James Dyson: Más allá del ciclón. El caballero inconformista que rediseñó el mundo

Para muchas personas, el nombre de James Dyson evoca imágenes de elegancia futurista: aspiradoras sin bolsa que parecen sacadas de una nave espacial, secadores de pelo que desafían la gravedad y purificadores de aire sin aspas que rozan la magia. Sin embargo, reducir a Sir James Dyson a la etiqueta de «el rey de las aspiradoras» sería cometer una profunda injusticia con una de las mentes más fascinantes, obstinadas y polifacéticas de nuestro tiempo.

Detrás del imperio multimillonario y de los diseños expuestos en el MoMA, se esconde un hombre que se define a sí mismo no como un brillante hombre de negocios, sino como un inadaptado, un agricultor, un educador y, sobre todo, una «mula» testaruda que ha hecho del fracaso su mayor obra de arte.

En este artículo, nos adentramos en la vida personal, las rarezas y la filosofía de un genio que nos enseña que el diseño no es solo estética, sino una forma de enfrentarse al mundo.

Para entender la resiliencia casi sobrehumana de James Dyson, hay que viajar a la costa de Norfolk, Inglaterra, en la década de los cincuenta. La infancia de James estuvo marcada por una tragedia temprana: su padre, un profesor de lenguas clásicas que amaba dirigir obras de teatro y enseñar deportes, falleció de cáncer de garganta y pulmón a los 40 años, cuando James tenía apenas nueve.

Criado por su madre viuda y con la bondad del director de su internado, el Gresham’s School, que le permitió estudiar gratis durante diez años tras la muerte de su padre, Dyson desarrolló un agudo sentimiento de ser «diferente» al resto de los niños. Esta pérdida no lo hundió, sino que forjó en él un espíritu ferozmente competitivo y una necesidad vital de vivir al límite de sus capacidades.

Fue en esos años cuando descubrió su primera gran obsesión: correr largas distancias. Inspirado por el legendario corredor Herb Elliott, el joven James se levantaba a las 6:00 a.m. para correr diez kilómetros, iba a clases, y volvía a correr otros diez kilómetros a las 10:00 p.m., a menudo subiendo y bajando por las dunas de arena para fortalecer sus piernas.

Esta experiencia física le enseñó la lección más importante de su vida, una que aplicaría a cada uno de sus futuros diseños: el concepto de la «barrera del dolor». Según Dyson, en toda carrera llega un punto en el que el agotamiento es insoportable y el cuerpo te pide parar. «Ese es el momento en el que todos los demás se detienen o reducen la velocidad. Así que, en ese preciso instante en el que quieres rendirte, debes acelerar», afirma. Ese principio de no rendirse jamás cuando todo parece perdido se convertiría en el motor de su existencia.

Sorprendentemente, el hombre que revolucionaría la ingeniería moderna no estudió ingeniería en su juventud. Educado en los clásicos (latín, griego e historia antigua), Dyson quería ser pintor. Asistió a la Byam Shaw School of Art de Londres, donde un astuto director, al ver sus dibujos, le sugirió que el mundo quizás no lo necesitaba como pintor, sino como diseñador.

Dyson se trasladó al Royal College of Art, donde pasó del diseño de muebles al diseño de interiores, y finalmente a la arquitectura y la ingeniería. Su mente hizo «clic» al descubrir la obra de Buckminster Fuller, el creador de las cúpulas geodésicas. Dyson quedó maravillado al comprender que la verdadera belleza no provenía del estilo superficial, sino de la funcionalidad y la ingeniería misma.

Poco después, conoció a quien sería su gran mentor, el excéntrico inventor Jeremy Fry, quien lo contrató para diseñar y vender el Sea Truck, una lancha de desembarco de alta velocidad. Fry le enseñó a despreciar la burocracia y a adorar la experimentación pura. Si tenían una idea para probar la hidrodinámica de un casco, no consultaban a teóricos; simplemente ataban un trozo de madera a un Land Rover, lo arrastraban por un lago y observaban qué ocurría. Fry le enseñó que, con entusiasmo, inteligencia y desprecio por los formalismos, todo era posible.

Dyson es un hombre de contrastes fascinantes. A pesar de amasar una fortuna que lo sitúa entre los hombres más ricos del Reino Unido (superando los 16.000 millones de libras en su punto álgido), rechaza frontalmente la etiqueta de «hombre de negocios». Se considera un ingeniero manchado de polvo, un creador.

Físicamente, su estilo llama la atención. Suele vestir de manera moderna y artística, a menudo con prendas diseñadas por su yerno y su hija (que son diseñadores de moda). Como él mismo señala: «No tengo que vestir de forma aburrida con colores tristes solo porque sea ingeniero». Pero si hay un detalle estético que lo define, es un cinturón de cuero rojo que lleva usando durante años. No es un rojo cualquiera; es el tono exacto que, en la Francia del siglo XVIII, solo la realeza tenía permitido usar. Aunque bromea diciendo que no se cree de la realeza, la elección refleja su amor por la historia y su gusto por lo inusual. De hecho, fue nombrado Caballero del Imperio Británico en 2006 por el Príncipe Carlos (hoy Rey Carlos III), una ceremonia que recuerda con humor por el miedo que pasó al tener una pesada espada medieval rozando sus hombros.

Pero su mayor peculiaridad profesional es su absoluto desprecio por la «experiencia» y los «expertos». En su empresa, rara vez valora la experiencia previa. Prefiere contratar a jóvenes recién graduados o estudiantes sin ningún tipo de bagaje en la industria. Dyson sostiene una teoría radical: la experiencia te enseña por qué no hacer las cosas, inhibe la creatividad y fomenta las malas costumbres corporativas. La ingenuidad, en cambio, permite a los jóvenes hacer «preguntas estúpidas» y explorar caminos que los expertos considerarían imposibles. Su lema es claro: si quieres innovar, los expertos son peligrosos porque matan las nuevas ideas basándose en el pasado.

Para entender la dimensión de James Dyson en la cultura popular, debemos hablar del producto que lo cambió todo y del calvario que supuso crearlo. A finales de los años 70, Dyson estaba frustrado. Su aspiradora Hoover Junior se atascaba constantemente y perdía succión. Al vaciar la bolsa, se dio cuenta de que el problema no era que estuviera llena, sino que los poros de la bolsa se taponaban con el polvo fino desde el primer segundo.

La inspiración le llegó de un aserradero local, donde vio un gigantesco cono ciclónico de 10 metros de altura que separaba el serrín del aire usando fuerza centrífuga. Rápidamente, corrió a casa e hizo un prototipo en miniatura con cartón y cinta adhesiva. Funcionó. Pero llevar esa idea al mercado se convertiría en una odisea épica de resiliencia.

Dyson se encerró en la antigua cochera de su casa (Coach House), un lugar helado y sin comodidades, dispuesto a perfeccionar la tecnología ciclónica. Durante los siguientes cuatro o cinco años, fabricó a mano nada menos que 5.127 prototipos.

Piensen en ello: 5.126 fracasos absolutos. Días enteros en los que regresaba a casa cubierto de polvo, exhausto y deprimido, pensando que moriría haciendo ciclones sin avanzar jamás. Sin ingresos, acumuló deudas asfixiantes con tasas de interés del 22%, obligando a su esposa, Deirdre, profesora de arte, a firmar repetidamente los documentos del banco poniendo su hogar como garantía.

¿Por qué no se rindió? Porque Dyson practica lo que él llama el «enfoque edisoniano»: hacer un solo cambio a la vez, probar, fallar y aprender. Para él, el éxito es aburrido, pero el fracaso es fascinante. Cada error le decía exactamente qué no hacer en el siguiente intento. Finalmente, el 2 de mayo de 1992, justo el día de su 45 cumpleaños, construyó el primer prototipo funcional perfecto.

Pero el camino no se allanó. Intentó licenciar su tecnología a las grandes multinacionales de electrodomésticos (Electrolux, Hoover), pero todas lo rechazaron. ¿El motivo? Estas empresas ganaban cientos de millones vendiendo las bolsas de recambio y no querían destruir su propio negocio lucrativo.

Esta travesía por el desierto cimentó otra de sus peculiaridades más marcadas: su obsesión patológica por el control total. Años antes, Dyson había inventado la Ballbarrow (una carretilla con una bola en lugar de rueda para no hundirse en el barro). Fue un éxito, pero cometió el error de ceder la patente a la empresa, controlada por inversores externos. Cuando hubo desacuerdos, los accionistas lo expulsaron de su propia compañía y le robaron su invento. Aquello lo destrozó, pero le enseñó una lección de oro. Con la aspiradora, decidió no depender de nadie: pidió un préstamo de 600.000 libras poniendo su casa en juego por enésima vez, fabricó él mismo la máquina y fundó su propia empresa. Hoy en día, Dyson Ltd. es una empresa privada al 100% sin accionistas externos, lo que le permite tomar decisiones radicales a largo plazo sin dar explicaciones a Wall Street.

Los semiconductores, el corazón de la tecnología digital

Vivimos rodeados de chips, aunque casi nunca los vemos. Están en el teléfono que llevamos en el bolsillo, en el ordenador con el que trabajamos, en el coche que conducimos, en los sistemas de navegación, en los hospitales, en los aviones, en las fábricas, en las tarjetas bancarias y en los centros de datos que hacen posible internet.

Detrás de todos esos chips hay un concepto fundamental: los semiconductores.

Durante décadas, el sector de los semiconductores fue visto como una industria técnica, reservada a ingenieros, fabricantes de ordenadores y grandes compañías electrónicas. Hoy, en cambio, se ha convertido en una cuestión estratégica global. La inteligencia artificial, la transición energética, la automoción eléctrica, la defensa, las telecomunicaciones y la soberanía tecnológica dependen directamente de la capacidad de diseñar, fabricar y asegurar el suministro de estos pequeños componentes.

Las previsiones reflejan esta importancia. Deloitte estima que la industria global de semiconductores alcanzará alrededor de 975.000 millones de dólares en ventas en 2026, impulsada especialmente por la demanda de infraestructura para inteligencia artificial. La Semiconductor Industry Association también señala que las ventas mundiales de chips se mantienen en camino de aproximarse al billón de dólares en 2026.

Un semiconductor es un material que puede comportarse, según las condiciones, como conductor o como aislante.

Dicho de forma sencilla: puede dejar pasar la electricidad o bloquearla. Esa capacidad de controlar el flujo eléctrico es lo que permite construir transistores, y los transistores son la base de los chips modernos.

Un chip no es más que un conjunto gigantesco de transistores diminutos conectados entre sí. Cada transistor funciona como un interruptor microscópico que puede estar encendido o apagado. Esa lógica de encendido y apagado es la base del lenguaje binario, es decir, los famosos unos y ceros con los que trabajan los ordenadores.

El material más utilizado en la fabricación de semiconductores es el silicio. No es casualidad. El silicio es abundante, relativamente barato, estable y posee propiedades eléctricas muy adecuadas para fabricar circuitos integrados.

De ahí viene el nombre de Silicon Valley, el famoso valle tecnológico de California. No se llama así por casualidad, sino porque el silicio fue la materia prima que permitió el nacimiento de la industria electrónica moderna.

Aunque el silicio sigue siendo el gran protagonista, cada vez se utilizan más materiales especializados para aplicaciones concretas.

Por ejemplo:

Carburo de silicio, SiC. Es muy importante en vehículos eléctricos, cargadores rápidos, energías renovables y electrónica de potencia. Soporta temperaturas y voltajes más elevados que el silicio tradicional.

Nitruro de galio, GaN. Permite fabricar cargadores más pequeños, eficientes y rápidos. También es clave en telecomunicaciones, radares y sistemas de alta frecuencia.

Fotónica de silicio. En lugar de mover datos solo mediante electrones, utiliza luz para transmitir información con mayor velocidad y menor consumo energético, algo cada vez más importante en centros de datos e inteligencia artificial.

Los semiconductores sirven para procesar, almacenar, transmitir y controlar información o energía. Por eso están presentes en tantos sectores.

Son esenciales en ordenadores, móviles, tablets, televisores, videoconsolas, routers, cámaras, relojes inteligentes y prácticamente cualquier dispositivo electrónico moderno.

En un smartphone, por ejemplo, encontramos varios tipos de chips: procesador principal, memoria, sensores, módem de comunicaciones, gestión de batería, cámara, pantalla y seguridad.

La inteligencia artificial actual necesita una enorme capacidad de cálculo. Los grandes modelos de IA se entrenan y ejecutan en centros de datos llenos de chips especializados, especialmente GPU, aceleradores de IA y memorias de alto ancho de banda.

Empresas como Nvidia, AMD, Broadcom, TSMC, Samsung, Micron o SK Hynix se han vuelto estratégicas porque sus productos permiten entrenar modelos, procesar datos y ejecutar aplicaciones de IA a escala global. Reuters ha informado recientemente de la fuerte demanda de memoria avanzada HBM para IA, con Samsung enviando muestras de HBM4E y SK Hynix, Micron y Samsung compitiendo en este segmento clave.

Los coches actuales son auténticos ordenadores sobre ruedas. Utilizan semiconductores para controlar el motor, la batería, los frenos, los sensores, las cámaras, el sistema de navegación, la conectividad, la seguridad y los sistemas de asistencia a la conducción.

En los vehículos eléctricos, los chips de potencia son todavía más importantes, porque ayudan a gestionar la batería, la carga y la eficiencia energética.

Los semiconductores también se utilizan en robots industriales, maquinaria automatizada, redes eléctricas inteligentes, equipos médicos, resonancias magnéticas, marcapasos, satélites, sensores agrícolas, sistemas de defensa y telecomunicaciones.

Por eso, cuando hay escasez de chips, no solo se encarecen los ordenadores: pueden verse afectados sectores enteros de la economía.

El nuevo single de la artista mezcla tradición madrileña, ironía y desamor cinematográfico entre chulapas, verbenas y bocatas de calamares.

DORA se consolida como una de las voces con más proyección de la nueva escena madrileña, transformando la tradición castiza en imaginario pop contemporáneo.

No te pierdas el nuevo videoclip de Dora «Feria de Madrid»

DORA regresa más castiza que nunca con ‘Feria de Madrid’, un primer adelanto de su próximo proyecto que promete volver a sorprender. La madrileña entrega una pieza que transforma el imaginario de San Isidro en el escenario de una ruptura sentimental inolvidable. Entre el bullicio de la verbena, las luces de feria y el eco de los organillos, la artista retrata a una chulapa desconsolada que descubre a su antiguo amor acompañado de otra mujer.

Con una producción elegante y teatral donde no falta el organillo, ‘Feria de Madrid’ bebe de referentes clásicos que recuerdan a grandes figuras como Sara Montiel o Rocío Dúrcal, mientras los combina con una sensibilidad pop moderna y una narrativa visual llena de ironía y emoción. El resultado es una canción donde Madrid no solo funciona como telón de fondo, sino como protagonista absoluta.

La letra alterna vulnerabilidad y sátira con imágenes que parecen sacadas de una película: “Vestida de chulapa / sin saber llegar a casa” o ese inesperado final “hacía la feria donde estaban los bocatas de calamares”, que convierte el drama amoroso en una estampa que nos puede llevar a la pradera de la fiesta popular de Madrid. Pop con aroma de gallinejas y entresijos.

DORA firma una declaración de amor a las raíces populares de la ciudad y a sus contradicciones: la fiesta, el exceso, la nostalgia y el desamor. ‘Feria de Madrid’ abre así una nueva era artística donde lo tradicional y lo moderno bailan juntos hasta el amanecer.

SOBRE DORA

Dora Postigo Salvatore (Madrid, 2004) comenzó a tocar el piano con solo cinco años y muy pronto dejó claro un universo musical tan amplio como personal, versionando desde Ella Fitzgerald hasta Kendrick Lamar. A los diez años abrió su canal de YouTube y poco después se convirtió en vocalista de la Creativa Junior Big Band. Hija de Bimba Bosé y del músico y realizador Diego Postigo, DORA ha sabido transformar su herencia artística en una identidad propia, construyendo una propuesta donde conviven el pop, el R&B, el soul, el neo-bolero y la electrónica indie con una sensibilidad tan elegante como atrevida. Durante su carrera, ha actuado en escenarios tan representativos como  Primavera Sound, Mad Cool, Pitchfork o los Premios Goya.

Desde el lanzamiento de su primer single, “Saving Star”, en 2019, DORA ha consolidado una carrera marcada por la versatilidad y la ambición creativa. Además de la música, ha desarrollado una destacada faceta en el cine y la moda, debutando como modelo para David Delfín y protagonizando la película Rainbow, dirigida por Paco León para Netflix. Además Dora ostenta el récord de ser la artista más joven de la historia en ser portada de Vogue.

En 2025 publicó “DeSAFINADO” junto a Nico y “Rákata” junto a Marlon Collins, Durante 2026 comenzará a presentar los adelantos de su próximo álbum.

Visita el perfil de Instagram de la artista Dora: @ucancallmedora

Letra canción Feria de Madrid:

(Ah Madrid, Ah Madrid)

El último día de feria
Apareciste con ella
Después de decirme que no volvería a verte
No me creo nada
Solo cuesta una mirada
Para decirte que me perdiste pa siempre
Tu ni lo sabías
Solo se que llorarías
Cuando te des cuenta que tu y yo

No podemos ser amigos
Ni tampoco conocidos
Por qué me hiciste llorar en la feria

Vestida de chulapa
Sin saber llegar a casa
Solo se me ocurrió correr
Venía ella tan guapa
Una falda hecha de chapa
Que brillaba como aquel atardecer

Yo solo pude correr
Yo solo pude correr

Te escribí a la madrugada
Preguntando qué pasaba
Por que habías roto nuestro pacto de querernos a pesar de todo
Noto otro alboroto
Todos los amigos que creía que tenía señalaban
Señalaban mis espaldas
Y opinaban sobre ti y sobre mi y sobre ella

No podemos ser amigos
Ni tampoco conocidos
Por qué me hiciste llorar en la feria

Vestida de chulapa
Sin saber llegar a casa
Solo se me ocurrió correr
Un giro inesperado
Un puñal muy bien clavado
Me hizo irme aquella tarde y correr

Yo solo pude correr
Yo solo pude correr
Yo solo pude correr, hacía la feria donde estaban los bocatas de calamares… calamares

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Créditos Musicales:

Autor: Dora Postigo
Producción: Edu Requejo y Dora Postigo

Máster: Genevieve Bennetts
Guitarra, bateria y bajo: Edu Requejo
Piano/sintes: Dora Postigo
Arreglos: Dora Postigo y Edu Requejo
Sello: DORA Records

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Créditos Videoclip:

Dirección Jimena Tercero @jimenatercero_ Producción ejecutiva @jimenatercero_
Ayudante de dirección Eva Martos @eva_jeffreyy DOP Pablo Garrido @garridocarreras
Foquista @nickochachi Gaffer @andresito99 Grip @felipe_mmanrique
Dirección de Arte Sofía Briales y Julia Nolla @sofibriales @__julianolla__
Aux de Arte Matilda Vecchi
@matildavec y Lazare jefroykin @lazareje
Stylist Romina Arrigoni Samsó @rominaarrigoni Stylist Assist 1 Paloma Boramor @paloma_boramor Stylist Assist 2 Dorian Ruiz @Dorianruizz
Make up and hair @mariapsota @makenoeup
Montaje @_esirene Color @mariohace.elcolor
Grafismo @ferrancapo CAST
Chico- Tango feroz
Figuración:
Marlon Collin,Alinor,Nira Izquierdo, Ivana Soliz, Ares Negrete, Teodora Vecchi, Leire Sanz, Irene Carrasco
Agradecimientos:
Nicolas Martos,Olivier Bernaux, Marcos Ruiz, Tony Bonet para Adlib Ibiza.

“Inspired in Barcelona: Materia prima” transformó el proceso creativo en un viaje sensorial durante la Milan Design Week. La instalación presentada retrata las figuras más destacadas del ecosistema del diseño catalán, explorando el delicado e impredecible equilibrio del proceso creativo a través de dos ingredientes esenciales y compartidos de la cultura mediterránea: «el pan» y el «aceite de oliva».

Mientras las grandes tecnológicas corren a vendernos asistentes, este proyecto se ha convertido en el símbolo de una nueva era: la de la IA que menos habla y más actúa. Pero, ¿Qué es exactamente y por qué todo el mundo habla de este fenómeno?

2026, un viaje sensorial que explora el origen de la creatividad a partir de dos ingredientes esenciales de la cultura mediterránea: el pan y el aceite de oliva. La muestra utiliza estos elementos fundamentales de la gastronomía como metáforas del proceso creativo y de la búsqueda de equilibrio que caracteriza la práctica del diseño.

“Inspired in Barcelona: Materia prima” ha sido comisariada por el estudio de arquitectura Queralt Suau, con la participación del fotógrafo Txema Salvans y del diseñador Andreu Carulla, está organizada por la Barcelona Creativity & Design Foundation e impulsada por la Concejalía de Cultura e Industrias Creativas del Ayuntamiento de Barcelona a través del Disseny Hub Barcelona (DHub) y la Generalitat de Catalunyaa través de ACCIÓ-Catalonia Trade & Investment, y cuenta con la colaboración de las marcas Baluard, Brava Arts, L’Olivera, Roca y Simon.

Interpretando el tema propuesto por el Fuorisalone de la Milan Design Week 2026, Essere Progetto (una invitación a redescubrir el diseño como un proceso dinámico y responsable, en el que el ser humano retoma su papel central como artífice del cambio), la instalación se inspira en la idea de que no es la forma acabada la que define el valor del diseño, sino el proceso que la genera.

En palabras de Jordi Queralt, responsable del estudio Queralt Suau: “Históricamente, Barcelona y Cataluña han sido un espacio de creatividad e innovación donde la cultura gastronómica ha tenido un papel destacado. La tradición culinaria mediterránea, basada en el respeto por la materia prima, también ha sido un motor de experimentación reconocido internacionalmente. Con Materia prima hemos querido trasladar esa lógica al diseño: entender que las ideas, como los ingredientes, se combinan, se transforman y encuentran su equilibrio a través del juego, la investigación y el proceso creativo.”

La instalación parte de una idea central: las ideas son la materia prima del diseño, que evolucionan y se transforman a través del proceso creativo. A partir de esta premisa el recorrido expositivo guía al visitante a través de una secuencia de tres escenas que
invitan al visitante a experimentar esta metáfora:

1. Introducción: El recorrido inicia con una transición desde el bullicio de la feria hacia un espacio más calmado, donde el visitante descubre una instalación
centrada en la tierra, el pan y sus procesos, acompañada por un sonido crujiente que refuerza su dimensión sensorial. El pan, como elemento autocontenido, define paisaje y contexto, mientras que el aceite de oliva, en flujo constante sobre una mesa en movimiento, genera reflejos “auroras” que actúan como metáfora del equilibrio y la energía de las ideas.

2. Ideas en equilibrio: A continuación, una gran fotografía colectiva formada por los retratos de Txema Salvans a diversos representantes del ecosistema del
diseño catalán evoca la búsqueda del equilibrio creativo que subyace a cualquier proceso de diseño. Entre ellos se encuentran profesionales de ámbitos muy diversos, desde cocineros y pasteleros hasta diseñadores de producto, moda o interiores, así como food designers.

3. Taste experience: El recorrido concluye con una experiencia participativa concebida por Andreu Carulla: un espacio en el que los visitantes pueden jugar con el aceite, crear sus propias auroras y cerrar el recorrido de manera sensorial, degustando un pan especialmente concebido para mojar en aceite de
oliva.

En la exposición también se incluye una luminaria que se han diseñado especialmente para Barcelona: el gran rótulo luminoso con la palabra «Barcelona», diseñado por Antoni Arola, originalmente pensada para la iluminación navideña de la ciudad, encuentra una nueva función y significado, sacadas a la luz en un momento distinto del año.

En “Inspired in Barcelona: Materia prima”, la materia se convierte en narrativa: un hilo conductor que conecta tradición, innovación y cultura del diseño, y que refleja la singularidad del ecosistema creativo de Barcelona. La instalación se presenta así como una expresión colectiva de este sector, diverso, transversal y en constante evolución, capaz de integrar disciplinas, experimentar con nuevos lenguajes y proyectar internacionalmente una manera propia de entender el diseño, arraigada en el proceso, la materia y el equilibrio como motores de futuro.

Referencias:

Queralt Suau

Queralt Suau es un estudio que trabaja en la intersección entre narrativa y espacio, con proyectos vinculados al arte, la cultura y el espacio público. Fundado por Jordi Queralt (1979), arquitecto y máster en Bellas Artes, el estudio emplea el espacio como herramienta para estructurar relatos y activar contenidos. A partir de la investigación y la experimentación, tanto conceptual como material, su obra combina proyectos expositivos, escénicos y de espacio público vinculados al juego. Esta construcción transversal permite convertir la práctica profesional en una herramienta
radicalmente cultural.

Más información en: www.queraltsuau.com

RUN Design

RUN Design es un estudio de diseño gráfico con base en Barcelona que desarrolla proyectos de identidad visual, dirección de arte y comunicación cultural. Su trabajo se caracteriza por una aproximación experimental al diseño, donde la investigación formal, el juego visual y la exploración tipográfica tienen un papel central. A través de una mirada contemporánea e inquieta, el estudio crea sistemas gráficos que buscan ir más allá de la función comunicativa para generar lenguajes visuales propios. Sus proyectos combinan rigor conceptual con una actitud abierta al ensayo y la prueba, entendiendo el diseño como un espacio de experimentación y pensamiento visual. Esta manera de trabajar sitúa a RUN dentro de una escena gráfica que explora
nuevas formas de narrar y representar la cultura.

Más información en: www.rundesign.net

Txema Salvans

Txema Salvans (Barcelona, 1971) es un fotógrafo documental reconocido por su mirada irónica y observadora sobre la sociedad contemporánea. Formado inicialmente en Biología, orientó pronto su trayectoria hacia la fotografía, desarrollando proyectos de largo recorrido basados en la observación paciente de los
espacios cotidianos y periféricos. Su obra combina una gran precisión formal con un humor sutil y lúdico que transforma escenas aparentemente ordinarias en imágenes llenas de significado. En trabajos como Perfect Day o The Waiting Game, Salvans construye relatos visuales que invitan a reflexionar sobre la relación entre las personas y el paisaje. Esta combinación de mirada crítica y sensibilidad visual ha consolidado su obra dentro de la fotografía documental contemporánea.

Más información en: www.txemasalvans.com

Andreu Carulla

Andreu Carulla (Banyoles, 1979) es un diseñador industrial catalán reconocido por una aproximación al diseño que combina experimentación, artesanía y sensibilidad por el material. Desde su estudio en Banyoles, fundado en 2006, desarrolla proyectos que van del mobiliario y la iluminación a la vajilla, los espacios y la dirección creativa.

Su manera de trabajar se basa en la exploración constante de materiales y procesos, a menudo combinando técnicas tradicionales con soluciones contemporáneas. Con una mirada curiosa e inventiva, sus objetos buscan un equilibrio entre funcionalidad, sostenibilidad y expresividad formal. Carulla entiende el diseño como una herramienta para repensar nuestro entorno cotidiano, creando piezas atemporales que dialogan
con el paisaje, el oficio y la cultura mediterránea.

Más información en: www.andreucarulla.com

Barcelona Creativity & Design Foundation

La Barcelona Creativity & Design Foundation tiene la visión de posicionar Barcelona como referente global en creatividad empresarial y economía creativa. Su misión es impulsar la economía creativa de Barcelona, colaborando con la comunidad profesional y empresarial para desarrollar su ecosistema y demostrar el valor que la creatividad aporta a cualquier negocio. A través de Inspired in Barcelona®, la fundación promueve la proyección internacional de la creatividad barcelonesa, propiciando las oportunidades de negocio en eventos clave de la escena global.

Más información en: www.bcd.es

Ayuntamiento de Barcelona (Concejalía de Cultura e Industrias Creativas – DHub, Disseny Hub Barcelona)

El Disseny Hub Barcelona es el espacio que integra e interactúa con las diferentes expresiones de diseño e industrias creativas de la ciudad. Desde el Disseny Hub Barcelona, el Ayuntamiento promueve el debate, la investigación y la presentación de nuevos proyectos y contenidos producidos por el sector de las industrias creativas a nivel local e internacional.

Más información en: www.dissenyhub.barcelona

Si últimamente sientes que no das abasto con los correos, las reuniones y la lista de la compra, prepárate, porque la tecnología de moda de 2026 tiene nombre de crustáceo y promete ser la solución definitiva a tu caos diario. Se llama OpenClaw y no es «otro chatbot» aburrido con el que tener conversaciones filosóficas.

Mientras las grandes tecnológicas corren a vendernos asistentes, este proyecto se ha convertido en el símbolo de una nueva era: la de la IA que menos habla y más actúa. Pero, ¿qué es exactamente y por qué todo el mundo habla de este fenómeno?

¿Qué es OpenClaw y por qué no es «una IA más»?

Para entenderlo de forma sencilla, OpenClaw es un asistente personal de código abierto que, en lugar de obligarte a entrar en una web o descargarte una aplicación nueva, vive directamente en las apps que ya usas todos los días, como WhatsApp, Telegram, Discord o Slack.

La gran promesa de OpenClaw es ser «la IA que realmente hace cosas». En lugar de abrir veinte pestañas en tu navegador para organizar tu día, simplemente le escribes un mensaje de texto a tu asistente como si fuera un amigo o un colega. La magia reside en que este asistente tiene memoria, entiende el contexto de tus conversaciones y tiene «manos virtuales» para ejecutar tareas reales en tu ordenador.

Una historia de langostas, mudas de piel y gigantes tecnológicos

Como toda buena tendencia que se vuelve viral, la historia de OpenClaw está llena de curiosidades. El proyecto empezó como un simple experimento de fin de semana creado por el desarrollador Peter Steinberger.

Curiosamente, su mascota es una langosta con un evidente «complejo de protagonista». Y como los crustáceos, el proyecto tuvo que «mudar de piel» varias veces. Nació en noviembre de 2025 bajo el nombre de «Clawd». Sin embargo, el éxito fue tal que empezaron los problemas legales por marcas registradas (debido a su parecido con los nombres de la empresa Anthropic). Pasó a llamarse temporalmente «Moltbot» en enero de 2026, hasta adoptar su forma y nombre final: OpenClaw.

¿Otra curiosidad que disparó su popularidad? En febrero de 2026, su creador anunció que fichaba por el gigante OpenAI, pero prometió trasladar OpenClaw a una fundación para que siguiera siendo un proyecto abierto, independiente y de la comunidad.

¿Para qué sirve? 4 Ejemplos prácticos para tu día a día

Olvídate de la jerga técnica. Así es como la gente real está utilizando OpenClaw para delegar su vida digital directamente desde su teléfono:

• Tu propio secretario de agenda: Imagina escribirle por WhatsApp: «Esta semana tengo huecos martes y jueves. Propón 3 opciones de reunión de 30 minutos a mi equipo, redacta el correo y pídeme confirmación antes de enviarlo».

• El filtro anti-estrés para tu correo: Puedes ordenarle: «Revisa los correos nuevos, agrúpalos por urgencia y prepara respuestas cortas. No envíes nada hasta que yo te dé el ok».

• Tu asistente de rutinas matutinas: «Cada mañana a las 8, envíame un briefing por Telegram con el tiempo, mis tareas del día y un recordatorio de mis hábitos».

• El rey del supermercado: Puedes automatizar tus compras diciéndole: «Los domingos por la tarde, arma la lista de la semana con mis básicos y confirma conmigo por chat antes de terminar y pagar el pedido».

El lado oscuro: ¿Genialidad de la productividad o un riesgo para tus datos?

Si suena demasiado bonito para ser verdad, es porque hay un pequeño gran detalle que está generando un intenso debate mundial. La razón por la que OpenClaw es el tema de moda en 2026 no es solo por lo útil que es, sino por el vértigo que da.

Cuando le das a una Inteligencia Artificial el poder de leer tus mensajes, acceder a tus archivos y comprar con tu tarjeta, la seguridad deja de ser un tema aburrido de informáticos. Una anécdota muy comentada en la prensa reciente lo ilustra a la perfección: un periodista le dio acceso total a su agente OpenClaw durante una semana. El agente le gestionó la vida maravillosamente, mostró «personalidad» (al parecer, le encantaba el guacamole), pero también llegó a rozar comportamientos engañosos que casi le cuestan una estafa.

La situación es tan seria que incluso medios internacionales como Reuters han reportado que en lugares como China se han emitido avisos y restricciones en entornos estatales por miedo a filtraciones de datos.

La nueva regla de oro: Cuidado a quién le das las llaves

La conclusión que sacamos en Bloom Magazine es clara: OpenClaw es un tráiler fascinante del futuro que nos espera. La idea de que el ordenador pase a ser un ente invisible con el que chateamos es brillante.

Sin embargo, los propios creadores lo advierten: la IA debe tratar cualquier mensaje entrante como «no confiable». Si vas a invitar a esta langosta virtual a vivir en tu WhatsApp, recuerda que delegar tu vida digital es increíblemente cómodo, pero si le das las llaves de tu casa, más vale que cambies las cerraduras. Por primera vez, la pregunta no es de qué es capaz la IA, sino cuántos permisos estás dispuesto a darle.

Podéis obtener más información en www.openclaw.ai

Y en estos vídeos nos explican paso a paso como configurar desde 0 nuestros propios agentes

Entre las más recientes confirmaciones destacan los Premios Pritzker Smiljan Radić (2026) y el estudio Lacaton & Vassal (2021). Además de Junya Ishigami, famoso por su enfoque experimental y poético de la arquitectura y el renombrado experto en espacio público Jan Gehl.

Después de tres décadas, Barcelona volverá a convertirse en el epicentro del debate arquitectónico global. Del 28 de junio al 2 de julio 2026, la ciudad acogerá el Congreso Mundial de Arquitectos de la UIA 2026 Barcelona (UIA2026BCN), que reunirá a 10.000 profesionales, estudiantes y representantes institucionales de más de 130 países bajo el lema “Becoming. Architectures for a planet in transition”.

Más de 250 ponentes internacionales distribuidos en más de 100 sesiones en múltiples escenarios organizados con sesiones plenarias, debates, foros abiertos, talleres, presentaciones de investigaciones inéditas y celebraciones públicas activarán Barcelona como un espacio concentrado de intercambio.

Situado a lo largo del frente marítimo mediterráneo —desde la nave de turbinas de las Tres Chimeneas hasta espacios arquitectónicos de referencia — el Congreso va más allá del formato convencional de conferencia para invitar a experimentar una ciudad que apuesta por la capacidad de transformación de la arquitectura. Las entradas ya están disponibles y cuentan con una política de precio muy accesible que permitirá a todos los profesionales del sector participar a esta cita histórica.

El programa de UIA2026BCN se organiza en torno a las seis líneas de Becoming, cada uno abordando un ámbito específico: Becoming More-than-human explora la ecología, los ecosistemas y clima; Becoming Circular se centra en la reutilización y los ciclos de vida de los edificios; Becoming Embodied analiza tecnologías de materiales; Becoming Interdependent reflexiona sobre políticas espaciales, vivienda y espacio público; Becoming Hyper-Conscious examina datos, geopolítica y legislación, y Becoming Attuned se enfoca en la poética, la estética y la cultura.Cada temática se desarrollará durante media jornada de conferencias (durante tres días: del 29 de junio al 1 de julio).

Lunes 29 de junio: Becoming More-than-human y Becoming Circular

El lunes 29 de junio, el Congreso iniciará su programa de ponencias con las sesiones matutinas bajo el eje Becoming More-than-human, dedicado a la ecología en la arquitectura entendiendo a la naturaleza no solamente como un medio de extracción de recursos. Las sesiones explorarán cómo el diseño puede incorporar nuevas formas de convivencia entre especies, territorios y procesos ecológicos, así como el papel político de la arquitectura frente a la crisis ambiental. Entre las ponencias destacadas se encuentran la de Junya Ishigami, Kate Orff y Dirk Sijmons.

Por la tarde del mismo día (29/06), las ponencias se centrarán en Becoming Circular. En esta línea temática se dedica especial atención a las estrategias de rehabilitación del patrimonio construido, al reciclaje, la proximidad, la eficiencia energética y la economía de recursos como herramientas para reducir la huella de carbono. Entre las ponencias destacan las de Lacaton & Vassal, H Arquitectes, Jo Taillieu, Flores i Prats, Baukunst, Søren Pihlmann y Parabase.

Martes 30 de junio: Becoming Embodied y Becoming Interdependent

La siguiente jornada, la mañana del martes 30 de junio estará dedicada a Becoming Embodied, la línea que se centra en la investigación de materiales y en los procesos de construcción y tecnologías de fabricación. Las ponencias analizarán cómo los materiales—especialmente aquellos de origen local o con bajo impacto ambiental— integran valores medioambientales y sociales, explorando su potencial estructural, los sistemas de ensamblaje y la adaptabilidad de estos a lo largo del tiempo. Entre las ponencias destacadas se encuentran la de Marina Tabassum, Palinda Kannangara, Bruther, BC architects & studies & materials, Hive Earth, Lehm Ton Erde, Arquitectura G y Go Hasegawa.

La programación de la tarde del segundo día se centra en las dimensiones sociales, políticas y económicas del entorno construido con Becoming Interdependent, el eje que propone repensar las formas de convivencia basadas en el cuidado, la cooperación y la solidaridad como motores del empoderamiento social. Las sesiones abordarán temas como las políticas espaciales que promueven el derecho a la vivienda, la perspectiva de género y el espacio público. La vivienda se analizará desde diversos enfoques por Lacol, Erika Nakagawa y Clauss Kahl Merz y Mariana Mazzucato. El diseño urbano y el espacio público serán abordados, entre otros, por Jan Gehl, Rural Urban Framework y Rahul Mehrotra.

Miércoles 1 de julio: Becoming Hyper-Conscious y Becoming Attuned

La mañana del miércoles 1 de julio estará dedicada a “Becoming Hyper-Conscious”, un eje que examina cómo las dinámicas a escala planetaria —incluyendo las relaciones geopolíticas, los marcos legislativos, la digitalización y la inteligencia artificial— influyen directamente en las realidades locales y en la vida cotidiana. Las sesiones invitarán a desarrollar una conciencia crítica sobre estos fenómenos y a explorar sus implicaciones y potencial para la práctica arquitectónica contemporánea. Entre las ponencias destacadas están la de Mario Carpo, Forensic Architecture y Center for Spatial Technologies.

Por la tarde, Becoming Attuned se adentrará en la dimensión poética de la arquitectura, atenta a los contextos materiales, culturales y afectivos. Reclama una mirada más sensible, abierta, guiada por el deseo y la curiosidad, que celebre la incertidumbre, lo cotidiano y la accidentalidad, así los fenómenos físicos y digitales. Este “Becoming” funciona como punto de cierre de los otros cinco encuentros y condensa cómo la confluencia de todos ellos permite percibir las sutilezas y bellezas presentes en objetos y espacios. En esta jornada destacan las ponencias de Smiljan Radić, Matilde Cassani, Tatiana Bilbao Estudio, Bêka & Lemoine, Enrique Walker, Philip Ursprung, y Alexander Brodsky.

El Congreso es convocado por la Unión Internacional de Arquitectos (UIA) y está organizado por el Consejo Superior de los Colegios de Arquitectos de España (CSCAE) y el Col·legi d’Arquitectes de Catalunya (COAC). Además, cuenta con el apoyo del Ministerio de Vivienda y Agenda Urbana de España, la Generalitat de Catalunya y el Ayuntamiento de Barcelona, que lo han reconocido como un evento de excepcional interés público.

El congreso se propone como referente para el debate sobre la arquitectura del futuro, respaldado por los acuerdos con Roca, HP y Holcim como main partners; y Velux como partner.

Podéis obtener más información sobre el congreso en su página web oficial www.uia2026bcn.org

Y en su canal de YouTube en el que se añadirán contenidos y ponencias muy interesantes @uia2026bcn

Un arranque a la altura del álbum Más Cara (Interscope Records, 2026), su segundo álbum, que por primera vez ha cobrado vida sobre el escenario en su ciudad ante más de 45.000 asistentes.

Durante tres noches consecutivas, Barcelona ha sido el epicentro del universo Más Cara: un directo diseñado como extensión natural del disco, donde conviven la potencia de los grandes beats con una puesta en escena que refuerza la identidad visual y conceptual del proyecto. Lejos de limitarse a una sucesión de hits, el show ha funcionado como relato, trasladando al directo esa dualidad que atraviesa el álbum -fuerza y vulnerabilidad, espectáculo e intimidad- y consolidando el momento artístico que atraviesa la artista.

El repertorio ha dado protagonismo a las nuevas canciones, integradas con algunos de los temas más icónicos de su carrera, en un set que evidencia la evolución de Bad Gyal tanto a nivel sonoro como escénico. En este contexto, la artista ha contado en las tres fechas con la aparición de 8belial como invitado especial, reforzando sobre el escenario uno de los nuevos vínculos creativos que atraviesan Más Cara.

Bad Gyal ha apostado por un formato de gran escala, pensado para arenas, donde el imaginario del disco se despliega con ambición: coreografías, visuales y dirección artística al servicio de una narrativa clara. La dirección creativa del show ha corrido a cargo de The Movement, mientras que la coreografía ha sido desarrollada por Malou Linders. El diseño de escenario lleva la firma de Matière Noire, responsables de la concepción de fashion shows para firmas como Courrèges, Jean Paul Gaultier, Mugler o MM6 Maison Margiela, reforzando el cruce entre universo escénico y lenguaje de moda.

El vestuario juega también un papel clave en la construcción del universo Más Cara. Para el arranque del tour en Barcelona, Bad Gyal apuesta por un look custom de la marca barcelonesa Onrush, reafirmando su vínculo con la escena creativa local y su apoyo constante a diseñadores nacionales. A lo largo de los shows, la artista incorpora también un diseño de LUAR, consolidando la relación que mantiene con la firma y su director creativo, Raúl López, con quien asistió a los CFDA Fashion Awards en la pasada edición, y un look de archivo de Dsquared2 de la colección primavera/verano 2013. Una selección de estilismos que acompaña la narrativa del show y refuerza el diálogo constante entre lo local y lo internacional.

Este arranque multitudinario no solo confirma la conexión de Bad Gyal con su público, sino que marca un punto de inflexión en su trayectoria. El tour de Más Cara continuará en las próximas semanas por las principales ciudades españolas, donde ya acumula múltiples sold outs con las últimas entradas disponibles en la tercera fecha de Madrid, la segunda de Bilbao y la de A Coruña. Próximamente se anunciarán fechas internacionales.

Las fechas de la gira «Más Cara» de Bad Gyal en España:

marzo 20 Palau Sant Jordi – Barcelona – España

marzo 21 Palau Sant Jordi – Barcelona – España

marzo 22 Palau Sant Jordi – Barcelona – España

abril 11 Movistar Arena – Madrid – España

abril 12 Movistar Arena – Madrid – España

abril 14 Movistar Arena – Madrid – España

abril 24 Roig Arena – Valencia – España

mayo 9 Estadio La Cartuja – Sevilla – España

mayo 15 Bilbao Arena – Bilbao – España

Podéis conocer más a Bad Gyal visitando su perfil en Instagram @akabadgyal

Y su página web oficial www.akabadgyal.com

Solo queda un mes para que OFFF Barcelona, el festival internacional más vanguardista en creatividad, arte y diseño digital, vuelva a reunir a los talentos más innovadores y destacados del sector en el Disseny Hub. Del 16 al 18 de abril el festival celebra su 26ª edición con un lineup de 45 speakers que nos descubrirán su proceso creativo en primera persona, más otros tantos workshops y masterclasses que suman un total de 95 creativos.

Este año la campaña visual “Cultured” ha sido creada por Uncommon Creative Studio. El hero film completo se desvelará el primer día del festival, presentado por Nils Leonard, fundador del estudio.

Las diversas disciplinas, experiencias y contextos creativos que convergerán este año en OFFF se unen a nuevos formatos y actividades paralelas que convertirán Barcelona en la capital de la creatividad. Esta edición contará con workshops impartidos por creativos, así como masterclasses de los líderes de industria: Adobe, Maxon, Houdini y Framer. Además, este año OFFF introduce un nuevo formato, TIPS & TRICKS, sesiones con público reducido donde 6 speakers de renombre compartirán su experiencia. Charlas cercanas en las que expertos conversarán sobre diversos temas, como dudas sobre carrera, liderazgo, reinvención profesional, etc.

Ya están disponibles en la web del festival el Full Pass, que da acceso a los tres días del festival, y los Day Tickets. Además, pronto también se podrá adquirir entrada para la jornada de clausura del día 18 de abril, que incluye la última charla de Silent Partners Studio, show audiovisual de Hamill Industries y el mapping en la fachada de Disseny Hub. Para los más fiesteros, ya está disponible la entrada para el Afterparty del 18 en La Paloma, con Dj sets de San Jones, Nahoomie y Drea.

NUEVAS CONFIRMACIONES EN EL FESTIVAL

A un mes de la celebración del festival, OFFF Barcelona ha anunciado nuevos ponentes que participarán en Disseny Hub. Entre las nuevas confirmaciones destacan referentes globales de la creatividad y la innovación visual como teamLab, colectivo japonés reconocido por sus instalaciones digitales inmersivas, y Moment Factory, estudio pionero en la creación de experiencias multimedia y entornos audiovisuales a gran escala con el Real Madrid o Madonna entre sus clientes. A ellos se suma Wieden+Kennedy Amsterdam, considerada la Agencia Global del Año 2025 por Adweek. El cartel se completa con estudios y agencias de referencia en diseño, branding y motion como FutureDeluxe, Uncommon, Hamill Industries y Base Design, que aportarán su visión sobre los procesos y tendencias que están definiendo la creatividad contemporánea.

El festival también incorpora perfiles que expanden los límites entre disciplinas, como James Beacham, físico y artista que explora la relación entre ciencia, tecnología y arte, y Johanna Jaskowska, artista digital reconocida por su trabajo pionero en estética virtual, identidad digital y cultura online. Además, el festival contará con dos paneles especiales liderados por Creative Review y Stash, dos de los medios de comunicación internacionales más influyentes. Con estas nuevas confirmaciones, OFFF Barcelona continúa consolidando un programa que reúne a algunas de las figuras y estudios más relevantes del panorama creativo global.

OFFF continúa su compromiso con la ciudad de Barcelona y presenta diferentes propuestas para convertir la ciudad en el hogar de la creatividad para acercar a todo el mundo el talento de las mentes más inquietas y crear una experiencia cultural única y enriquecedora.

Destaca un año más en la programación del festival The Screen, una experiencia de mapping en la fachada de Disseny Hub, gratuita y abierta al público durante las tres noches del festival, con una programación distinta cada noche. La muestra nace de una convocatoria abierta en la que se recibieron más de 730 obras (frente a las 350 del año pasado) de 63 países y de 5 continentes. El jueves 19 de marzo se anunciarán los proyectos seleccionados y que serán proyectados a todo el público que acuda a Disseny Hub.

The Screen también presenta obras comisionadas por el propio festival. PJ Richardson, Burton Rast, Caserne, Somnia Lab, OnionLab, Framemov crearán piezas específicas para esta experiencia de mapping. Además, Uncommon va a crear una pieza especial para el mapping en el marco de la campaña visual.

Este año, la clausura y uno de los platos fuertes del festival, los Main Titles, saldrán por primera vez a la calle y más concretamente a la fachada de Disseny Hub. PJ Richardson, director creativo estadounidense, es el encargado de diseñar este año los Main Titles, los cuales celebran “la idea de que el festival lo hacen todas las personas que asisten a él: un colectivo de creativos que se reúne para aprender, inspirarse y celebrar el diseño”.

Otra actividad abierta al público durante estos días es La Plaça Design Market. El tradicional mercadillo ofrece un año más una selección curada de 15 proyectos de diseño locales e internacionales, ofreciendo una diversa gama de productos creativos: libros, ropa, accesorios y más. Un punto de encuentro imprescindible para los amantes del diseño que deseen descubrir piezas únicas, conectar con diseñadores y experimentar lo mejor de la creatividad local e internacional.

OFFF ofrece un prisma completo del presente del arte, el diseño y la creatividad, pero también del futuro. Para ello, el festival presenta por tercer año consecutivo NXT, plataforma dedicada a mostrar la próxima generación de talentos emergentes. En esta muestra los visitantes pueden explorar proyectos innovadores y experimentar de primera mano las presentaciones dirigidas por los estudiantes de 10 de las principales escuelas de creatividad y diseño: AMD, BAU, Brother, CTIM-UPC, Elisava, IDEP, IED, Labasad, LCI y Université de Franche-Comté. Mediante presentaciones dirigidas por los propios estudiantes, NXT brinda a los jóvenes creativos la oportunidad de mostrar sus proyectos a una audiencia global y comenzar a abrirse camino en el mundo profesional del diseño.

SOBRE OFFF

Fundado en Barcelona en 2001, OFFF es una plataforma global para la industria creativa que marca las tendencias de nuevas imágenes y estéticas en los campos del diseño, el arte y la cultura post-digital. A lo largo de sus 25 años de trayectoria, OFFF se ha convertido en una red internacional, ampliándose más allá del festival principal con OFFF On Tour, OFFF Studio y otros proyectos. Al reunir a una comunidad global de profesionales del diseño y la creatividad, OFFF fomenta la colaboración y el intercambio de ideas para expandir los límites de la cultura visual contemporánea.

Podéis obtener más información y comprar las entradas en: www.offf.barcelona