Entre las más recientes confirmaciones destacan los Premios Pritzker Smiljan Radić (2026) y el estudio Lacaton & Vassal (2021). Además de Junya Ishigami, famoso por su enfoque experimental y poético de la arquitectura y el renombrado experto en espacio público Jan Gehl.

Después de tres décadas, Barcelona volverá a convertirse en el epicentro del debate arquitectónico global. Del 28 de junio al 2 de julio 2026, la ciudad acogerá el Congreso Mundial de Arquitectos de la UIA 2026 Barcelona (UIA2026BCN), que reunirá a 10.000 profesionales, estudiantes y representantes institucionales de más de 130 países bajo el lema “Becoming. Architectures for a planet in transition”.

Más de 250 ponentes internacionales distribuidos en más de 100 sesiones en múltiples escenarios organizados con sesiones plenarias, debates, foros abiertos, talleres, presentaciones de investigaciones inéditas y celebraciones públicas activarán Barcelona como un espacio concentrado de intercambio.

Situado a lo largo del frente marítimo mediterráneo —desde la nave de turbinas de las Tres Chimeneas hasta espacios arquitectónicos de referencia — el Congreso va más allá del formato convencional de conferencia para invitar a experimentar una ciudad que apuesta por la capacidad de transformación de la arquitectura. Las entradas ya están disponibles y cuentan con una política de precio muy accesible que permitirá a todos los profesionales del sector participar a esta cita histórica.

El programa de UIA2026BCN se organiza en torno a las seis líneas de Becoming, cada uno abordando un ámbito específico: Becoming More-than-human explora la ecología, los ecosistemas y clima; Becoming Circular se centra en la reutilización y los ciclos de vida de los edificios; Becoming Embodied analiza tecnologías de materiales; Becoming Interdependent reflexiona sobre políticas espaciales, vivienda y espacio público; Becoming Hyper-Conscious examina datos, geopolítica y legislación, y Becoming Attuned se enfoca en la poética, la estética y la cultura.Cada temática se desarrollará durante media jornada de conferencias (durante tres días: del 29 de junio al 1 de julio).

Lunes 29 de junio: Becoming More-than-human y Becoming Circular

El lunes 29 de junio, el Congreso iniciará su programa de ponencias con las sesiones matutinas bajo el eje Becoming More-than-human, dedicado a la ecología en la arquitectura entendiendo a la naturaleza no solamente como un medio de extracción de recursos. Las sesiones explorarán cómo el diseño puede incorporar nuevas formas de convivencia entre especies, territorios y procesos ecológicos, así como el papel político de la arquitectura frente a la crisis ambiental. Entre las ponencias destacadas se encuentran la de Junya Ishigami, Kate Orff y Dirk Sijmons.

Por la tarde del mismo día (29/06), las ponencias se centrarán en Becoming Circular. En esta línea temática se dedica especial atención a las estrategias de rehabilitación del patrimonio construido, al reciclaje, la proximidad, la eficiencia energética y la economía de recursos como herramientas para reducir la huella de carbono. Entre las ponencias destacan las de Lacaton & Vassal, H Arquitectes, Jo Taillieu, Flores i Prats, Baukunst, Søren Pihlmann y Parabase.

Martes 30 de junio: Becoming Embodied y Becoming Interdependent

La siguiente jornada, la mañana del martes 30 de junio estará dedicada a Becoming Embodied, la línea que se centra en la investigación de materiales y en los procesos de construcción y tecnologías de fabricación. Las ponencias analizarán cómo los materiales—especialmente aquellos de origen local o con bajo impacto ambiental— integran valores medioambientales y sociales, explorando su potencial estructural, los sistemas de ensamblaje y la adaptabilidad de estos a lo largo del tiempo. Entre las ponencias destacadas se encuentran la de Marina Tabassum, Palinda Kannangara, Bruther, BC architects & studies & materials, Hive Earth, Lehm Ton Erde, Arquitectura G y Go Hasegawa.

La programación de la tarde del segundo día se centra en las dimensiones sociales, políticas y económicas del entorno construido con Becoming Interdependent, el eje que propone repensar las formas de convivencia basadas en el cuidado, la cooperación y la solidaridad como motores del empoderamiento social. Las sesiones abordarán temas como las políticas espaciales que promueven el derecho a la vivienda, la perspectiva de género y el espacio público. La vivienda se analizará desde diversos enfoques por Lacol, Erika Nakagawa y Clauss Kahl Merz y Mariana Mazzucato. El diseño urbano y el espacio público serán abordados, entre otros, por Jan Gehl, Rural Urban Framework y Rahul Mehrotra.

Miércoles 1 de julio: Becoming Hyper-Conscious y Becoming Attuned

La mañana del miércoles 1 de julio estará dedicada a “Becoming Hyper-Conscious”, un eje que examina cómo las dinámicas a escala planetaria —incluyendo las relaciones geopolíticas, los marcos legislativos, la digitalización y la inteligencia artificial— influyen directamente en las realidades locales y en la vida cotidiana. Las sesiones invitarán a desarrollar una conciencia crítica sobre estos fenómenos y a explorar sus implicaciones y potencial para la práctica arquitectónica contemporánea. Entre las ponencias destacadas están la de Mario Carpo, Forensic Architecture y Center for Spatial Technologies.

Por la tarde, Becoming Attuned se adentrará en la dimensión poética de la arquitectura, atenta a los contextos materiales, culturales y afectivos. Reclama una mirada más sensible, abierta, guiada por el deseo y la curiosidad, que celebre la incertidumbre, lo cotidiano y la accidentalidad, así los fenómenos físicos y digitales. Este “Becoming” funciona como punto de cierre de los otros cinco encuentros y condensa cómo la confluencia de todos ellos permite percibir las sutilezas y bellezas presentes en objetos y espacios. En esta jornada destacan las ponencias de Smiljan Radić, Matilde Cassani, Tatiana Bilbao Estudio, Bêka & Lemoine, Enrique Walker, Philip Ursprung, y Alexander Brodsky.

El Congreso es convocado por la Unión Internacional de Arquitectos (UIA) y está organizado por el Consejo Superior de los Colegios de Arquitectos de España (CSCAE) y el Col·legi d’Arquitectes de Catalunya (COAC). Además, cuenta con el apoyo del Ministerio de Vivienda y Agenda Urbana de España, la Generalitat de Catalunya y el Ayuntamiento de Barcelona, que lo han reconocido como un evento de excepcional interés público.

El congreso se propone como referente para el debate sobre la arquitectura del futuro, respaldado por los acuerdos con Roca, HP y Holcim como main partners; y Velux como partner.

Podéis obtener más información sobre el congreso en su página web oficial www.uia2026bcn.org

Y en su canal de YouTube en el que se añadirán contenidos y ponencias muy interesantes @uia2026bcn

Solo queda un mes para que OFFF Barcelona, el festival internacional más vanguardista en creatividad, arte y diseño digital, vuelva a reunir a los talentos más innovadores y destacados del sector en el Disseny Hub. Del 16 al 18 de abril el festival celebra su 26ª edición con un lineup de 45 speakers que nos descubrirán su proceso creativo en primera persona, más otros tantos workshops y masterclasses que suman un total de 95 creativos.

Este año la campaña visual “Cultured” ha sido creada por Uncommon Creative Studio. El hero film completo se desvelará el primer día del festival, presentado por Nils Leonard, fundador del estudio.

Las diversas disciplinas, experiencias y contextos creativos que convergerán este año en OFFF se unen a nuevos formatos y actividades paralelas que convertirán Barcelona en la capital de la creatividad. Esta edición contará con workshops impartidos por creativos, así como masterclasses de los líderes de industria: Adobe, Maxon, Houdini y Framer. Además, este año OFFF introduce un nuevo formato, TIPS & TRICKS, sesiones con público reducido donde 6 speakers de renombre compartirán su experiencia. Charlas cercanas en las que expertos conversarán sobre diversos temas, como dudas sobre carrera, liderazgo, reinvención profesional, etc.

Ya están disponibles en la web del festival el Full Pass, que da acceso a los tres días del festival, y los Day Tickets. Además, pronto también se podrá adquirir entrada para la jornada de clausura del día 18 de abril, que incluye la última charla de Silent Partners Studio, show audiovisual de Hamill Industries y el mapping en la fachada de Disseny Hub. Para los más fiesteros, ya está disponible la entrada para el Afterparty del 18 en La Paloma, con Dj sets de San Jones, Nahoomie y Drea.

NUEVAS CONFIRMACIONES EN EL FESTIVAL

A un mes de la celebración del festival, OFFF Barcelona ha anunciado nuevos ponentes que participarán en Disseny Hub. Entre las nuevas confirmaciones destacan referentes globales de la creatividad y la innovación visual como teamLab, colectivo japonés reconocido por sus instalaciones digitales inmersivas, y Moment Factory, estudio pionero en la creación de experiencias multimedia y entornos audiovisuales a gran escala con el Real Madrid o Madonna entre sus clientes. A ellos se suma Wieden+Kennedy Amsterdam, considerada la Agencia Global del Año 2025 por Adweek. El cartel se completa con estudios y agencias de referencia en diseño, branding y motion como FutureDeluxe, Uncommon, Hamill Industries y Base Design, que aportarán su visión sobre los procesos y tendencias que están definiendo la creatividad contemporánea.

El festival también incorpora perfiles que expanden los límites entre disciplinas, como James Beacham, físico y artista que explora la relación entre ciencia, tecnología y arte, y Johanna Jaskowska, artista digital reconocida por su trabajo pionero en estética virtual, identidad digital y cultura online. Además, el festival contará con dos paneles especiales liderados por Creative Review y Stash, dos de los medios de comunicación internacionales más influyentes. Con estas nuevas confirmaciones, OFFF Barcelona continúa consolidando un programa que reúne a algunas de las figuras y estudios más relevantes del panorama creativo global.

OFFF continúa su compromiso con la ciudad de Barcelona y presenta diferentes propuestas para convertir la ciudad en el hogar de la creatividad para acercar a todo el mundo el talento de las mentes más inquietas y crear una experiencia cultural única y enriquecedora.

Destaca un año más en la programación del festival The Screen, una experiencia de mapping en la fachada de Disseny Hub, gratuita y abierta al público durante las tres noches del festival, con una programación distinta cada noche. La muestra nace de una convocatoria abierta en la que se recibieron más de 730 obras (frente a las 350 del año pasado) de 63 países y de 5 continentes. El jueves 19 de marzo se anunciarán los proyectos seleccionados y que serán proyectados a todo el público que acuda a Disseny Hub.

The Screen también presenta obras comisionadas por el propio festival. PJ Richardson, Burton Rast, Caserne, Somnia Lab, OnionLab, Framemov crearán piezas específicas para esta experiencia de mapping. Además, Uncommon va a crear una pieza especial para el mapping en el marco de la campaña visual.

Este año, la clausura y uno de los platos fuertes del festival, los Main Titles, saldrán por primera vez a la calle y más concretamente a la fachada de Disseny Hub. PJ Richardson, director creativo estadounidense, es el encargado de diseñar este año los Main Titles, los cuales celebran “la idea de que el festival lo hacen todas las personas que asisten a él: un colectivo de creativos que se reúne para aprender, inspirarse y celebrar el diseño”.

Otra actividad abierta al público durante estos días es La Plaça Design Market. El tradicional mercadillo ofrece un año más una selección curada de 15 proyectos de diseño locales e internacionales, ofreciendo una diversa gama de productos creativos: libros, ropa, accesorios y más. Un punto de encuentro imprescindible para los amantes del diseño que deseen descubrir piezas únicas, conectar con diseñadores y experimentar lo mejor de la creatividad local e internacional.

OFFF ofrece un prisma completo del presente del arte, el diseño y la creatividad, pero también del futuro. Para ello, el festival presenta por tercer año consecutivo NXT, plataforma dedicada a mostrar la próxima generación de talentos emergentes. En esta muestra los visitantes pueden explorar proyectos innovadores y experimentar de primera mano las presentaciones dirigidas por los estudiantes de 10 de las principales escuelas de creatividad y diseño: AMD, BAU, Brother, CTIM-UPC, Elisava, IDEP, IED, Labasad, LCI y Université de Franche-Comté. Mediante presentaciones dirigidas por los propios estudiantes, NXT brinda a los jóvenes creativos la oportunidad de mostrar sus proyectos a una audiencia global y comenzar a abrirse camino en el mundo profesional del diseño.

SOBRE OFFF

Fundado en Barcelona en 2001, OFFF es una plataforma global para la industria creativa que marca las tendencias de nuevas imágenes y estéticas en los campos del diseño, el arte y la cultura post-digital. A lo largo de sus 25 años de trayectoria, OFFF se ha convertido en una red internacional, ampliándose más allá del festival principal con OFFF On Tour, OFFF Studio y otros proyectos. Al reunir a una comunidad global de profesionales del diseño y la creatividad, OFFF fomenta la colaboración y el intercambio de ideas para expandir los límites de la cultura visual contemporánea.

Podéis obtener más información y comprar las entradas en: www.offf.barcelona

El origen de un asiento reservado para los elegidos

El acto de sentarse existe desde los albores de la humanidad, pero elevar ese acto a una categoría de prestigio social requirió de diseño e intención. La historia de la silla se remonta a civilizaciones antiguas como Egipto, pero fue en Roma donde el asiento adquirió una dimensión legal y política insólita a través de la silla curul (sella curulis).

Curiosamente, los historiadores señalan que este diseño, que podríamos considerar el primer modelo de silla plegable de la historia documentada, tiene sus raíces en una palabra romana antigua (curule) vinculada a los carros de guerra.

En la sociedad romana, no cualquiera podía sentarse en ella. Estaba reservada estrictamente para los magistrados con imperium; es decir, aquellos que poseían el mando supremo judicial y militar, incluyendo cónsules y pretores. Su diseño original era eminentemente práctico y simbólico: consistía en una estructura en forma de «X» o tijera, a menudo elaborada en marfil tallado o bronce, y contaba con un asiento de cuero.

El hecho de ser plegable no era casualidad: permitía a estos altos cargos transportarla fácilmente en sus desplazamientos, llevando su «trono» y su autoridad a cualquier rincón del imperio.

La silla Curul Romana, evolución de una forma perfecta: De la Edad Media al Renacimiento

Tras la caída del Imperio Romano, el diseño en forma de «X» no desapareció, sino que mutó y se adaptó a las nuevas esferas de poder.

Durante la Edad Media, la silla curul perdió parte de su carácter móvil para volverse más estática y ornamentada. Pasó a llamarse faldistorium y, aunque siguió representando el poder secular, fue adoptada rápidamente por la alta jerarquía de la Iglesia como símbolo de autoridad. El famoso trono del Rey Dagoberto en Francia (siglo VIII), fabricado en bronce, es un ejemplo temprano de esta transición.

Más tarde, en el Renacimiento, la silla curul vivió un resurgimiento espectacular. El diseño se refinó, añadiendo respaldos y brazos, y la madera (como el nogal) se convirtió en el material predilecto. En esta época nacieron dos variantes icónicas que seguro has visto en museos o anticuarios:

La silla Savonarola: De origen italiano, caracterizada por múltiples listones de madera entrelazados en curva que forman la «X», creando una estructura acanalada muy elegante.

La silla Dante (o Dantesca): Más robusta, con una «X» más sólida y a menudo tapizada en terciopelo o cuero en el asiento y el respaldo.

En España, esta evolución dio lugar a variantes como el sillón frailero o la jamuga (sillón de cadera), donde el mecanismo de pliegue a menudo se sustituía por un disco ornamental decorativo en la intersección de las patas.

La Curul en el interiorismo moderno: Una lección de atemporalidad

¿Cómo sobrevive un diseño de la antigüedad clásica en el interiorismo contemporáneo? La respuesta radica en su geometría.

La estructura cruzada de la silla curul aporta una ligereza visual y una tensión estructural que resulta inmensamente atractiva para los diseñadores modernos. Lejos de quedar relegada a los museos, la silla curul ha inspirado a los grandes maestros del siglo XX y sigue siendo un recurso invaluable en la decoración actual.

Mies van der Rohe y la Silla Barcelona

El ejemplo moderno más famoso de la influencia curul es, sin duda, la Silla Barcelona, diseñada por Ludwig Mies van der Rohe y Lilly Reich para el Pabellón Alemán de la Exposición Internacional de Barcelona de 1929.

Mies van der Rohe se inspiró directamente en las sillas curules romanas y egipcias para crear esta pieza. Sin embargo, sustituyó la madera y el marfil por acero inoxidable pulido y reemplazó el asiento de cuero simple por un lujoso acolchado compuesto por 40 paneles cortados y cosidos a mano. El resultado fue una silla concebida para que se sentaran los reyes de España durante la inauguración del pabellón; un guiño brillante a su origen como asiento de gobernantes.

Aplicación en proyectos decorativos actuales

Hoy en día, incorporar una silla curul (o una pieza inspirada en ella) en un proyecto de interiorismo es una declaración de intenciones. Los decoradores la utilizan por varias razones:

• Punto focal escultural: Gracias a sus patas cruzadas, estas sillas son visualmente interesantes desde cualquier ángulo, a diferencia de las sillas de cuatro patas tradicionales. A menudo se colocan en pares a los pies de una cama, frente a una chimenea o en un vestíbulo amplio.

• Contraste de estilos: Una silla curul antigua (por ejemplo, una Savonarola italiana de principios del siglo XX) introducida en un ambiente minimalista y moderno crea un contraste ecléctico y sofisticado.

• Versatilidad de materiales: Los diseñadores contemporáneos han reinterpretado el diseño utilizando acrílico transparente (Lucite), metales dorados mate y tapicerías de bouclé o pieles exóticas, adaptando el asiento romano al lujo del siglo XXI.

En definitiva, la historia de la silla curul nos enseña que el buen diseño nunca muere. Aquel asiento concebido para que Julio César despachara asuntos de estado sigue vivo hoy en nuestros salones, demostrando que la elegancia de una simple «X» es, y será siempre, eterna.

Nacido en Osaka (1941), Ando se formó fuera de la academia. Antes de abrir su estudio en 1969, viajó compulsivamente, dibujando y midiendo espacios, del Racionalismo europeo a los templos tradicionales japoneses. En 1995 recibió el Premio Pritzker, reconocimiento a una obra que había encontrado una voz personalísima: geometrías puras, hormigón visto impecable, y una escritura espacial basada en la secuencia y el vacío. Su práctica, aunque internacional, permanece anclada a un ethos japonés: ma (el intervalo), contención, wabi-sabi depurado (no rústico) y un respeto escrupuloso por el paisaje.

Hormigón visto como “papel de arroz”

El hormigón de Ando está pulido, afinado, preciso. Las juntas de encofrado y las huellas cónicas de los tirantes aparecen moduladas como notación musical. No es decorativismo: ese control otorga al plano una escala humana y le permite captar la luz con una suavidad casi textil.

La luz como material

Ando no “ilumina” espacios: esculpe la luz con cortes, ranuras y cruces que introducen haces direccionales, penumbras, resplandores. En la Church of the Light (1989), el vacío en forma de cruz abre el muro y convierte la liturgia en pura luminiscencia.

Vacío y recorrido

El vacío (ma) no es ausencia, sino tensión expectante. Los accesos suelen desorientar para desacelerar al visitante: muros pantalla, patios interpuestos, rampas que giran. La arquitectura se entiende en movimiento; cada giro revela una nueva relación entre muro, cielo y horizonte.

Naturaleza enmarcada

Agua, patios, vegetación, viento: la naturaleza entra como co-protagonista. En la Church on the Water (1988), el espejo de agua no adorna: es el altar extendido hacia el paisaje. En Naoshima, la topografía dicta el gesto; el arte se posa en el entre.

Geometría esencial

Círculos, cuadrados, triángulos: formas primarias que, al desplazarse y tensionarse, producen situaciones espaciales de gran riqueza. La austeridad formal no limita; potencia el acontecimiento de la luz y el aire.

Azuma House / Row House, Osaka (1976)

Una vivienda en hilera que se parte y deja entrar el cielo como corazón del proyecto. El patio central, expuesto a la lluvia, obliga a habitar el clima. Aquí ya está todo: vacío, luz, hormigón y una vida coreografiada por umbrales.

Rokko Housing I–III, Kobe (1983–1998)

Viviendas aterrazadas en ladera, una malla que encadena vistas y recorridos. La forma resuelve pendiente y densidad sin perder intimidad. La repetición de módulos y la serie de rampas demuestran que el sistema Ando puede escalar.

Church on the Water, Tomamu (1988)

Dos cajas y un paisaje-altar. La sala se abre hacia el agua; una cruz flota sobre el espejo, a veces bajo la nieve. La imagen icónica no deriva del gesto formal, sino de la alineación exacta entre arquitectura y territorio.

Church of the Light, Ibaraki (1989)

Una nave mínima con un muro abierto en cruz. El contraste entre oscuridad y haz luminoso convierte la materia en inmaterialidad. Es la síntesis más extrema de su credo: menos forma, más luz.

Benesse House, Naoshima (1992–) y el ecosistema de la isla

Naoshima es un laboratorio de arte, paisaje y arquitectura. En Benesse House, hotel y museo conviven con patios, muros y vistas que recortan trozos de mar. La obra se expande en el tiempo con el Chichu Art Museum y otros dispositivos, siempre en diálogo con la topografía.

Modern Art Museum of Fort Worth (2002)

Planos de hormigón y láminas de agua componen un paisaje reflexivo. A escala urbana, Ando demuestra que su lenguaje no es solo íntimo o sacro; puede ser institucional sin perder serenidad.

Chichu Art Museum, Naoshima (2004)

Semienterrado para no perturbar la isla, alberga instalaciones de Monet, Turrell y De Maria. La luz cenital, modulada por patios geométricos, transforma la visita en ritual. Chichu condensa el ideario de Ando: arte, tierra y cielo en una secuencia de silencios.

Langen Foundation, Neuss (2004)

Transparencias, patios y una calma casi monástica para una colección de arte oriental y contemporáneo. Un pabellón que parece levitar entre planos de vidrio y hormigón.

21_21 Design Sight, Tokio (2007)

Pliegues de acero y suelo que emergen de la tierra. Un gesto rasa el terreno y demuestra que Ando también sabe flexionar su gramática cuando el programa lo pide, manteniendo su ética de la contención.

Punta della Dogana, Venecia (2009)

Intervenir en lo histórico sin estridencia: Ando vacía, limpia y tensa la ruina con planos de hormigón que no compiten con la materia original. Una lección de restauración contemporánea.

Habitar un edificio de Ando es recorrer una secuencia dramática. Nada se da de golpe. El acceso suele ser indirecto; un muro ciego desvía, una rampa baja, un patio filtra. Esa coreografía sirve para desacoplar nuestro ritmo del de la ciudad y afinar la percepción. Al llegar a la sala principal —templo, museo o vivienda—, el cuerpo ya está en otra frecuencia: listo para leer la luz, escuchar el silencio, oler la humedad del agua. Si el modernismo confiaba en la planta libre, Ando confía en el tiempo: su arquitectura no se entiende en planta, se revela caminando.

El hormigón de Ando no es un fin; es un medio para lograr silencio y calidad de luz. Por eso exige una ejecución obsesiva: encofrados impecables, juntas alineadas, superficies sin imperfecciones que puedan romper la penumbra. Pero esa severidad no es fría: los patios introducen vegetación, el agua templa el aire, la madera aparece puntualmente como contrapunto cálido. El resultado es una atmósfera táctil donde el visitante nota la temperatura, la brisa, el eco.

Lejos de la arquitectura que imita la naturaleza o la domestica, Ando la enmarca. El recurso del muro pantalla —que corta vistas para dirigir la mirada— demuestra que el paisaje no es un fondo, es un plano activo. El agua no es decorativa: duplica el cielo, amplifica la luz, silencia el ruido urbano. Y, sobre todo, impone una temporalidad: estaciones, lluvias, nieve. La arquitectura se completa con el clima, como en la Row House donde cruzar el patio bajo la lluvia es parte de la vida.

En Ando conviven el rigor moderno de Le Corbusier o Kahn y la sensibilidad japonesa por el entre. El “ma” —ese intervalo que da sentido a las cosas— estructura sus vacíos; el engawa (umbral exterior-interior) se reinterpreta como patio; la penumbra (Tanizaki) se convierte en materia de proyecto. La modernidad aporta claridad geométrica; la tradición, medida y contención. El resultado no es síntesis ecléctica, sino un nuevo lenguaje.

La potencia de Ando no radica en el exceso formal, sino en su capacidad de condensar. Un par de muros, un patio, una lámina de agua, un corte de luz… y, sin embargo, la experiencia es intensa. Su arquitectura no se apoya en iconografías evidentes ni discursos saturados; propone un ritmo para que el visitante se encuentre con algo inaprensible: su propio tiempo, su propia respiración. Por eso sus iglesias conmueven a laicos y creyentes; por eso sus museos disponen al espectador ante el arte.

El legado de Ando es doble. Por un lado, demuestra que el minimalismo no es una estética de carencia, sino abundancia de atención: a la luz, al aire, al tiempo. Por otro, abre un camino para intervenir en contextos históricos y paisajes frágiles con una ética de la presencia discreta. Generaciones de arquitectos han aprendido de su precisión material, de su idea de recorrido y, sobre todo, de su entendimiento del edificio como instrumento de percepción.

Hoy, cuando la arquitectura oscila entre la estridencia icónica y la sostenibilidad cuantificada, la lección de Ando sigue siendo vigente: menos es más solo si menos está milimétricamente afinado para dejar pasar la luz y escuchar el lugar.

Volvamos al punto de partida. En Ando, el hormigón no aplasta; suspende. Una pared puede abrirse en cruz y volverse luz; un patio puede exponer la lluvia y volverla costumbre; un muro puede silenciar el paisaje para que una franja de cielo hable. Ahí reside su magia: economía formal al servicio de una riqueza sensorial. Su obra —de Osaka a Naoshima, de Fort Worth a Venecia— nos recuerda que la arquitectura puede ser, todavía hoy, un arte de mirar mejor.

Podéis obtener más información sobre este genial artista en su web oficial: https://www.tadao-ando.com

Jòdul inaugura un espectacular showroom de 1.500m2 donde se muestran las últimas tendencias en diseño y arquitectura. El nuevo espacio expositivo cuenta con once ambientes diseñados por interioristas y arquitectos.

Jòdul, empresa familiar referente en la distribución de materiales para la construcción, la arquitectura y el interiorismo, ha renovado su espacio expositivo de 1.500 m2 en la localidad barcelonesa de Taradell, en el marco de la celebración de su 30º aniversario.

El showroom, diseñado por el estudio Nualart y el equipo de Jòdul, presenta una impresionante zona de aguas rodeada por once ambientes diseñados por interioristas de la zona en los que se exponen firmas como Mutina, Sira Concrete, Dica, Florim, Marazzi, Duravit y Dornbracht. El resultado es un espacio inspirador donde descubrir las últimas tendencias y con el que Jòdul reafirma su compromiso con la calidad y la excelencia en el sector.

Jòdul apuesta por convertirse en una prolongación del estudio de arquitectura e interiorismo en cuanto a materiales se refiere, mostrando en su espacio una amplia variedad de posibilidades y firmas que ofrecer a sus clientes: pavimentos y revestimientos, parquets y maderas, cocinas, baños y materiales de construcción. El diseño del centro, que destaca por la combinación de líneas depuradas con una paleta de colores neutros, consigue un ambiente visualmente armónico donde los materiales son los protagonistas.

Explicación del sistema de almacenamiento de energía por gravedad.

Después de cerrar el ejercicio del año pasado con una facturación de 17 millones de euros, la previsión de Jòdul para 2023 es alcanzar los 18 millones. Con un equipo formado por 35 profesionales, la compañía, en constante crecimiento y actualización, está centrada el plan de consolidación con sus diferentes líneas de negocio: cocinas, baños, obra, retail y contract.

A través del recorrido del renovado espacio y sus distintos ambientes, descubrimos cómo la armonía y el equilibrio, la sencillez y la elegancia, la experimentación y la creatividad se presentan como elementos clave en el nuevo centro, inspirando e invitando a vivir experiencias únicas en un entorno acogedor.

El nuevo centro se ha convertido en un punto de encuentro para los amantes de la decoración gracias a la colaboración con destacados interioristas y arquitectos de la Catalunya Central, donde cada uno de ellos ha mostrado su personalidad conformando una visión sorprendente y diversa: Alda Studio con su espacio “Oasis Cromàtic”, Estudi Nualart con “Nuansa”, Albert Nebot con “Zenit”, RS Arquitectura y Sandra Soler han trabajado de forma conjunta en los espacios “Pigment” y “Aura”, mientras que Mireia Torruella ha presentado “Oasis”, Colomer Rifà “D’Orígens”, Marta Mir “Grid”, Dizaynct “Sensi”, y 4 Ratlles y Abel Monmany “APlom” y “Terra” respectivamente.

«Desde Jòdul hemos querido dar un paso más y consolidar nuestro posicionamiento como referentes en el sector. La reforma del showroom, el centro neurálgico de la empresa, que fusiona diseño, creatividad y funcionalidad, nos permitirá seguir afrontando grandes proyectos. A través de la optimización del espacio, un diseño cálido, líneas depuradas y una estética armoniosa, hemos conseguido el lugar ideal para inspirar y dar a conocer las últimas tendencias de diseño.” Explica Aman Cabanas, portavoz de Jòdul.

Jòdul apuesta por convertirse en una prolongación del estudio de arquitectura e interiorismo en cuanto a materiales se refiere, mostrando en su espacio una amplia variedad de posibilidades y firmas que ofrecer a sus clientes: pavimentos y revestimientos, parqués y maderas, cocinas, baños y materiales de construcción. El diseño del centro, que destaca por la combinación de líneas limpias con una paleta de colores neutros, logra un ambiente visualmente armónico donde los materiales son los protagonistas. La luz natural no solo resalta los detalles y colores de los productos, sino que también transmite una sensación de serenidad.

Entre los clientes de Jòdul, tanto a nivel nacional como internacional, destacan algunas de las principales cadenas hoteleras y de supermercados, así como promotores de viviendas y proyectos en el ámbito hospitalario. Además, una de las áreas clave de la empresa son las viviendas privadas. Jòdul, en constante crecimiento y actualización, ha presentado una nueva web corporativa que permite personalizar listas de materiales para proyectos y buscar inspiración a través de ambientes conceptuales, con el objetivo de convertirse en una extensión de sus dos espacios físicos: el central de Taradell y Jòdul Lab, inaugurado en 2017 y, que ubicado en la calle Numancia 205 de Barcelona, cuenta con una superficie de 400 m².

Sobre Jòdul

Desde 1992, Jòdul ofrece pavimentos y revestimientos cerámicos, parquets, baños y cocinas que combinan calidad, funcionalidad y estética. Fundada como Aman en 1962 por la primera generación de los actuales propietarios, la empresa se convirtió en Jòdul hace 30 años. Actualmente, con la tercera generación, ha crecido y evolucionado, y cuenta con un equipo de 35 profesionales, dos espacios de referencia en Taradell y Barcelona, y trabaja en proyectos a nivel nacional e internacional sin perder de vista sus orígenes. De la mano de firmas como Mutina, Sira Concrete, Dica, Florim, Marazzi, Duravit y Dornbracht, Jòdul se ha convertido en un referente en la distribución de materiales para la construcción, arquitectura y diseño de interiores.

Más info en www.jodul.com

Fotos © Judith Casas

Magda Butrym ha creado su propia versión de la feminidad que despliega en mujeres de todo el mundo.

Magda Butrym redefine la artesanía, creando una visión contemporánea del romanticismo en la moda. Magda Butrym conecta el pasado con el futuro, el minimalismo con la sensualidad, la elegancia con la naturalidad, la fuerza con la sensibilidad.

Magda Butrym colabora con artesanos independientes de Polonia, para así enriquecer los tejidos que utiliza, de la más alta calidad, con piezas tejidas a mano, cuero trenzado y diversos adornos bordados a mano por estos artesanos.

Magda Butrym declara que no quiere definir a las mujeres, quiere empoderarlas. Quiere que todas se sientan cómodas en su propia piel, felices, poderosas y confiadas. Todas las mujeres deberían ser sus propias musas. Magda Butrym percibe la feminidad como una actitud, una conciencia del mundo en el que vivimos y una forma de hacer escuchar la voz de las mujeres y expresar su propia opinión.

Las prendas de Magda Butrym están llenas de detalles hechos a mano y son perfectas para las mujeres que quieren expresar su personalidad a través de la moda.

Magda Butrym expresa la feminidad en sus diseños por medio de siluetas sofisticadas y elegantes.

A continuación podéis ver unas imágenes de diseños de Magda Butrym, la mayoría pertenecen a la colección «Spring 2023».

Como siempre, os invitamos a ampliar información sobre esta genial diseñadora de moda en su página web oficial: https://www.magdabutrym.com/ y desde este enlace podéis comprar online piezas de Magda Butrym: https://www.ekseption.com/es_en/designers/magda_butrym

Dieter ha pasado a la historia por formular los 10 principios del buen diseño de Dieter Rams y contribuir al renacimiento del diseño Funcionalista alemán (la Gute Form) de finales de la década de los 50 y los años 60. En el año 1955, Rams es nombrado jefe del equipo de diseño de la compañía alemana de productos de consumo Braun, fundada en el año 1921 en la ciudad de Frankfurt por el ingeniero Max Braun. La marca fabricaba en sus inicios componentes para radios y a partir de 1929 amplificadores y receptores de radio. Dieter Rams influyó enormemente en la dirección artística de Braun, llevando a la marca a un racionalismo que pronto caracterizaría los productos de la compañía y que hoy en día son signo de su identidad. Braun es hoy una marca conocida globalmente por sus productos de diseño funcional y estética apreciada.

Rams explica su visión del diseño mediante la frase «Weniger, aber besser», «Menos, pero con mejor ejecución». Rams y su equipo de diseño diseñaron muchos productos para Braun, incluyendo el famoso grabador-reproductor SK-4 y el proyector de diapositivas 35mm de alta calidad D45, D46. Rams también es célebre por el diseño del Sistema de Estanterías Universal 606, para Vitsœ creado en 1960. Muchos de los diseños de Rams, desde elegantes cafeteras, calculadoras, radios, equipamiento audiovisual, electrodomésticos de consumo y productos de oficina, se encuentran en museos de diseño y arte de todo el mundo.

Los 10 principios de diseño establecidos por Dieter Rams han tenido una gran influencia en el mundo del diseño y en los diseñadores en particular, aunque son muy pocos los que realmente respetan todos y cada uno de ellos, que pasamos a enumerar a continuación:

1. El buen diseño es innovador.

Rams establece claramente que es improbable agotar las posibilidades de innovación en el diseño debido a que el desarrollo tecnológico continuamente ofrece nuevas oportunidades para innovar cada diseño. Otra característica del diseño innovador es que continuamente se desarrolla a la par con nuevas tecnologías por lo tanto carece de limitaciones inherentes.

2. El buen diseño provee de utilidad a cada producto.

El objetivo primordial de un producto es su utilidad. Su diseño es primordialmente práctico y de manera secundaria tiene que satisfacer ciertos criterios de carácter psicológico y estético. Un buen diseño le da prioridad a la utilidad de un producto tomando en cuenta de manera estrictamente secundaria sus aspectos psicológicos y estéticos pero evita todas aquellas características que podrían disminuir la utilidad del producto.

3. El buen diseño es estético.

El diseño bien ejecutado no carece de belleza. La calidad estética de un producto forma parte integral de su utilidad ya que los productos utilizados cotidianamente tienden a tener un efecto indirecto en las personas y su bienestar.

4. El buen diseño hace un producto comprensible.

Un buen diseño simplifica la estructura del producto y lo predispone a expresar claramente su función mediante la intuición del usuario. Idealmente su propósito será intuitivo para todo usuario.

5. El buen diseño es discreto.

Todo producto y su diseño debe de ser simultáneamente neutro y sobrio. Su sobriedad y neutralidad tienen como objetivo el proveer un espacio de expresión para el usuario. Todo producto bien diseñado cumple un propósito semejante a aquel de toda herramienta y por lo tanto un buen diseño no confunde la identidad de sus productos con objetos de decoración ni con obras de arte. Un producto correctamente ejecutado es una herramienta estéticamente atractiva que carece de una identidad ilógicamente indefinida.

6. El buen diseño es honesto.

Un diseño honesto nunca intenta falsificar el auténtico valor e innovación del producto dado. Asimismo, un diseño verdaderamente honesto nunca trata de manipular al consumidor mediante promesas de una utilidad apócrifa, inexistente o más allá de la realidad física del producto.

7. El buen diseño tiene un valor anacrónicamente duradero.

Toda moda es inherentemente pasajera y subjetiva. La correcta ejecución del buen diseño da como resultado productos inherentemente objetivos y anacrónicamente útiles. Estas cualidades se ven reflejadas cuando los usuarios tienen la tendencia de atesorar y favorecer aquellos productos bien diseñados incluso en aquellas sociedades cuyas tendencias de consumo claramente favorecen productos desechables.

8. El buen diseño concibe exhaustivamente hasta el último detalle.

Dieter Rams establece esta regla de manera absoluta: Un buen diseño nunca deja nada al azar dado que el cuidado y la exhaustiva precisión de cada detalle expresa el respeto de los diseñadores para con sus consumidores. Cada error es una falta de respeto.

9. El buen diseño respeta el medio ambiente.

Un buen diseño debe de contribuir significativamente a la preservación del medio ambiente mediante la conservación de los recursos y la minimización de la contaminación física y visual durante el ciclo de vida del producto.

10. El buen diseño es diseño en su absoluta mínima expresión.

Dieter Rams subraya la distinción entre el coloquialmente regurgitado paradigma en diseño: «Menos es más» y en su lugar recomienda su propio paradigma: «Menos, pero con mejor ejecución», destacando el hecho de que este enfoque fomenta los aspectos fundamentales de cada producto y por lo tanto evita lastrarlos torpemente con todo aquello que no es esencial. El resultado ideal es productos de mayor pureza y simplicidad.

En este vídeo varios diseñadores comentan los 10 principios del buen diseño de Dieter Rams que hoy en día siguen plenamente vigentes.

Vídeo sobre el diseñador alemán Dieter Rams y los productos de uso cotidiano que pueden ser hermosos y duraderos.

Tráiler del documental de Gary Hustwit «Rams».

A continuación podéis ver una galería con algunos diseños realizados por Dieter Rams.

Video con explicaciones sobre el trabajo del diseñador Dieter Rams.

Combinación de estantería Vitsoe y varios diseños de productos Braun realizados por Dieter-Rams, incluido el sillón, pues el diseñador alemán no sólo diseñó productos de consumo sino que se adentró también en el mundo de diseño de mobiliario.

En esta entrevista el arquitecto y diseñador japonés Oki Sato nos habla sobre su enfoque lúdico del diseño y nos muestra algunos de sus proyectos.

En este otro vídeo, Oki Sato nos deja pensamientos y reflexiones sobre el trabajo, el éxito y los valores como el siguiente: «Hay como una Diosa… que te sonríe. Y existen personas que están esperando a la Diosa, entonces la Diosa nunca te mirará. Pero si te estás enfocando en otra cosa, estás trabajando muy duro en lo que realmente te gusta, sin esperar nada más a cambio, entonces esta Diosa se pone celosa y viene hacia ti, te lleva al éxito de alguna manera. Así que las personas que buscan el éxito, nunca lo logran. Pero las personas que se concentran en lo que hacen y disfrutan de lo que que están haciendo, al final, creo que están muy cerca del éxito».

Oki Sato es reconocible por su manera de vestir, camisa blanca, pantalón negro y chaqueta negra, un vestuario minimalista y acromático reflejo de su estilo sosegado. En el vídeo Sato nos explica que este vestuario es consecuente con su idea de repetición, de repetir en su vida tanto como sea posible, de esta manera él cree que la repetición le permite percibir mejor los cambios, por mínimos que sean, que se producen a su alrededor y, por lo tanto, encontrar inspiración en los pequeños momentos de la vida.

«My football kit» es uno de los últimos proyectos terminados por Oki Sato y su estudio Nendo. Ha sido realizado para la empresa japonesa de equipamientos deportivos Molten, que fabrica desde hace tiempo balones de fútbol, baloncesto, voleibol y balonmano usados en competiciones oficiales. Consistió en desarrollar un balón de fútbol simplificado para que los niños tengan la oportunidad de jugar y disfrutar del fútbol, con la esperanza de popularizar el deporte y aumentar el número de jugadores en comunidades empobrecidas. Además de las dificultades para obtener un balón de fútbol en muchos lugares del planeta, su mantenimiento presenta una gran barrera, unas veces por la falta de bombas de aire y otras por el grado de deterioro del mismo.

Como respuesta a este problema, se ideó una pelota de fútbol no inflable que da la misma sensación al patear que la que obtenemos con una pelota estándar. Su desarrollo está inspirado en la estructura de la pelota de bambú tejida, tradicional japonesa.

El ensamblaje de tres tipos de componentes para un total de 54 piezas da como resultado un balón de fútbol que, en lugar de depender de la presión del aire interno, se basa en la elasticidad de su material de superficie. Los componentes blandos de polipropileno reciclado y resina sintética elastomérica no dañan los pies descalzos y es poco probable que, incluso si se rompen puedan causar lesiones.

Si un componente se desprende durante el juego, la estructura entrelazada asegura que la pelota no se desarme. Proporciona una alta capacidad de mantenimiento y por tanto, eficiencia económica, ya que se puede restaurar reemplazando solo los componentes rotos, logrando así una larga duración de uso.

Los componentes pueden enviarse desmontados en paquetes compactos, lo que reduce los costos de envío. La disponibilidad de componentes en varios colores, ayuda a los niños a fortalecer su apego a la pelota a través del trabajo de ensamblaje formando su propia combinación de colores. Las instrucciones de montaje están diseñadas como si fuera un libro de imágenes e ilustraciones, fáciles de entender, sin apenas texto para que los niños de todo el mundo puedan montar una pelota. También se diseñó un saco de embalaje para llevar la pelota como una mochila.

A continuación se muestran imágenes del proyecto de diseño «My football kit» en las que podemos ver las piezas con las que se monta el balón de fútbol y el resultado final en sus distintas variantes.

En esta vídeo animación «50 sillas manga diseñadas por Nendo para la galería Friedman Benda», podéis ver de una manera muy «lúdida y amena» como la enorme creatividad del estudio Nendo genera 50 formas de sillas diferentes.

Oki Sato es un artista completo que se mueve perfectamente por diferentes territorios, como podéis ver en este vídeo en el que el fundador de Nendo nos explica cómo su estudio de diseño japonés tomó prestada la obra de M. C. Escher para crear la instalación «Escher X Nendo | Entre dos mundos». Nendo generó unos diseños inspirados en el enfoque matemático de Escher que los visitantes de la exposición podían seguir a través de los diferentes espacios de la galería. La exposición «Escher X Nendo | Between Two Worlds» tuvo lugar entre 2018 y 2019 en NGV International, Melbourne, Australia.

Como muestra de trabajo arquitectónico realizado por Nendo, a continuación os mostramos unas imágenes y un vídeo del proyecto «Plaza Estación de Tenri CoFuFun» en el que se interviene en un área de 6.000 metros cuadrados que incluye alquiler de bicicletas, cafetería, tiendas, quiosco de información, zona de juegos, escenario al aire libre y espacio para reuniones y eventos para los residentes en Tenri, en la prefectura de Nara, situada en el sudoeste de Japón. Los límites urbanos de Tenri incluyen un número de tumbas japonesas antiguas, conocidas como «cofun». Los cofun son hermosos e inconfundibles y se mezclan en los espacios de la vida cotidiana en la ciudad. El paisaje de la plaza está inspirado por los cofun y es una representación de la geografía característica de la zona: la cuenca de Nara, rodeada por montañas. En el proyecto podemos apreciar de nuevo el enfoque lúdico que tienen las obras de Oki Sato.

Podéis obtener más información sobre el diseñador Oki Sato en la página web de su estudio de diseño, Nendo: www.nendo.jp

De acuerdo con el autor Alan Hess en su libro Googie: Fifties Cofee Shop Architecture, el origen del nombre Googie se sitúa en 1949 cuando el arquitecto John Lautner diseñó una cafetería con el nombre de «Googie’s» que tenía las características arquitectónicas de las que hemos hablado. Esta cafetería estaba en la esquina de Sunset Boulevard y Crescent Heights en Los Ángeles y fue demolida en la década de los 80. En el libro de Alan Hess, el autor expone que el profesor Douglas Haskell de la Universidad de Yale y el fotógrafo arquitectónico Julius Shulman conducían por Los Ángeles cuando se detuvieron delante de Googie’s y Haskell proclamó «esto es la arquitectura Googie». Posteriormente, el profesor escribió un artículo en 1952 en la revista House and Home y se refirió al tipo de arquitectura como Googie, pasando a estandarizar la denominación.

El Theme Building es un ejemplo de edificio de diseño futurista influenciado por el estilo de arquitectura Googie. Está situado en el Aeropuerto Internacional de Los Ángeles. Se inauguró en 1961.

La torre The Space Needle (la Aguja Espacial) de Seatle es un excelente exponente de la arquitectura de estilo futurista llamada Googie. Fue construida en 1962 en el centro de la ciudad y es un proyecto de Edward E. Carlson.

Uno de los primeros restaurantes McDonalds abierto en Chicago Illinois en 1955, ejemplo de arquitectura Googie.

La influencia del estilo Googie ha sido muy grande y constante, alimentándose de distintas fuentes y generando numerosos iconos tanto en forma de objetos como arquitectura o audiovisuales dando lugar a lo que conocemos hoy en día como estilo retro-futurista al cuál se recurre una y otra vez como fuente de inspiración. De la influencia Googie han nacido por ejemplo, los dibujos animados de The Jetsons (Los Supersónicos) y la zona Tomorrowland del parque de atracciones Disneyland de Anaheim en California, el único construido bajo la supervisión del mítico Walt Disney. También podemos citar la lámpara lava inventada en 1963 por Edward Craven-Walker, fundador de la empresa de iluminación Mathmos, que fue comercializada en 1965 con el nombre de «Astro Lamp».

La película «Los Increíbles» de Pixar es otro ejemplo de la influencia del estilo de diseño Googie, que podemos apreciar de manera clara, tanto en la arquitectura como en diferentes objetos y mobiliario que aparecen en esta obra maestra de la empresa que lo cambió todo 😉.

En este vídeo se puede apreciar la gran influencia que el estilo de arquitectura Googie ha tenido en la realización de la película de Pixar «Los Increíbles».

El diseñador Jaime Hayon montando el green chicken en la «Exhibition at Design Museum in Holon», en Israel en el año 2015.

El diseñador español Jaime Hayon es uno de los más reconocidos hoy en día en el panorama internacional. Nació en Madrid donde estudió diseño industrial en el IED (También ha sido profesor del IED) y después se ha formado y trabajado tanto en Madrid como en Francia, Italia, Barcelona, Valencia y Londres.

Hayon ha realizado proyectos por todo el mundo como una joyería en Kuwait, la tienda de la marca de zapatos Camper en Tokio, para los que también diseña zapatos y ha colaborado con empresas como Baccarat, BD Barcelona Design, Metalarte, Moooi, Lladró, Magis, entre otras, intercalando proyectos personales artísticos que realiza muy amenudo.

Ha expuesto su obra en espacios como la Galería Aram de Londres, el Salone de Mobile de Milán, el Museo Vitra de Alemania, el Museo del Diseño de Londres, la Galería Vivid de Róterdam, el Museo Grongiger holandés y la Feria de Arte de Basel.

En sus obras, mezcla el arte con el diseño, destacando por la transversalidad de sus múltiples creaciones en diseño industrial con base artesanal, en interiorismo y en la creación artística.

Uno de sus últimos proyectos ha consistido en la renovación del interiorismo del Café Le Central en el Centro Pompidou de París en el que ha introducido una de sus creaciones, la colección de sillas Aleta que podéis ver en estas imágenes de dicho proyecto.

En este proyecto también destaca el uso de «vessel-like structures» (estructuras tipo vasija/pabellón) que dividen el espacio sin cerrarlo, permitiendo que la luz fluya pero creando rincones privados.

La colección de sillas Aleta de Viccarbe, un diseño de Jaime Hayon que se utilizó en el proyecto del Centro Pompidou

Otros proyectos de interiorismo realizados con la silla Aleta.

Jaime Hayon ha realizado numerosos proyectos a lo largo del mundo, para conocer aún más a este gran creativo, a continuación os presentamos, de manera sintetizada, otros proyectos

Proyecto de interiorismo realizado para La Terraza del Casino en Madrid.

Jaime Hayon realizó en colaboración con Swarovski en julio de 2019 en Wattens, Austria, un carrusel en el que el arte y el diseño se daban la mano, con unas figuras en blanco y negro increíblemente diseñadas y adornado con 15 millones de cristales Swarovski.

El diseñador español Jaime Hayon es un artista polifacético, realiza todo tipo de obras como diseño, esculturas, pintura o ilustración. Un ejemplo de su versatilidad es la serie de tapices «Fauna» para el Tilburg Textile Museum de Países Bajos.

Podéis obtener más información sobre los últimos trabajos de este genial artista en su página web: www.hayonstudio.com