0000

¿Buscas inspiración en arquitectura e interiorismo? Jòdul celebra su 30º aniversario con un espectacular showroom renovado de 1.500 m² en Barcelona. Descubre un espacio diseñado por el estudio Nualart que reúne las últimas tendencias en materiales a través de once ambientes únicos creados por destacados interioristas.

Jòdul inaugura un espectacular showroom de 1.500m2 donde se muestran las últimas tendencias en diseño y arquitectura. El nuevo espacio expositivo cuenta con once ambientes diseñados por interioristas y arquitectos.

Jòdul, empresa familiar referente en la distribución de materiales para la construcción, la arquitectura y el interiorismo, ha renovado su espacio expositivo de 1.500 m2 en la localidad barcelonesa de Taradell, en el marco de la celebración de su 30º aniversario.

El showroom, diseñado por el estudio Nualart y el equipo de Jòdul, presenta una impresionante zona de aguas rodeada por once ambientes diseñados por interioristas de la zona en los que se exponen firmas como Mutina, Sira Concrete, Dica, Florim, Marazzi, Duravit y Dornbracht. El resultado es un espacio inspirador donde descubrir las últimas tendencias y con el que Jòdul reafirma su compromiso con la calidad y la excelencia en el sector.

Jòdul apuesta por convertirse en una prolongación del estudio de arquitectura e interiorismo en cuanto a materiales se refiere, mostrando en su espacio una amplia variedad de posibilidades y firmas que ofrecer a sus clientes: pavimentos y revestimientos, parquets y maderas, cocinas, baños y materiales de construcción. El diseño del centro, que destaca por la combinación de líneas depuradas con una paleta de colores neutros, consigue un ambiente visualmente armónico donde los materiales son los protagonistas.

Explicación del sistema de almacenamiento de energía por gravedad.

Después de cerrar el ejercicio del año pasado con una facturación de 17 millones de euros, la previsión de Jòdul para 2023 es alcanzar los 18 millones. Con un equipo formado por 35 profesionales, la compañía, en constante crecimiento y actualización, está centrada el plan de consolidación con sus diferentes líneas de negocio: cocinas, baños, obra, retail y contract.

A través del recorrido del renovado espacio y sus distintos ambientes, descubrimos cómo la armonía y el equilibrio, la sencillez y la elegancia, la experimentación y la creatividad se presentan como elementos clave en el nuevo centro, inspirando e invitando a vivir experiencias únicas en un entorno acogedor.

El nuevo centro se ha convertido en un punto de encuentro para los amantes de la decoración gracias a la colaboración con destacados interioristas y arquitectos de la Catalunya Central, donde cada uno de ellos ha mostrado su personalidad conformando una visión sorprendente y diversa: Alda Studio con su espacio “Oasis Cromàtic”, Estudi Nualart con “Nuansa”, Albert Nebot con “Zenit”, RS Arquitectura y Sandra Soler han trabajado de forma conjunta en los espacios “Pigment” y “Aura”, mientras que Mireia Torruella ha presentado “Oasis”, Colomer Rifà “D’Orígens”, Marta Mir “Grid”, Dizaynct “Sensi”, y 4 Ratlles y Abel Monmany “APlom” y “Terra” respectivamente.

«Desde Jòdul hemos querido dar un paso más y consolidar nuestro posicionamiento como referentes en el sector. La reforma del showroom, el centro neurálgico de la empresa, que fusiona diseño, creatividad y funcionalidad, nos permitirá seguir afrontando grandes proyectos. A través de la optimización del espacio, un diseño cálido, líneas depuradas y una estética armoniosa, hemos conseguido el lugar ideal para inspirar y dar a conocer las últimas tendencias de diseño.” Explica Aman Cabanas, portavoz de Jòdul.

Jòdul apuesta por convertirse en una prolongación del estudio de arquitectura e interiorismo en cuanto a materiales se refiere, mostrando en su espacio una amplia variedad de posibilidades y firmas que ofrecer a sus clientes: pavimentos y revestimientos, parqués y maderas, cocinas, baños y materiales de construcción. El diseño del centro, que destaca por la combinación de líneas limpias con una paleta de colores neutros, logra un ambiente visualmente armónico donde los materiales son los protagonistas. La luz natural no solo resalta los detalles y colores de los productos, sino que también transmite una sensación de serenidad.

Entre los clientes de Jòdul, tanto a nivel nacional como internacional, destacan algunas de las principales cadenas hoteleras y de supermercados, así como promotores de viviendas y proyectos en el ámbito hospitalario. Además, una de las áreas clave de la empresa son las viviendas privadas. Jòdul, en constante crecimiento y actualización, ha presentado una nueva web corporativa que permite personalizar listas de materiales para proyectos y buscar inspiración a través de ambientes conceptuales, con el objetivo de convertirse en una extensión de sus dos espacios físicos: el central de Taradell y Jòdul Lab, inaugurado en 2017 y, que ubicado en la calle Numancia 205 de Barcelona, cuenta con una superficie de 400 m².

Sobre Jòdul

Desde 1992, Jòdul ofrece pavimentos y revestimientos cerámicos, parquets, baños y cocinas que combinan calidad, funcionalidad y estética. Fundada como Aman en 1962 por la primera generación de los actuales propietarios, la empresa se convirtió en Jòdul hace 30 años. Actualmente, con la tercera generación, ha crecido y evolucionado, y cuenta con un equipo de 35 profesionales, dos espacios de referencia en Taradell y Barcelona, y trabaja en proyectos a nivel nacional e internacional sin perder de vista sus orígenes. De la mano de firmas como Mutina, Sira Concrete, Dica, Florim, Marazzi, Duravit y Dornbracht, Jòdul se ha convertido en un referente en la distribución de materiales para la construcción, arquitectura y diseño de interiores.

Más info en www.jodul.com

Magda Butrym

Bloom Magazine — Thu, 08 Sep 2022 17:25:34 +0000

Sastrería sensual, flores escultóricas y artesanía polaca: el universo de Magda Butrym redefine el lujo contemporáneo con carácter propio.

Magdalena Butrym es una marca de moda de lujo creada en Varsovia en el año 2014 por Magdalena Butrym y Aleksandra Halemba.

Magda Butrym ha creado su propia versión de la feminidad que despliega en mujeres de todo el mundo.

Magda Butrym redefine la artesanía, creando una visión contemporánea del romanticismo en la moda. Magda Butrym conecta el pasado con el futuro, el minimalismo con la sensualidad, la elegancia con la naturalidad, la fuerza con la sensibilidad.

Magda Butrym colabora con artesanos independientes de Polonia, para así enriquecer los tejidos que utiliza, de la más alta calidad, con piezas tejidas a mano, cuero trenzado y diversos adornos bordados a mano por estos artesanos.

Magda Butrym declara que no quiere definir a las mujeres, quiere empoderarlas. Quiere que todas se sientan cómodas en su propia piel, felices, poderosas y confiadas. Todas las mujeres deberían ser sus propias musas. Magda Butrym percibe la feminidad como una actitud, una conciencia del mundo en el que vivimos y una forma de hacer escuchar la voz de las mujeres y expresar su propia opinión.

Las prendas de Magda Butrym están llenas de detalles hechos a mano y son perfectas para las mujeres que quieren expresar su personalidad a través de la moda.

Magda Butrym expresa la feminidad en sus diseños por medio de siluetas sofisticadas y elegantes.

A continuación podéis ver unas imágenes de diseños de Magda Butrym, la mayoría pertenecen a la colección «Spring 2023».

Como siempre, os invitamos a ampliar información sobre esta genial diseñadora de moda en su página web oficial: https://www.magdabutrym.com/ y desde este enlace podéis comprar online piezas de Magda Butrym: https://www.ekseption.com/es_en/designers/magda_butrym

Los 10 principios del buen diseño de Dieter Rams

Bloom Magazine — Wed, 21 Jul 2021 12:52:20 +0000

Explora los diez principios de Dieter Rams que definieron un diseño funcionalista, honesto, útil, discreto y duradero

Dieter Rams es un diseñador industrial que nació el 20 de mayo de 1932 en Wiesbaden, Alemania.

Dieter ha pasado a la historia por formular los 10 principios del buen diseño de Dieter Rams y contribuir al renacimiento del diseño Funcionalista alemán (la Gute Form) de finales de la década de los 50 y los años 60. En el año 1955, Rams es nombrado jefe del equipo de diseño de la compañía alemana de productos de consumo Braun, fundada en el año 1921 en la ciudad de Frankfurt por el ingeniero Max Braun. La marca fabricaba en sus inicios componentes para radios y a partir de 1929 amplificadores y receptores de radio. Dieter Rams influyó enormemente en la dirección artística de Braun, llevando a la marca a un racionalismo que pronto caracterizaría los productos de la compañía y que hoy en día son signo de su identidad. Braun es hoy una marca conocida globalmente por sus productos de diseño funcional y estética apreciada.

El diseñador alemán Dieter Rams

Rams explica su visión del diseño mediante la frase «Weniger, aber besser», «Menos, pero con mejor ejecución». Rams y su equipo de diseño diseñaron muchos productos para Braun, incluyendo el famoso grabador-reproductor SK-4 y el proyector de diapositivas 35mm de alta calidad D45, D46. Rams también es célebre por el diseño del Sistema de Estanterías Universal 606, para Vitsœ creado en 1960. Muchos de los diseños de Rams, desde elegantes cafeteras, calculadoras, radios, equipamiento audiovisual, electrodomésticos de consumo y productos de oficina, se encuentran en museos de diseño y arte de todo el mundo.

Los 10 principios del buen diseño de Dieter Rams

Los 10 principios de diseño establecidos por Dieter Rams han tenido una gran influencia en el mundo del diseño y en los diseñadores en particular, aunque son muy pocos los que realmente respetan todos y cada uno de ellos, que pasamos a enumerar a continuación:

1. El buen diseño es innovador.

Rams establece claramente que es improbable agotar las posibilidades de innovación en el diseño debido a que el desarrollo tecnológico continuamente ofrece nuevas oportunidades para innovar cada diseño. Otra característica del diseño innovador es que continuamente se desarrolla a la par con nuevas tecnologías por lo tanto carece de limitaciones inherentes.

2. El buen diseño provee de utilidad a cada producto.

El objetivo primordial de un producto es su utilidad. Su diseño es primordialmente práctico y de manera secundaria tiene que satisfacer ciertos criterios de carácter psicológico y estético. Un buen diseño le da prioridad a la utilidad de un producto tomando en cuenta de manera estrictamente secundaria sus aspectos psicológicos y estéticos pero evita todas aquellas características que podrían disminuir la utilidad del producto.

3. El buen diseño es estético.

El diseño bien ejecutado no carece de belleza. La calidad estética de un producto forma parte integral de su utilidad ya que los productos utilizados cotidianamente tienden a tener un efecto indirecto en las personas y su bienestar.

4. El buen diseño hace un producto comprensible.

Un buen diseño simplifica la estructura del producto y lo predispone a expresar claramente su función mediante la intuición del usuario. Idealmente su propósito será intuitivo para todo usuario.

5. El buen diseño es discreto.

Todo producto y su diseño debe de ser simultáneamente neutro y sobrio. Su sobriedad y neutralidad tienen como objetivo el proveer un espacio de expresión para el usuario. Todo producto bien diseñado cumple un propósito semejante a aquel de toda herramienta y por lo tanto un buen diseño no confunde la identidad de sus productos con objetos de decoración ni con obras de arte. Un producto correctamente ejecutado es una herramienta estéticamente atractiva que carece de una identidad ilógicamente indefinida.

6. El buen diseño es honesto.

Un diseño honesto nunca intenta falsificar el auténtico valor e innovación del producto dado. Asimismo, un diseño verdaderamente honesto nunca trata de manipular al consumidor mediante promesas de una utilidad apócrifa, inexistente o más allá de la realidad física del producto.

7. El buen diseño tiene un valor anacrónicamente duradero.

Toda moda es inherentemente pasajera y subjetiva. La correcta ejecución del buen diseño da como resultado productos inherentemente objetivos y anacrónicamente útiles. Estas cualidades se ven reflejadas cuando los usuarios tienen la tendencia de atesorar y favorecer aquellos productos bien diseñados incluso en aquellas sociedades cuyas tendencias de consumo claramente favorecen productos desechables.

8. El buen diseño concibe exhaustivamente hasta el último detalle.

Dieter Rams establece esta regla de manera absoluta: Un buen diseño nunca deja nada al azar dado que el cuidado y la exhaustiva precisión de cada detalle expresa el respeto de los diseñadores para con sus consumidores. Cada error es una falta de respeto.

9. El buen diseño respeta el medio ambiente.

Un buen diseño debe de contribuir significativamente a la preservación del medio ambiente mediante la conservación de los recursos y la minimización de la contaminación física y visual durante el ciclo de vida del producto.

10. El buen diseño es diseño en su absoluta mínima expresión.

Dieter Rams subraya la distinción entre el coloquialmente regurgitado paradigma en diseño: «Menos es más» y en su lugar recomienda su propio paradigma: «Menos, pero con mejor ejecución», destacando el hecho de que este enfoque fomenta los aspectos fundamentales de cada producto y por lo tanto evita lastrarlos torpemente con todo aquello que no es esencial. El resultado ideal es productos de mayor pureza y simplicidad.

En este vídeo varios diseñadores comentan los 10 principios del buen diseño de Dieter Rams que hoy en día siguen plenamente vigentes.

Vídeo sobre el diseñador alemán Dieter Rams y los productos de uso cotidiano que pueden ser hermosos y duraderos.

Tráiler del documental de Gary Hustwit «Rams».

A continuación podéis ver una galería con algunos diseños realizados por Dieter Rams.

Proyector Braun D45, diseño del diseñador alemán Dieter Rams.

Braun DN 40, despertador diseñado por Dieter Rams y Dietrich Lubs en 1976

Radio Braun RT20, diseño de Dieter Rams.

Radio Braun Lectron, diseño del diseñador alemán Dieter Rams.

Exprimidor Braun MPZ22 Citromatic, diseño del diseñador alemán Dieter Rams.

Video con explicaciones sobre el trabajo del diseñador Dieter Rams.

Combinación de estantería Vitsoe y diseños para Braun de Dieter Rams.

Combinación de estantería Vitsoe y varios diseños de productos Braun realizados por Dieter-Rams, incluido el sillón, pues el diseñador alemán no sólo diseñó productos de consumo sino que se adentró también en el mundo de diseño de mobiliario.

Silla, sistema de estanterías y radio diseñado todo por Dieter Rams.

Mesa Kangaroo diseño de Dieter Rams del año 1961.

Oki Sato

Bloom Magazine — Sat, 13 Mar 2021 09:13:04 +0000

Oki Sato es un diseñador y arquitecto japonés que nació en Toronto (Canadá) el 24 de diciembre de 1977. Oki Sato es el director del estudio de diseño «Nendo» que fundó en el año 2002 en Tokio.

En 2005 Sato abrió una oficina de su estudio Nendo en Milán.

Oki Sato nació en Toronto porque su padre estaba trabajando en la ciudad en esa época. Mucho más tarde 😉, Oki se graduó en el Departamento de Arquitectura, Escuela de Ciencias e Ingeniería de la Universidad de Waseda en Japón, como mejor estudiante de la promoción del año 2000.

Al poco tiempo de graduarse, en el año 2002, Oki abrió el estudio de diseño «Nendo» en el que trabaja desde entonces en numerosas disciplinas artísticas y creativas tales como diseño de producto, interiorismo, arquitectura, diseño gráfico y branding corporativo.

Oki Sato es tremendamente prolífico, es conocida su capacidad para trabajar en hasta 400 proyectos a la vez. En los diseños que Oki Sato realiza, se marca como propósito evocar los sentimientos humanos, mediante el uso de la nostalgia, el humor, la sorpresa e incluso la ironía. Con un claro enfoque lúdico del diseño, «Un objeto tiene que ser capaz de hablarnos, tiene que poder contarnos una historia interesante», dice Sato. La importancia de la luz artificial como complemento de la luz natural es otro de los ejes de sus proyectos y todos los productos y elementos que crea son un fiel reflejo de su filosofía y modo de afrontar la vida.

Entre 2012 y 2014, Oki Sato llegó a dar clases a tiempo parcial en la Universidad de Waseda en la que estudió y comenzó a recibir numerosos premios y reconocimientos importantes a nivel mundial.

El concepto que subyace en la obra de Oki Sato y por ende en su estudio de diseño Nendo se resume de la siguiente manera:

Ofrecer a la gente pequeños momentos. ¡Hay tantos pequeños momentos ocultos en nuestro día a día! Pero la mayoría de las veces no los reconocemos e incluso cuando los reconocemos, tendemos a resetear inconscientemente nuestras mentes y olvidamos lo que hemos visto. En nuestro estudio creemos en estos pequeños momentos que son los que hacen que nuestros días sean interesantes y ricos. Por eso queremos reconstituir lo cotidiano transformándolo en algo que sea fácil de entender y que nos impregne. Nos gustaría que las personas que se encuentren con los diseños de Nendo sientan estos pequeños momentos de manera intuitiva.

Oki Sato ha abordado el diseño de numerosas piezas de uso cotidiano, uno de sus últimos trabajos es el diseño de una «simple» llave para abrir puertas.

Las llaves de puerta habituales consisten en la hoja, que se inserta en el ojo de la cerradura y el arco que sirve para agarrar y girar la llave. Pero la simetría de la forma de una llave hace que su orientación sea difícil de discernir a primera vista. Sin embargo, cuando el arco adquiere forma de «L», el principio de la física de la palanca, permite al usuario girar la llave con menor esfuerzo. Además, la forma asimétrica permite una fácil identificación de la parte superior e inferior, el frente y la parte posterior de la llave, de modo que los usuarios con problemas de visión, sentirán la orientación correcta de la llave en sus bolsillos o en áreas sin iluminación, de manera fácil con el tacto de los dedos.

El diseño de la llave del estudio Nendo no agrega elementos a las llaves estándar, sino que simplemente desplaza estructuralmente el arco fuera del centro para su funcionamiento, por lo que la llave no es ni más ancha ni más voluminosa de lo habitual. Para fabricar la llave, se escogió el latón como material por su durabilidad y resistencia bacteriana y viral.

Oki Sato diseñador

L door key, sketch boceto diseño de llave de Oki Sato Nendo Studio

En esta entrevista el arquitecto y diseñador japonés Oki Sato nos habla sobre su enfoque lúdico del diseño y nos muestra algunos de sus proyectos.

En este otro vídeo, Oki Sato nos deja pensamientos y reflexiones sobre el trabajo, el éxito y los valores como el siguiente: «Hay como una Diosa… que te sonríe. Y existen personas que están esperando a la Diosa, entonces la Diosa nunca te mirará. Pero si te estás enfocando en otra cosa, estás trabajando muy duro en lo que realmente te gusta, sin esperar nada más a cambio, entonces esta Diosa se pone celosa y viene hacia ti, te lleva al éxito de alguna manera. Así que las personas que buscan el éxito, nunca lo logran. Pero las personas que se concentran en lo que hacen y disfrutan de lo que que están haciendo, al final, creo que están muy cerca del éxito».

Oki Sato es reconocible por su manera de vestir, camisa blanca, pantalón negro y chaqueta negra, un vestuario minimalista y acromático reflejo de su estilo sosegado. En el vídeo Sato nos explica que este vestuario es consecuente con su idea de repetición, de repetir en su vida tanto como sea posible, de esta manera él cree que la repetición le permite percibir mejor los cambios, por mínimos que sean, que se producen a su alrededor y, por lo tanto, encontrar inspiración en los pequeños momentos de la vida.

«My football kit» es uno de los últimos proyectos terminados por Oki Sato y su estudio Nendo. Ha sido realizado para la empresa japonesa de equipamientos deportivos Molten, que fabrica desde hace tiempo balones de fútbol, baloncesto, voleibol y balonmano usados en competiciones oficiales. Consistió en desarrollar un balón de fútbol simplificado para que los niños tengan la oportunidad de jugar y disfrutar del fútbol, con la esperanza de popularizar el deporte y aumentar el número de jugadores en comunidades empobrecidas. Además de las dificultades para obtener un balón de fútbol en muchos lugares del planeta, su mantenimiento presenta una gran barrera, unas veces por la falta de bombas de aire y otras por el grado de deterioro del mismo.

Como respuesta a este problema, se ideó una pelota de fútbol no inflable que da la misma sensación al patear que la que obtenemos con una pelota estándar. Su desarrollo está inspirado en la estructura de la pelota de bambú tejida, tradicional japonesa.

El ensamblaje de tres tipos de componentes para un total de 54 piezas da como resultado un balón de fútbol que, en lugar de depender de la presión del aire interno, se basa en la elasticidad de su material de superficie. Los componentes blandos de polipropileno reciclado y resina sintética elastomérica no dañan los pies descalzos y es poco probable que, incluso si se rompen puedan causar lesiones.

Si un componente se desprende durante el juego, la estructura entrelazada asegura que la pelota no se desarme. Proporciona una alta capacidad de mantenimiento y por tanto, eficiencia económica, ya que se puede restaurar reemplazando solo los componentes rotos, logrando así una larga duración de uso.

Los componentes pueden enviarse desmontados en paquetes compactos, lo que reduce los costos de envío. La disponibilidad de componentes en varios colores, ayuda a los niños a fortalecer su apego a la pelota a través del trabajo de ensamblaje formando su propia combinación de colores. Las instrucciones de montaje están diseñadas como si fuera un libro de imágenes e ilustraciones, fáciles de entender, sin apenas texto para que los niños de todo el mundo puedan montar una pelota. También se diseñó un saco de embalaje para llevar la pelota como una mochila.

My football kit, sketch, boceto, diseñado por Nendo

A continuación se muestran imágenes del proyecto de diseño «My football kit» en las que podemos ver las piezas con las que se monta el balón de fútbol y el resultado final en sus distintas variantes.

En esta vídeo animación «50 sillas manga diseñadas por Nendo para la galería Friedman Benda», podéis ver de una manera muy «lúdida y amena» como la enorme creatividad del estudio Nendo genera 50 formas de sillas diferentes.

Oki Sato es un artista completo que se mueve perfectamente por diferentes territorios, como podéis ver en este vídeo en el que el fundador de Nendo nos explica cómo su estudio de diseño japonés tomó prestada la obra de M. C. Escher para crear la instalación «Escher X Nendo | Entre dos mundos». Nendo generó unos diseños inspirados en el enfoque matemático de Escher que los visitantes de la exposición podían seguir a través de los diferentes espacios de la galería. La exposición «Escher X Nendo | Between Two Worlds» tuvo lugar entre 2018 y 2019 en NGV International, Melbourne, Australia.

Oki Sato arquitecto

Como muestra de trabajo arquitectónico realizado por Nendo, a continuación os mostramos unas imágenes y un vídeo del proyecto «Plaza Estación de Tenri CoFuFun» en el que se interviene en un área de 6.000 metros cuadrados que incluye alquiler de bicicletas, cafetería, tiendas, quiosco de información, zona de juegos, escenario al aire libre y espacio para reuniones y eventos para los residentes en Tenri, en la prefectura de Nara, situada en el sudoeste de Japón. Los límites urbanos de Tenri incluyen un número de tumbas japonesas antiguas, conocidas como «cofun». Los cofun son hermosos e inconfundibles y se mezclan en los espacios de la vida cotidiana en la ciudad. El paisaje de la plaza está inspirado por los cofun y es una representación de la geografía característica de la zona: la cuenca de Nara, rodeada por montañas. En el proyecto podemos apreciar de nuevo el enfoque lúdico que tienen las obras de Oki Sato.

Podéis obtener más información sobre el diseñador Oki Sato en la página web de su estudio de diseño, Nendo: www.nendo.jp