Un arranque a la altura del álbum Más Cara (Interscope Records, 2026), su segundo álbum, que por primera vez ha cobrado vida sobre el escenario en su ciudad ante más de 45.000 asistentes.

Durante tres noches consecutivas, Barcelona ha sido el epicentro del universo Más Cara: un directo diseñado como extensión natural del disco, donde conviven la potencia de los grandes beats con una puesta en escena que refuerza la identidad visual y conceptual del proyecto. Lejos de limitarse a una sucesión de hits, el show ha funcionado como relato, trasladando al directo esa dualidad que atraviesa el álbum -fuerza y vulnerabilidad, espectáculo e intimidad- y consolidando el momento artístico que atraviesa la artista.

El repertorio ha dado protagonismo a las nuevas canciones, integradas con algunos de los temas más icónicos de su carrera, en un set que evidencia la evolución de Bad Gyal tanto a nivel sonoro como escénico. En este contexto, la artista ha contado en las tres fechas con la aparición de 8belial como invitado especial, reforzando sobre el escenario uno de los nuevos vínculos creativos que atraviesan Más Cara.

Bad Gyal ha apostado por un formato de gran escala, pensado para arenas, donde el imaginario del disco se despliega con ambición: coreografías, visuales y dirección artística al servicio de una narrativa clara. La dirección creativa del show ha corrido a cargo de The Movement, mientras que la coreografía ha sido desarrollada por Malou Linders. El diseño de escenario lleva la firma de Matière Noire, responsables de la concepción de fashion shows para firmas como Courrèges, Jean Paul Gaultier, Mugler o MM6 Maison Margiela, reforzando el cruce entre universo escénico y lenguaje de moda.

El vestuario juega también un papel clave en la construcción del universo Más Cara. Para el arranque del tour en Barcelona, Bad Gyal apuesta por un look custom de la marca barcelonesa Onrush, reafirmando su vínculo con la escena creativa local y su apoyo constante a diseñadores nacionales. A lo largo de los shows, la artista incorpora también un diseño de LUAR, consolidando la relación que mantiene con la firma y su director creativo, Raúl López, con quien asistió a los CFDA Fashion Awards en la pasada edición, y un look de archivo de Dsquared2 de la colección primavera/verano 2013. Una selección de estilismos que acompaña la narrativa del show y refuerza el diálogo constante entre lo local y lo internacional.

Este arranque multitudinario no solo confirma la conexión de Bad Gyal con su público, sino que marca un punto de inflexión en su trayectoria. El tour de Más Cara continuará en las próximas semanas por las principales ciudades españolas, donde ya acumula múltiples sold outs con las últimas entradas disponibles en la tercera fecha de Madrid, la segunda de Bilbao y la de A Coruña. Próximamente se anunciarán fechas internacionales.

Las fechas de la gira «Más Cara» de Bad Gyal en España:

marzo 20 Palau Sant Jordi – Barcelona – España

marzo 21 Palau Sant Jordi – Barcelona – España

marzo 22 Palau Sant Jordi – Barcelona – España

abril 11 Movistar Arena – Madrid – España

abril 12 Movistar Arena – Madrid – España

abril 14 Movistar Arena – Madrid – España

abril 24 Roig Arena – Valencia – España

mayo 9 Estadio La Cartuja – Sevilla – España

mayo 15 Bilbao Arena – Bilbao – España

Podéis conocer más a Bad Gyal visitando su perfil en Instagram @akabadgyal

Y su página web oficial www.akabadgyal.com

Nacido en Fresno, California, hijo de inmigrante mexicano y madre irlandesa, Willy Chavarria ha convertido su herencia cultural en su mayor fortaleza creativa. Lejos de ocultar sus raíces, las amplifica. Su marca homónima, lanzada en 2015, es una carta de amor a la cultura chicana, a la clase trabajadora y a la comunidad LGBTQ+.

Lo que hace único a Chavarria es su capacidad para elevar la estética de la calle a la categoría de High Fashion. Sus colecciones no son solo ropa; son declaraciones políticas que abordan temas como la inmigración, la justicia racial y la identidad queer. No es casualidad que haya sido galardonado consecutivamente como el Diseñador de Ropa Masculina del Año por el CFDA (2023 y 2024) y reconocido internacionalmente por su visión inclusiva.

La silueta de Willy Chavarria es inconfundible. Imagina la crudeza del workwear americano mezclada con una sastrería impecable y volúmenes exagerados. Sus prendas clave incluyen:

• Pantalones «Cholo» y siluetas amplias: El oversize no es aquí una tendencia, es una identidad. Los pantalones anchos y caídos, como los famosos Bad Boy Jeans, evocan la estética de los barrios latinos de los 90.

• Sastrería deconstruida: Chaquetas con hombros caídos y cortes arquitectónicos que proyectan poder y vulnerabilidad al mismo tiempo.

• Mensajes gráficos: Camisetas y sudaderas con lemas potentes o iconografía religiosa reinterpretada, como sus piezas Casa de Chavarria o las colaboraciones icónicas con marcas deportivas como Adidas.

Su enfoque es minimalista pero visualmente impactante, diseñado para empoderar a quien lo lleva. Como él mismo dice, su ropa está hecha para dar «dignidad humana» a través del diseño.

Si te has enamorado de su propuesta (y es difícil no hacerlo), te alegrará saber que no necesitas cruzar el Atlántico para hacerte con sus diseños. En España, la tienda Ekseption en Madrid cuenta con una selección de sus últimas colecciones.

Desde sus camisas estructuradas hasta sus accesorios más buscados, puedes encontrar piezas exclusivas directamente en su web: 👉 Colección Willy Chavarria en Ekseption

Conecta con el universo Chavarria

Para entender realmente la magnitud de su visión, te recomiendo sumergirte en su mundo visual. Su página web es un escaparate de sus últimas campañas y colaboraciones: 🌐 willychavarria.com

Y si quieres inspiración diaria y ver cómo su comunidad lleva las prendas, su Instagram es una parada obligatoria. Allí comparte no solo moda, sino el activismo y el arte que impulsan su marca: 📸 @willychavarria

Willy Chavarria es más que un diseñador; es un movimiento. Vestir sus prendas es formar parte de una historia que celebra la belleza en la diversidad y la fuerza en la marginalidad. ¿Te unes?

“Contact”, pista final de Random Access Memories (2013), recibe por fin un videoclip oficial. La pieza aterriza en noviembre de 2025 y expande el universo del dúo con estética cinematográfica y narrativa espacial.

El vídeo es fruto de la colaboración con Epic Games y el estudio Magnopus. Visualmente prolonga —y reinterpreta— la secuencia de apertura de la Daft Punk Experience en Fortnite, lanzada este otoño

La historia sigue a los dos robots de Daft Punk en un viaje hacia una señal intermitente, con referencias a etapas clave de su carrera. Es, además, un espejo de la travesía que vive el jugador al iniciar la experiencia jugable dentro de Fortnite.

El tema conserva su icónico sample de comunicaciones del Apolo 17, que aquí se funde con un montaje de escala astronómica para subrayar la idea de “contacto” como hallazgo y despedida.

Más que un simple lanzamiento tardío, el vídeo de “Contact” conecta música, cultura gamer y memoria visual de Daft Punk. Funciona como epílogo audiovisual de Random Access Memories y como puente entre públicos, formatos y plataformas y además…   ¡¡ Es algo nuevo de Daft Punk !!  😀​ 🚀​

Ficha rápida

Canción: «Contact»
Álbum: Random Access Memories (2013)
Estreno del videoclip: noviembre de 2025
Dirección/creación: Epic Games & Magnopus (colaboración oficial)
Contexto: Inspirado en la Daft Punk Experience de Fortnite
Vídeo en YouTube: Disponible en los canales oficiales de Daft Punk y Fornite

Es el primer gesto de un proyecto profundamente personal, producido por la propia artista catalana, que marca el inicio de su etapa en solitario. Un trabajo que no parte de un concepto abstracto, sino de una herida, de un vacío que busca ser dicho, de una cadena de voces femeninas que resuenan en el tiempo: la suya, la de su prima hermana Alicia —cuya muerte inspira esta canción—, y las de todas las mujeres que la precedieron.

“‘Ama’ son sus iniciales. ‘Ama’ es una carta de amor. ‘Ama’ es polifonía. “Ama” son todas las voces dentro de mí”, explica Arnal de una pieza que nos habla de la confianza, el amor y la sensibilidad que nace del cuerpo.

La canción también incide en la potencia de la voz como puente entre lo humano y lo digital. Producida junto a Alizzz y Pau Riutort, se despliega una arquitectura coral compuesta de 60 capas vocales, grabadas, clonadas, multiplicadas y reimaginadas, hasta construir un coro invisible que canta con ella, por ella y a través de ella.

Esta exploración sonora procede del proyecto de investigación AMA, desarrollado junto al Barcelona Supercomputing Center y el Intelligent Instruments Lab de Reikiavik, donde María Arnal investiga los límites y expansiones de la voz en el siglo XXI. Pero más allá de la tecnología, ‘Ama’ es un ejercicio de verdad emocional: un canto sobre cómo el cuerpo recuerda, desea y resiste, incluso cuando se descompone en frecuencias digitales.

Con una trayectoria de más de una década, María Arnal ha construido una de las carreras más singulares de su generación. Su trabajo desafía las convenciones del ciclo tradicional disco/gira, explorando constantemente las intersecciones entre música, ciencia, poesía y cuerpo. En su nueva etapa, esa inquietud se radicaliza: cada canción se convierte en una carta, cada carta en un gesto, cada gesto en una nueva forma de amar y de decir.

Su nueva música solo se ha podido escuchar en directo durante una gira, tan aplaudida como reveladora, que arrancó en Sónar y que la ha llevado por diferentes ciudades de España, Europa y próximamente a México. Música, danza y tecnología se funden en un espectáculo vivo junto a las bailarinas de La Veronal, convertidas en un coro de movimiento y sonido. Una travesía que reafirma su apuesta por los procesos experimentales, emocionales y colectivos como vía de creación.

Con ‘Ama’, María Arnal no solo presenta una canción: abre un nuevo capítulo en su historia, una constelación donde el amor, la memoria y la tecnología se entrelazan en un mismo gesto. Una voz que se multiplica para seguir diciendo —y llorando— todo lo que aún queda por decir.

Nacido en Paide (Estonia) el 11 de septiembre de 1935, Pärt se formó en Tallin y, tras un primer periodo neoclásico y serial, atravesó un “silencio” creativo a finales de los 60 que culminó con un giro estético decisivo en los 70. En 1980 abandonó la Unión Soviética, residiendo en Viena y Berlín, y su música comenzó a difundirse internacionalmente (impulso clave: la edición de Tabula Rasa en ECM, 1984). Desde 2010, su archivo y legado se conservan y difunden en el Arvo Pärt Centre (Laulasmaa, Estonia).

Arvo Pärt tiene la nacionalidad austríaca y es ampliamente reconocido como uno de los mayores compositores de música clásica contemporánea y música sacra. Fue el compositor vivo más interpretado entre 2012 y 2018 y el segundo (detrás de John Williams) hasta 2022, cuando volvió a ocupar el primer lugar.​

El “Tintinnabuli” —de tintinnabulum, campanilla— es un sistema de composición propio de Pärt: una voz melódica diatónica orbita un centro tonal mientras otra voz “tintinnabular” traza el arpegio de un acorde fundamental. El resultado es un sonido claro, contemplativo y cargado de resonancias espirituales. Este lenguaje, surgido tras su etapa de silencio (1968–1976), redefine la economía de medios y la escucha atenta.

• Spiegel im Spiegel (1978): arquetipo de quietud y simetría, probablemente su pieza más difundida.
• Fratres (1977): misma idea musical en múltiples instrumentaciones; ascética y tensa.
• Tabula Rasa (1977/1984 en ECM): bisagra de su proyección mundial.
• Für Alina (1976): miniatura para piano, silencio y luz.
• Cantus in memoriam Benjamin Britten (1977): canon descendente con campanas, duelo y pureza.
• Summa (1977/1991 versión de cuerdas): sobriedad coral llevada a lo instrumental.
• Te Deum (1984/1992): monumentalidad estática.
• Passio (1982): austeridad dramática en el relato de San Juan.
• Berliner Messe (1990/1992): liturgia y diafanidad.
• Magnificat (1989) y Salve Regina (2001): devocionales y cristalinas.
• Lamentate (2002): para piano y orquesta, gravedad y escala.
• Adam’s Lament (2010): premiada grabación con Vox Clamantis y coros bálticos.

Se pueden consultar todas sus obras en el catálogo completo del Arvo Pärt Centre: Chronological list of Arvo Pärt compositions

Pärt es uno de los compositores vivos más influyentes y programados. ECM inauguró su New Series con Tabula Rasa, determinante para su difusión global. Entre sus distinciones recientes figuran el Polar Music Prize y reconocimientos académicos y artísticos internacionales; en 2025 se celebró su 90º aniversario con ediciones y conciertos conmemorativos.

En Spotify.

En YouTube.

Si es tu primera escucha, prueba esta ruta de 30–40 minutos:
Für Alina → Spiegel im Spiegel → Fratres (versión para cuerdas) → Cantus in memoriam Benjamin Britten. Después, sumérgete en Te Deum o Passio para su faceta coral.

El Centro Arvo Pärt es el archivo personal del compositor y un lugar de encuentro creativo para todos aquellos interesados ​​en su música y su mundo de pensamiento. Es un espacio espectacular enclavado en medio del bosque.

https://www.arvopart.ee/arvo-pardi-keskus/keskusest/

Con este galardón, Mujeres de Cine reconoce la excepcional versatilidad y el gran talento interpretativo de una de nuestras actrices más emblemáticas, cuya extensa y fundamental carrera es ya memoria viva del cine español.

El acto de entrega tendrá lugar en la Academia de Cine el viernes 10 de octubre y contará con la presencia de destacadas personalidades del mundo de la cultura.

El Premio Mujer de Cine a Ángela Molina se completa con una retrospectiva online que reúne algunos de sus títulos más celebrados. Estará disponible con acceso gratuito del 10 al 17 de octubre a través de la plataforma VOD Mujeres de Cine.

El Premio Mujer de Cine es posible gracias a la colaboración de la Academia de Cine, el patrocinio del Instituto de las Mujeres y al apoyo del Ayuntamiento de Madrid.

“El cine es la poesía de la vida. Siempre va a estar descubriéndonos a nosotros mismos. Es el arte con un compendio de muchos”. ÁNGELA MOLINA Premio Mujer de Cine 2025

ÁNGELA MOLINA es una de las actrices más queridas y relevantes del cine español, así como una de las más reconocidas a nivel internacional. 50 años de interpretación respaldan su prolífica trayectoria profesional que abarca desde los años setenta hasta la actualidad y que se caracteriza por la versatilidad y la intensidad de sus interpretaciones, lo que la ha llevado a trabajar con algunos de nombres más destacados de nuestra cinematografía como Luis Buñuel, Josefina Molina, José Luis Borau, Manuel Gutiérrez Aragón, Jaime Chávarri o Pedro Almodóvar.

Con solo 22 años, Luis Buñuel la eligió para protagonizar Ese oscuro objeto del deseo, película que le proporcionó renombre internacional y le abrió las puertas de la cinematografía europea. Llegada la transición, Ángela Molina intenta desvincularse del auge comercial del “cine del destape” y enfoca su carrera hacia producciones que reúnen calidad y compromiso, a menudo de temática social, política o histórica, motivada por el pensamiento que acompaña cada guion. 

En la década de los ochenta, reafirmó su presencia internacional de la mano de Gillo Pontecorvo, Marco Bellocchio o Lina Wertmüller. 

Desde entonces, su talento interpretativo vivo y enigmático han sido reclamo de otros grandes nombres como Alain Tanner, Ridley Scott, Giuseppe Tornatore o Costa Gavras, entre otros.

En 1985 se le concedió el Gran Premio de la Crítica de Nueva York, desde entonces han sido numerosos los premios y reconocimientos recibidos, entre los que destacamos el David de Donatello, la Concha de Plata, la Medalla de Oro al Mérito en las Bellas Artes, el Premio Nacional de Cinematografía o el Goya de Honor a toda su trayectoria en 2021. 

Ha sido nominada en 5 ocasiones a los premios Goya y ha formado parte del Jurado de Festivales tan importantes como Cannes, Berlín, Venecia o San Sebastián.

En los últimos años ha perfilado una sugestiva colaboración con algunas de las voces más preeminentes de nuestra cinematografía reciente como Isaki Lacuesta, Carla Simón o Carlos Marqués-Marcet. 

2025 reafirma su presencia internacional y madurez interpretativa con el estreno de El último suspiro, de Costa Gavras,  The Return, de Uberto Pasolini, 100 questions, 50 lines de Philippe Parreno y Cosmos, de Germinal Roaux (Premio Especial del jurado en el Festival de Ginebra).

“Premiar a Ángela Molina es premiar nuestro patrimonio cinematográfico, porque nadie mejor que ella representa la riqueza, la diversidad y la memoria viva del cine español. Josefina Molina recibió el primer Premio Mujer de Cine hace 15 años y hoy sentimos que se cierra un círculo al celebrarlo en Ángela, recordando a estas dos grandes mujeres cineastas que tuvieron la oportunidad de coincidir en la imprescindible Esquilache. Ángela encarna todo lo que representa Mujeres de Cine: independencia, autoría, compromiso e inspiración”, declaran Ana Palacios y Diego Rodríguez (codirectores de Mujeres de Cine).

El Premio Mujer de Cine a Ángela Molina se completa con una retrospectiva online que reúne algunos de sus títulos más celebrados. Estará disponible con acceso gratuito del 10 al 17 de octubre a través de la plataforma VOD Mujeres de Cine.

Desde sus inicios en 2011, Mujeres de Cine ha mostrado su compromiso de reivindicar a las mujeres dentro de la industria cinematográfica a través de la entrega anual del Premio Mujer de Cine, galardón honorífico que tiene como objetivo hacer una relectura de la historia del cine español desde una perspectiva de género. La entrega de este premio es un homenaje la aportación de las mujeres en la industria, que gracias a su gran trabajo garantizan un cine plural y diverso a la vez que pone de manifiesto la presencia de mujeres protagonistas en cargos de responsabilidad.

Entre nuestras premiadas se encuentran Josefina Molina, Cecilia Bartolomé, Carmen Frías, Yvonne Blake, Mercedes Sampietro, Isabel Coixet, Esther García, Iciar Bollaín o María Zamora.

El Premio Mujer de Cine es posible gracias a la colaboración de la Academia de Cine, el patrocinio del Instituto de las Mujeres y al apoyo del Ayuntamiento de Madrid.

Quién es
Nacido en Fiesole (Florencia) en 1979, Villoresi es director, animador y artista visual con una trayectoria que cruza publicidad, videoclips y cine de arte. Su trabajo se reconoce por una sensibilidad onírica y un gusto por el truco “ante la cámara”, sin depender en exceso de la postproducción.

Rasgos del estilo

Efectos in-camera y miniaturas: mecanismos, dioramas y sets construidos a mano que crean una textura táctil. Dispositivos precinematográficos: zootropos y fenacistiscopios reimaginados, que dan ritmo y una cualidad hipnótica a la imagen. Fantasmagoría contemporánea: mezcla de técnicas analógicas con recursos actuales para producir una estética surreal entre la vigilia y el sueño.

Obra y proyectos destacados

Exposiciones recientes: Animagia (solo show, 2023) y Le avventure della visione en IULM / Fuorisalone 2024, centradas en su “teatro mágico” de aparatos ópticos y efectos realizados durante el rodaje.

Marcas y colaboraciones: piezas artesanales para casas como Louis Vuitton, Fornasetti o Kartell, que integran escultura, stop-motion y miniaturas.

Publicidad reciente: film de marca para Pellini Caffè, donde la puesta en escena y los trucajes ópticos realzan lo sensorial.

Villoresi ha fundado la productora Fantasmagoria y desarrolla Orfeo, adaptación de Poema a fumetti de Dino Buzzati. El proyecto se ha mostrado en exposiciones y ha estado presente en el circuito de Venecia 2025 con entrevistas y cobertura reciente.

En tiempos dominados por el 3D y el VFX, su obra reivindica la magia de los artificios físicos: la mano del artesano, el truco visible y la emoción rítmica (herencia de su formación artística), convirtiendo cada plano en un pequeño acto de ilusionismo contemporáneo.

Podéis obtener más información sobre la obra de Virgilio Villoresi en su página web www.virgiliovilloresi.com y a continuación puedes ver algunas muestras representativas de su trabajo y estilo.

Pieza breve de marca realizada por el cineasta y animador italiano Virgilio Villoresi para Pellini Caffè. Concebida como un micro-film publicitario, combina artesanía visual y trucajes analógicos con un acabado contemporáneo, fiel al lenguaje onírico y de miniaturas que caracteriza al director. Vimeo+2Vimeo+2

Producción y equipo
Proyecto creado para Pellini con Next14 (agencia) y Black Mamba Productions (producción). Dirección de arte de Paolo Casti y food styling de Alexandra Olenina, lo que refuerza la dimensión sensorial del café en escena.

Proceso y técnicas
Villoresi recurre a efectos ópticos in-camera, escenografías en miniatura y mecánicas precinematográficas para generar transiciones “mágicas” sin depender del 3D, priorizando la artesanía del set y la sincronía con el sonido. Este enfoque, habitual en su obra, busca un aura táctil y poética que dialoga muy bien con el universo de marca de una torrefazione italiana.

Datos clave

Formato: brand film / spot de corta duración (≈1 min).
Vimeo

Director: Virgilio Villoresi.
Vimeo

Cliente: Pellini Caffè.
virgiliovilloresi.com

Agencia / Producción: Next14 / Black Mamba Productions.
virgiliovilloresi.com

Dirección de arte: Paolo Casti.
Facebook

Año: 2023 (publicado el 17 de mayo)

Pellini BlendAbility – Intervista Casti-Villoresi

Acqua di Parma by Virgilio Villoresi

Valentino Garavani – OZ by Virgilio Villoresi

Fornasetti’s Home — miniaturas, trampantojos y atmósfera onírica en la casa Fornasetti.

Fornasetti — Trumeau — stop-motion con objetos y dispositivos ópticos.

Fine (2012) — relato “pintado en la mano”; pieza icónica y Staff Pick.

Louis Vuitton – Holiday — micro-film navideño con sets artesanales.

Making-of Louis Vuitton: Enchanted World of Gifts — proceso y trucajes del spot.

Etro — Magic Tailoring (2024) — taller que cobra vida en stop-motion

Dsquared2 Eyewear — stop-motion de producto con humor mecánic

Bulgari — Viper — coreografías de objetos y joyería

Moncler — Ocean Green — escenografías miniatura y control de cámara.

Zootrope — Alessi Moka — demostración de zootropo aplicado a marca.

Zara Home — Blooming Dining Room — dioramas florales y metamorfosis de mesa.

El 7 de septiembre vuelve a ser el día de Mecano. Hoy, BMG celebra una de las fechas más icónicas del pop español con un lanzamiento histórico: la publicación en plataformas digitales de obras únicas -y poco accesibles- de Mecano, que hasta ahora solo podían escucharse en vinilo. Entre ellas, tres joyas que marcan diferentes etapas del grupo: el maxisingle de El 7 de Septiembre, el compilatorio Lo Último de Mecano y el maxi Let’s Dance Japón, con la participación del oscarizado Hans Zimmer en la producción.

Se trata de un rescate cultural sin precedentes, que pone a disposición del público versiones alternativas, temas inéditos y grabaciones en directo que revelan la faceta más experimental, íntima y atrevida de la banda. Piezas que no formaron parte de sus álbumes oficiales y que, en su día, sólo conocieron los seguidores más fieles.

EL 7 DE SEPTIEMBRE : EL HIMNO Y SUS VERSIONES OCULTAS

Lanzado originalmente en 1991, El 7 de Septiembre no solo es una de las canciones más icónicas de Mecano: es un himno intergeneracional que marcó la historia del pop en español. Hoy, su maxisingle llega por fin al streaming con todas sus versiones: la versión de baile y la sorprendente pista instrumental sin voz. Un lanzamiento que, en su día, alcanzó el Nº1 en ventas y fue la antesala del álbum Aidalai.

Publicado en 1986 por CBS, Lo Último de Mecano fue un álbum singular que nunca se integró en la discografía oficial del grupo. Incluye cuatro canciones inéditas en su momento —’La Extraña Posición’, ‘Viaje Espacial, Napoleón’ y ‘Super-Ratón’—, además de grabaciones en directo de temas como ‘La Fiesta Nacional’, ‘Me Río de Janeiro’ o ‘Busco Algo Barato’. Hoy, este proyecto vuelve a la vida en formato digital, con especial atención en ‘Napoleón’, que nunca antes había estado disponible en plataformas.

Otro de los grandes rescates de este lanzamiento es Let’s Dance Japón, un maxisingle publicado en 1984 que marcó el salto del grupo hacia sonoridades internacionales. Esta edición incluye mezclas creadas con el vanguardista sintetizador Fairlight y contó con la colaboración de Hans Zimmer, mucho antes de convertirse en el célebre compositor ganador del Oscar.

El 7 de septiembre es la fecha simbólica de Mecano y, además, este año coincide con un eclipse total de luna, un hito que históricamente reactiva el consumo de “Hijo de la luna” y que aporta un elemento narrativo perfecto para celebrar esta recuperación. La campaña se integra en el plan de BMG para revitalizar el catálogo del grupo: tras la gran acogida en 2023 de las reediciones en vinilo de sus seis álbumes de estudio (agotados durante décadas), se da ahora el siguiente paso lógico: completar el catálogo en streaming e incorporar contenido audiovisual restaurado, incluidas versiones de videoclips en francés e italiano,  en el canal oficial de YouTube de Mecano.

Maxi: Lo Último de Mecano

La Extraña Posición

Napoleón

Viaje Espacial

Super-Ratón

No Pintamos Nada (Live)

La Fiesta Nacional (Live)

Busco Algo Barato (Live)

Me Río de Janeiro (Live)

Maxi: El 7 de Septiembre

El 7 de Septiembre (Versión de baile)

El 7 de Septiembre (Versión acústica)

El 7 de Septiembre (Versión original)

El 7 de Septiembre (Versión sin voz)

Maxi: Japón

Let’s Dance Japón (Disco Mix)

La Estación

Japón

Durante su trayectoria, Mecano utilizó maxis y caras B como laboratorio creativo: terreno para arriesgar sonidos, letras y formatos fuera de los LPs principales. Su llegada al streaming democratiza ese archivo, conserva patrimonio y amplía el relato de una de las bandas más influyentes del pop en español. Desde hoy arranca una campaña que pondrá por primera vez en digital 37 canciones a lo largo de los próximos meses, con nuevos maxis y caras B por anunciar.

Con la maestría del guitarrista alicantino y la sensibilidad de la gaditana, se crea un homenaje a Camarón en esta canción. Una producción que ensambla de manera perfecta diferentes elementos en busca de una experimentación musical fascinante.

IA: El futuro se adelanta» combina la tecnología de Inteligencia Artificial con el arte digital para crear una experiencia inmersiva única. Este evento presenta obras impactantes y originales que destacan la capacidad de la IA para generar imágenes sorprendentes. Ubicado en el Palacio Neptuno de Madrid, en el corazón del Triángulo del Arte, este espectáculo desafía las convenciones establecidas y redefine la forma en que entendemos la creatividad. Sumérgete en un viaje innovador que celebra la unión entre tecnología, arte y emoción. No te pierdas esta experiencia fascinante que marcará un antes y un después en el arte digital. unido a un Tardeo con copas y en un espacio único.

Desde Enero de 1990, el Festival de Cultura y Creatividad Digital «ArtFutura» explora los proyectos y las ideas más importantes surgidas en el panorama internacional del New Media, la Inteligencia Artificial, la Realidad Virtual, el Diseño de Interacción y la Animación Digital en ciudades como Barcelona, Buenos Aires, Ibiza, Londres, Madrid, Montevideo, Paris, Roma y muchas otras.

Sus actividades incluyen, exposiciones, conferencias, workshops, iInstalaciones interactivas u performances.

Entre los participantes de anteriores ediciones podemso encontrar a William Gibson, Theo Jansen, Toshio Iwai, Laurie Anderson, Hiroshi Ishii, Paul Friedlander, Moebius, David Byrne, Masaya Matsuura, Howard Rheingold, Timothy Leary, Tomato, Tetsuya Mizuguchi, Rebecca Allen, Ryota Kuwakubo, Mariscal, Orlan, Yoichiro Kawaguchi, Brian Eno, Karl Sims, Marcel.lí Antúnez, Arthur Kroker, Xeni Jardin…

También han participado organizaciones y compañías como Ars Electronica, Industrial Light & Magic, Weta Digital, Pixar, Sony Pictures Imageworks, Digital Domain, SAT Montreal, Blast Theory, UVA, Amorphic Robot Works, Improv Everywhere, Creators Project, Liberatum, Universal Everything y el MIT Media Lab.

GaleriaFutura La división GaleriaFutura promociona los aspectos más expositivos de esta nueva creatividad digital. Desde el New Media a la Realidad Virtual pasando por la Inteligencia Artificial.

A lo largo de estos años ArtFutura ha tratado de mostrar que, a comienzos del nuevo milenio, arte y ciencia discurren por caminos paralelos. Y que la creatividad encuentra en la tecnología digital, un aliado extraordinario.

ArtFutura siempre ha destacando los aspectos más humanos de las nuevas tecnologías. No solo mostrando las capacidades de estas nuevas herramientas, sino también cuestionando su propia naturaleza y a donde nos llevan.

Más info en https://www.artfutura.org/